Redazione-  Napoli si prepara ad accogliere una prima nazionale di grande impatto culturale all’interno del prestigioso cartellone del Campania Teatro Festival. Il prossimo 4 luglio 2026, alle ore 20:30, il Teatro Tedér, incantevole chiesa sconsacrata trasformata in spazio di sperimentazione artistica nel cuore del capoluogo partenopeo, aprirà le sue porte per il debutto di Dimenticata Pace. Lo spettacolo, firmato da Muricena Teatro, rappresenta un caso unico nel panorama artistico italiano, essendo interpretato interamente da una compagnia di attori professionisti non vedenti e ipovedenti.

Il progetto non si limita a proporre una rappresentazione teatrale, ma mira a rovesciare il consolidato paradigma dell’inclusione: qui gli artisti con disabilità visiva non sono i destinatari di un’agevolazione, ma diventano le guide autorevoli di un percorso sensoriale alternativo aperto a tutto il pubblico. La scelta della location, il Teatro Tedér, non è affatto casuale. La struttura architettonica antica, con le sue risonanze acustiche e l’atmosfera raccolta, dialoga perfettamente con la natura immersiva del lavoro, che punta a stimolare udito, tatto e olfatto, riducendo il primato della visione per lasciare spazio a un’esperienza intima e profonda.

Il mito di Aristofane riletto attraverso il cunto napoletano

L’opera trae linfa vitale dalla celebre Pace di Aristofane, rielaborandola per interrogare l’attualità lacerata dai conflitti bellici. Se nel testo originale il vignaiolo Trigeo compiva l’impresa titanica di liberare la dea Eirene, in questa riscrittura drammaturgica la narrazione prende direzioni inaspettate. Il protagonista è un mendicante che percorre le strade del mondo accompagnato solo da Nuvola, il suo cane-guida, in una ricerca ostinata di una pace che sembra sparita dai radar della modernità.

A fare da bussola narrativa interviene la figura di Opora, un personaggio che richiama la mitologia classica attraverso l’immagine di una Parca intenta a filare e lavorare a maglia. Lei, vera narratrice, utilizza la lingua napoletana per tessere il “cunto” della “guagliuncedda”, un racconto che affonda le radici nella memoria collettiva e popolare. La guerra, sullo sfondo, viene rappresentata attraverso la lente della satira aristofanea, mantenendo intatta la forza grottesca dell’originale ma filtrata attraverso una sensibilità nuova. La compagnia, che opera stabilmente all’interno del laboratorio “Fare Teatro…oltre lo sguardo”, ha saputo trasformare i propri limiti fisici in un linguaggio espressivo dirompente.

Un riconoscimento ministeriale per una pratica d’eccellenza

Il valore del lavoro di Muricena Teatro ha ottenuto un importante sigillo istituzionale lo scorso gennaio 2026, quando il Ministero della Cultura ha inserito il laboratorio “Fare Teatro…oltre lo sguardo” — attivo dal 2018 — tra i dodici progetti finanziati a livello nazionale nel settore degli organismi che impiegano professionalmente artisti con disabilità. Questo riconoscimento colloca la compagnia in un alveo di eccellenza, validando un metodo di lavoro che non punta all’assistenzialismo, ma alla crescita professionale del performer.

Raffaele Parisi, regista e autore della drammaturgia, chiarisce la genesi creativa dello spettacolo: «Ci siamo chiesti dove cerchiamo la nostra pace in un mondo costantemente in conflitto. Il punto di partenza non è stato il testo scritto, ma i corpi degli attori. Abbiamo lavorato su suoni, respiri, passi e vibrazioni. In un’epoca in cui la vista è saturata di immagini di guerra, i nostri attori offrono una prospettiva diversa: loro quelle immagini non le vedono, le ascoltano, le attraversano con il corpo. Abbiamo cercato di capire se la pace possa essere ritrovata partendo dalla bellezza del prendersi cura dell’altro e dalla dimensione comunitaria».

La rappresentazione al Teatro Tedér diventa così non solo un evento teatrale, ma una riflessione filosofica sulla capacità dell’essere umano di immaginare ciò che appare perduto. La lingua napoletana funge da collante identitario, rendendo il mito classico accessibile e vicino, una scommessa che unisce tradizione e innovazione in un mix di potente carica emotiva. Il pubblico che varcherà la soglia del teatro in occasione del Campania Teatro Festival potrà sperimentare una diversa forma di presenza scenica, dove il teatro torna a essere, come all’origine, un rito di comunità.

Per maggiori dettagli sulle modalità di accesso e per acquistare i titoli d’ingresso, è possibile consultare il sito ufficiale del festival all’indirizzo https://campaniateatrofestival.it/, oppure mettersi in contatto direttamente con l’organizzazione tramite l’indirizzo email muricena.teatro@gmail.com.

Novara – La città piemontese, nota per il prestigio del suo polo universitario e la storica cupola di San Gaudenzio, diventa il crocevia ideale per raccontare le pagine di “Troppa Vita”, la nuova raccolta poetica di Federica Agrò. L’opera, edita da Aletti Editore all’interno della collana “I Diamanti della Poesia”, si presenta come un diario emotivo che attraversa i primi trent’anni di vita dell’autrice. Agrò, che divide le sue giornate tra l’impegno accademico come assegnista di ricerca presso il Dipartimento di Ingegneria Gestionale del Politecnico di Milano e la passione per la scrittura, ha saputo infondere nel volume un senso di urgenza comunicativa che spoglia l’anima di ogni artificio retorico.

La genesi di un volume tra radici e presente

La struttura di “Troppa Vita” non è casuale, ma risponde a una necessità architettonica del pensiero. Il libro è suddiviso in quattro atti distinti: Infanzia e Nostalgia, Introspezione e Resilienza, Relazione e Sentimento, e infine Dolore e Guerra. Questa scansione permette al lettore di muoversi tra i vari piani temporali che definiscono l’esistenza della protagonista. L’immagine di copertina, che ritrae un albero con un’altalena, non è solo una scelta estetica, ma un riferimento preciso alla dedizione iniziale dell’autrice rivolta al suo “albero di noci”, custode dei sogni di bambina.

Il filo rosso che lega le liriche è la sensazione di vertigine che deriva dal confronto con la contemporaneità. Per Federica Agrò, vivere nel presente significa misurarsi con una mole di stimoli, aspettative e conflitti globali che, sommati al proprio bagaglio personale, creano un senso di peso specifico difficile da gestire. La scrittura diventa quindi una sorta di meccanismo di difesa e, al tempo stesso, di presa di coscienza. Non si tratta di un’evasione, ma di un ancoraggio alla realtà, un modo per dare nome alla confusione del mondo contemporaneo.

La resilienza attraverso la parola scritta

All’interno delle pagine trovano spazio riflessioni profonde che hanno portato il maestro Giuseppe Aletti, curatore della prefazione, a sottolineare il valore salvifico del testo. L’opera è stata presentata anche in contesti di grande rilievo culturale, come il Salone Internazionale del Libro di Torino, guadagnandosi l’attenzione di un pubblico interessato alla poesia capace di dialogare con il vissuto.

Particolarmente toccante è la sezione dedicata all’infanzia e alla figura della nonna. In questi componimenti, la dimensione domestica — che in una città come Novara richiama le suggestioni delle radici familiari protette dal tempo — si trasforma in un faro. Il legame con la nonna, pur nella scomparsa fisica, permane come un’eco costante, alimentando l’empatia che caratterizza l’intera silloge. Parallelamente, la parte dedicata al dolore e alla guerra mette in luce una funzione catartica della penna: il foglio bianco diventa un campo di battaglia dove l’autrice non subisce gli eventi, ma tenta di riconquistare la propria vittoria interiore.

Una bussola per il lettore contemporaneo

Federica Agrò, oltre a essere una ricercatrice a Milano, coltiva un costante impegno civico attraverso la redazione di rubriche dedicate all’informazione internazionale. Questa doppia anima, tecnica e umanistica, si riflette in una scrittura chiara, diretta e priva di inutili orpelli. L’aspirazione dell’autrice è ambiziosa nella sua semplicità: vuole che la poesia diventi uno spazio condiviso, una sorta di “porto sicuro” per chiunque si senta smarrito nel brusio delle dinamiche attuali.

La raccolta non offre soluzioni facili alle complessità del vivere, ma si propone come una sorta di compagnia di disavventure per il lettore. In un’epoca segnata dall’incertezza e dalla difficoltà di proiettarsi nel futuro, il libro di Agrò invita a fermarsi e a riconoscere che, sebbene la vita possa apparire “troppa” da sostenere, la consapevolezza di sé è il primo passo per trasformare il peso in una forma di ricchezza personale. La disponibilità del volume in formato e-book permette a un pubblico vasto di avvicinarsi a queste liriche, che segnano un momento fondamentale nel percorso artistico di un’autrice che ha fatto dell’osservazione e della sensibilità la sua cifra stilistica.

Redazione-  Un concerto al giorno, spesso più di uno, in chiese medievali, ville storiche, auditorium, piazze e spazi culturali tra Brianza, Milano e persino oltreconfine. Entra nel vivo la diciassettesima edizione di Suoni Mobili, il festival itinerante ideato da Musicamorfosi e promosso dal Consorzio Brianteo Villa Greppi, che nella settimana dal 29 giugno al 5 luglio propone una delle sue sequenze più dense e rappresentative: organo e visioni cosmiche, handpan, jazz-pop acustico, musica brasiliana, fanfare techno, reggae africano, tango sacro e sperimentazioni tra Oriente e Occidente.

Il festival, che proseguirà fino a Ferragosto, conferma la propria identità più riconoscibile: portare la musica fuori dai circuiti convenzionali e trasformare ogni appuntamento in un invito a scoprire un luogo. Un’idea che negli anni ha reso Suoni Mobili una delle manifestazioni estive più riconoscibili del Nord Italia, capace di muoversi tra la Brianza monzese e lecchese, Milano, Como e Lugano con una naturalezza che è ormai parte del suo linguaggio.

Si parte da Missaglia e Casatenovo tra organo, spiritualità e handpan

La terza settimana del festival si apre lunedì 29 giugno a Missaglia, nella basilica di San Vittore, con una serata doppia che ha il sapore dell’esplorazione sonora. Alle 20.30 il protagonista sarà Roberto Olzer, tra i più apprezzati organisti italiani, impegnato in un percorso attraverso alcuni brani celebri sul “re degli strumenti”. A seguire spazio a Interstellar, progetto che lo vedrà sul palco con Gabriele Cassone alla tromba, Gennaro Scarpato a didgeridoo e percussioni e Jo Cho come soprano, in un itinerario che unisce Bach, Purcell, Arvo Pärt, Urmas Sisask e persino Hans Zimmer, con una rilettura inedita delle musiche del film Interstellar.

Il giorno dopo, martedì 30 giugno, il festival si sposta nella piccola chiesa di Santa Margherita a Casatenovo, dove Gennaro Scarpato sarà al centro di quattro momenti musicali dedicati all’handpan. Lo strumento, accordato a 432 Hz, porterà il pubblico dentro un’esperienza intima e immersiva, tra sonorità metalliche e avvolgenti, pensate per evocare armonia e contemplazione.

Milano, Osnago e Desio tra jazz etereo, Brasile e fanfara techno

La giornata di mercoledì 1 luglio si articola su più fronti. A Milano, al Volvo Studio, il trio Março formato da Marta Frigo, Sofia Zavaglia e Martina Campi proporrà un set sospeso tra jazz, pop e world music, costruito su voci intrecciate, chitarre acustiche e un clima sonoro delicato e sognante. Nello stesso giorno, a Osnago, arriverà il fisarmonicista brasiliano Roger Correa, musicista in forte ascesa internazionale, capace di fondere milonga, chamamé, tango, candombe, choro e altri linguaggi sudamericani con il jazz e l’improvvisazione.

Sempre il 1 luglio, ma a Desio, il centro cittadino sarà attraversato dalla travolgente energia della Bandakadabra, fanfara urbana piemontese che fonde il groove della techno con la forza dei fiati, in uno spettacolo pensato per trasformare la strada in una grande dance hall all’aperto. Il live si inserisce nel programma diffuso dei Mercoledì di Desio, che unisce musica, danza aerea e intrattenimento per tutte le età.

Lugano e Cusano Milanino: il Brasile contemporaneo al centro del festival

Il 2 luglio segna una giornata fortemente brasiliana. Al LAC di Lugano salirà sul palco Bia Ferreira, cantante e compositrice tra le figure più interessanti della nuova scena brasiliana, capace di intrecciare R&B, soul, afrobeat, reggae e sonorità bahiane con testi che affrontano razzismo, diritti, corpo, omofobia e identità. La sua musica, che lei stessa definisce música de mulher preta, restituisce la dimensione politica e personale della canzone contemporanea sudamericana.

La stessa sera, a Cusano Milanino, tornerà invece Roger Correa, questa volta in quartetto con Edilson Forte, Tiê Pereira e Rodrigo Porciúncula, in un live che promette una sintesi brillante tra musica sudamericana e improvvisazione jazz. Il concerto sarà replicato il 3 luglio al LAC di Lugano, confermando la centralità dell’artista all’interno di questa settimana del festival.

Afro Night a Seregno e i canti sacri di Nilza Costa

Uno dei momenti più attesi arriverà sabato 4 luglio a Seregno, dove l’auditorium di piazza Risorgimento ospiterà l’Afro Night. La serata si aprirà alle 20 con il dj set L’Afrique c’est chic di Marco Casa detto Kaya e con la danza fusion e le percussioni di Africa Misso, gruppo guidato da Tetè da Silveira. Alle 22 sarà la volta della cantante senegalese Mariaa Siga, indicata da diversi osservatori come una delle voci africane più interessanti del momento. La sua musica fonde tradizione senegalese, blues, folk-jazz e reggae, in una formula intensa e coinvolgente.

Sempre il 4 luglio, ma ancora a Lugano, spazio a Nilza Costa, artista originaria di Salvador de Bahia, che porterà sul palco Cantigas, progetto basato su canti sacri in lingua yoruba, kimbundu e portoghese. Una proposta che unisce spiritualità afrobrasiliana, memoria, diaspora nera e improvvisazione, trasformando il concerto in un racconto musicale di forte intensità simbolica.

Domenica tra Puccini, musica cinese e chiusura a Usmate Velate

La settimana si chiuderà domenica 5 luglio con tre appuntamenti. A Casatenovo, nella chiesa di San Gaetano di Rogoredo, andrà in scena Nessun dorma, Puccini tra Torre del Lago e la Cina, con Xiaoyu Zhao al guzheng, Luca Taccardi al violoncello ed Eva Carazzolo all’organo. Il concerto promette un viaggio tra repertorio cinese e occidentale, fino al dialogo con Turandot.

Nel pomeriggio, a Usmate Velate, lo stesso guzheng di Xiaoyu Zhao sarà protagonista dell’evento sinestetico Il caro estinto, nella Cappella Giulini Della Porta, dove musica e scultura dialogheranno attorno al tema del cordoglio ottocentesco. La chiusura definitiva della settimana sarà affidata, sempre a Usmate Velate e questa volta a Villa Scaccabarozzi, a Nilza Costa e al suo Cantigas, per un ultimo appuntamento in cui spiritualità, ritmo e radici afrobrasiliane si incontrano.

Nel complesso, la nuova settimana di Suoni Mobili conferma la forza di un festival che continua a muoversi tra generi, territori e pubblici differenti, senza mai perdere il suo tratto più riconoscibile: fare della musica un modo per abitare i luoghi con occhi nuovi.