Redazione-  Nella poesia “Gioisci poiché ti dimenticarono…!” dell’autore albanese Odise Kote, la parola “gioisci” è forse la parola più assurda e allo stesso tempo più dolorosa. Ella, suona come un invito all’allegria, ma in realtà è un sorriso amaro, quel sorriso che appare quando l’uomo non vuole mostrare la propria piaga. È quell’istante in cui “ridiamo per non piangere”.

Questa poesia è una meditazione culturale e filosofica sul destino dell’uomo in un tempo che non sa fermarsi e non sa ricordare.

L’epoca si presenta come uno spazio in cui l’oblio è diventato uno stile di vita e dove il vuoto ha sostituito la profondità. In questo nuovo ordine, essere dimenticati non è solo una questione emotiva. È uno spostamento dal centro alla periferia, un allontanamento taciturno dallo spazio attivo, dove la parola pesa e dove la presenza ha senso. È stare in disparte!

Essere dimenticati significa restare ai margini, là dove la tua voce non è né richiesta né autorizzata a farsi sentire. Soprattutto quando sei capace e ricco di valori e di coraggio civile, quando la tua conoscenza e il tuo coraggio disturbano la falsa tranquillità del tempo. Perché essere ascoltati significa essere al centro dell’attenzione, mettere in discussione, guidare e dare una direzione; ma questo è un tempo in cui al centro emergono spesso voci forti nei toni, ma superficiali nel sapere, mentre i pensieri giusti restano nell’ombra. Così può accadere di essere una luce in un angolo dimenticato della città, mentre il centro è illuminato da nuove e vuote pubblicità.

Quando il poeta dice che l’epoca è “fissata a dimenticare”, non parla solo di ricordi personali. Parla di una cultura che consuma l’uomo e lo mette da parte non appena passa l’istante dell’utilità e della necessità della sua presenza e del suo contributo. Qui l’oblio non è solo mancanza di memoria. È una divisione, disparte inflitta all’uomo, un’interruzione del dialogo tra l’individuo e la società. È un silenzio che cala tra l’uomo e il mondo.

In questo senso, il verso:
“Gioisci poiché ti dimenticarono!”
assume un suono duplice. In superficie è consolazione. In profondità è un’ironia amara, non tanto verso di te quanto verso il tempo stesso. Perché gioire dell’oblio è un’assurdità. Ed è proprio questa assurdità a rendere l’ironia più forte della protesta. Il poeta non sceglie di gridare. Sceglie il rovesciamento. L’ironia è come un coltello avvolto nella seta: non lo vedi quando colpisce, ma ne senti profondamente il colpo.

Se il poeta avesse gridato: opponiti, lotta, rivendica il tuo posto, la poesia sarebbe stata più diretta. Ma sarebbe stata anche più ordinaria. Dicendo “gioisci”, egli spoglia l’emarginazione della sua gravità. Trasforma l’oblio in uno specchio del tempo.

È una forma di protesta silenziosa, un atteggiamento stoico che afferma: se il mio posto non mi viene dato, non lo chiederò.

Eppure, sotto questa quiete si cela un dolore profondo. Perché l’oblio continuo conduce l’uomo verso un pericolo ancora più grande: non solo essere dimenticato dagli altri, ma dimenticare se stesso. E i versi finali sono taglienti nella loro semplicità:

“Respiri profondamente,
e così lo dimentichi facilmente te stesso…”

Qui la poesia diventa esistenziale. Dimenticare se stessi significa rinunciare alla propria dignità, alle proprie capacità, al proprio sapere e al proprio coraggio. È come spegnere la luce nella propria casa perché nessuno bussa alla porta. All’inizio è un’oscurità quieta. Poi diventa vuoto.

La metafora della “sciarpa dell’amnesia” approfondisce questa idea:
“avvolgiti con la sciarpa dolce,
calda dell’amnesia.”

Questa sciarpa ti protegge dal freddo dell’emarginazione, ma ti chiude anche l’orizzonte. Ti offre conforto, ma ti sottrae la possibilità di agire. È come una stanza calda in cui resti al sicuro, ma con le finestre chiuse e tu sei isolato. L’amnesia ti calma, ma ti priva della memoria che mantiene viva l’identità.

ODISE KOTE – GIOISCI POICHÉ TI DIMENTICARONO

La nostra epoca si è arresa
al demone della velocità.

Quando le cose accadono troppo in fretta,
nessuno è sicuro di nulla,
proprio di nulla, neppure per se stesso.

La nostra epoca è fissata per dimenticare,
si sente esausta da se stessa,
schifata e cerca di spegnere
quella scintilla di memoria.

Amico caro, non tormentare te stesso!

Esci dalla fanghiglia della sofferenza, del sacrificio,
non pensare alle risate che ti ferirono,
avvolgiti con la sciarpa dolce,
calda dell’amnesia.

Gioisci poiché ti dimenticarono!

Respiri profondamente,
e così
lo dimentichi facilmente te stesso…

Traduzione: Angela Kosta

Roma – Nel panorama delle arti performative, dello sviluppo delle industrie creative e delle produzioni di spettacolo dal vivo in Italia, l’interazione sinergica tra la composizione musicale e l’espressione coreutica costituisce una variabile fondamentale per determinare il successo dei grandi eventi teatrali. Nei primi giorni di luglio 2026, lo storico e monumentale palcoscenico del Teatro Olimpico di Roma ha ospitato lo spettacolo di fine anno accademico del Lachance Ballet. La manifestazione, ideata, strutturata e diretta con rigore e passione dal maestro Steve La Chance — figura di assoluto riferimento e tra i più stimati professionisti della danza jazz e contemporanea a livello nazionale —, ha registrato il tutto esaurito, offrendo alla platea una sequenza di esibizioni di altissimo livello tecnico e sancendo la maturità espressiva dei giovani allievi dell’accademia.

La presenza delle istituzioni e il parterre di ospiti del mondo dello spettacolo

Il valore artistico e il rilievo culturale dell’evento sono stati confermati dalla presenza in sala di un folto pubblico composto da autorità istituzionali, volti noti del piccolo schermo e professionisti del settore dell’intrattenimento. Tra le poltrone del Teatro Olimpico si è registrata la partecipazione del noto conduttore e artista musicale Marcello Cirillo, del sindaco Gian Filippo Santi, affiancato da una delegazione di rappresentanti dell’amministrazione comunale del territorio, del producer discografico MPulse, dell’attore Angelo Costabile e di Eleonora Spinosa, vincitrice di un prestigioso titolo di Miss. Questa massiccia presenza di ospiti testimonia l’importanza di investire sulla didattica dello sviluppo giovanile attraverso la danza, trasformando il saggio accademico in un reale momento di aggregazione e valorizzazione del capitale umano artistico del Paese.

Le coreografie di Aladdin e la scomposizione della favola in chiave moderna

La seconda parte del programma ha trasportato il pubblico all’interno di un viaggio immersivo e suggestivo incentrato sulla rilettura e sulla scomposizione coreografica della celebre favola di Aladdin. Le linee di movimento progettate da Steve La Chance hanno superato i cliché dell’animazione tradizionale per restituire una messinscena vibrante, caratterizzata da costumi di raffinata fattura e scenografie flessibili capaci di valorizzare le volumetrie del palco dell’Olimpico. I giovani interpreti hanno affrontato le difficoltà tecniche dei salti, dei passi a due e delle prese con una fluidità e una presenza scenica eccellenti, trasmettendo alla platea la forza emotiva e l’adrenalina di un’opera senza tempo, capace di parlare a un pubblico trasversale composto da bambini, famiglie e adulti.

Il ruolo di Claudio David nella creazione delle basi musicali per la danza

Il fattore determinante per l’eccezionale resa acustica e il ritmo delle singole esibizioni risiede nell’accurata architettura della produzione musicale e sonora che ha accompagnato i corpi di ballo. Le basi audio sono state interamente realizzate dal compositore e arrangiatore Claudio David, il quale ha strutturato un ordito sonoro su misura per assecondare l’intensità e l’impatto emotivo dei passi ideati dal coreografo. Lontano dall’adottare soluzioni sonore commerciali e ripetitive, David ha sviluppato un metodo di scrittura musicale istintivo e raffinato, inserendo accenti elettronici e dinamiche sinfoniche flessibili, indispensabili per guidare i danzatori nelle frazioni di secondo e garantire la perfetta sincronia tra il gesto atletico e l’ascolto della traccia in sala.

L’annuncio ufficiale all’Olimpico: Claudio David nominato producer del team

Il momento di massimo rilievo istituzionale della serata si è consumato sul proscenio al termine dei ringraziamenti finali. Davanti alla folta platea plaudente, il maestro Steve La Chance ha voluto richiamare sul palco Claudio David per tributargli un ringraziamento pubblico per l’eccezionale lavoro svolto, ufficializzando davanti ai cittadini e alle autorità il suo ingresso formale e stabile all’interno del proprio team artistico con la carica di producer ufficiale. Questo importante riconoscimento sancisce la nascita di un sodalizio professionale di lungo periodo tra due grandi firme dello spettacolo italiano, la cui cooperazione strategica promette di dare vita a nuovi e ambiziosi progetti multidisciplinari volti a innovare i codici della danza e del linguaggio corporeo contemporaneo.

L’impatto economico della formazione artistica per le giovani generazioni

In ultima analisi, il successo della serata del Lachance Ballet riapre la discussione sui benefici e sulle ricadute economiche che l’investimento nell’alta formazione dei giovani genera sui mercati culturali delle province e delle aree metropolitane della penisola. Permettere ai ragazzi di formarsi all’interno di accademie improntate sul merito, sul rispetto delle regole, sulla disciplina quotidiana e sul rispetto reciproco costituisce un pilastro fondamentale per la crescita personale dei minori e per la prevenzione del disagio giovanile. La cooperazione tra grandi maestri, uffici comunali e professionisti del suono rimane l’unica via per trasformare la passione in una solida opportunità di impiego, offrendo alle future generazioni una valida alternativa contro i rischi di isolamento e valorizzando la bellezza e l’arte come beni comuni.

Grottammare – Nel fitto panorama delle riforme estetiche che interessano le arti visive contemporanee e la saggistica sui linguaggi del Novecento, l’interazione concettuale tra le discipline plastiche e la storicizzazione delle icone dello sport di massa rappresenta un filone di straordinario interesse speculativo. In coincidenza con lo svolgimento della sua mostra antologica intitolata “Cantami o Musa”, ospitata all’interno delle prestigiose gallerie del Palazzo Kursaal di Grottammare, nelle Marche, l’acclamato pittore e intellettuale italiano Mario Vespasiani ha diffuso un’articolata e accorata nota critica per solennizzare la memoria e l’improvvisa scomparsa di Franco Baresi. Il leggendario difensore, storico capitano del Milan e della Nazionale italiana di calcio, si è spento all’età di 66 anni, lasciando un vuoto incolmabile nel capitale umano sportivo del Paese e offrendo a Vespasiani il pretesto per una profonda riflessione sociologica sui valori della lealtà e della coerenza etica.

Il parallelismo tra l’intuizione del pittore e la visione di gioco sul campo

L’ordito critico strutturato da Mario Vespasiani deostruisce i cliché della semplice cronaca sportiva per tracciare un parallelismo lineare e storiografico tra l’atto della creazione pittorica e la leadership espressa da Baresi sui terreni di gioco dell’Eurozona. La capacità del capitano rossonero di decodificare lo sviluppo dell’azione agonistica prima degli altri viene elevata dall’artista a vera e propria qualità visionaria, assimilabile al processo generativo che precede la stesura del colore sulla tela nZEB. Secondo la disamina di Vespasiani, il difensore non si limitava a interpretare un ruolo tattico, ma dipingeva la maglia su se stesso, trasformando la disciplina e il senso della posizione in un hardware identitario in grado di anticipare l’invisibile e di governare le geometrie dei flussi di gioco attraverso un’innata serenità sotto pressione.

La scomposizione del rigore di Pasadena ’94 e il valore dell’errore civile

Un capitolo di primaria rilevanza psicologica e civile all’interno del manifesto di Vespasiani investe la scomposizione del trauma sportivo più celebre della carriera di Baresi: il calcio di rigore fallito durante la finale dei Mondiali di USA 1994 a Pasadena contro il Brasile. L’artista marchigiano analizza quell’episodio drammatico per riaffermare che la reale autorevolezza dei leader non coincide con un’algoritmica infallibilità, ma con la disponibilità ad assumersi la responsabilità delle decisioni nei momenti di massima asfissia competitiva. Il capitano che piange sul prato americano, ferito ma indomito, si offre come un archetipo universale della fragilità umana, insegnando alle nuove generazioni come il coraggio dell’errore e il merito del sacrificio costituiscano l’unico argine etico contro l’appiattimento e la superficialità della società dei consumi.

Il welfare della presenza e il legame profondo con il Kursaal di Grottammare

La cornice monumentale del Palazzo Kursaal di Grottammare opera in questa riflessione come uno straordinario ponte ideale e spaziale tra la saggistica musicale e l’epopea del calcio-spettacolo degli anni Ottanta e Novanta. Le sale del Kursaal, storica dinamo della vita ricreativa dell’Adriatico, ospitarono negli anni Settanta i primi storici concerti acustici di Lucio Battisti; l’eco di quel repertorio si riflette direttamente nel titolo dell’editoriale di Vespasiani, richiamando i versi immortali de “Il mio canto libero”. La coincidenza temporale tra la mostra d’arte e il congedo biologico di Baresi all’età di 66 anni — cifra numerica che richiama geometricamente l’iconico numero 6 stampato sulla sua schiena — si offre alla cittadinanza come un invito a difendere il “welfare della presenza” contro l’isolamento indotto dalle reti virtuali delle metropoli.

L’umiltà e la disciplina interna come hardware del vero talento artistico

In ultima analisi, la nota di Mario Vespasiani si configura come un solenne manifesto laico che eleva la costanza, l’affidabilità e il rispetto della parola data a unici strumenti in grado di preservare la verità dell’arte e della vita contro le lusinghe del conformismo commerciale. Il lavoro del calciatore d’élite, fondato su anni di esercizio invisibile, rinunce quotidiane e rigorosa gestione della fatica, specchia fedelmente la dedizione del pittore che abita in solitudine il proprio studio, inserito in una comunità invisibile di maestri, curatori e collezionisti del Terzo Settore. Restare fedeli alla propria origine e alla voce interiore, conclude l’autore, costituisce l’unica via per convertire la memoria in bellezza condivisa, trasformando il cammino terreno di Franco Baresi in un eterno Canto Libero di libertà e coesione civile per il Paese.