Milano – Esistono storie terrene talmente potenti, pure e straordinarie da travalicare i confini della normale cronaca quotidiana, trasformandosi in luminosi e indissolubili messaggi di speranza e di amore universale. A poco più di un solo anno dall’emozionante e partecipatissima cerimonia di canonizzazione (avvenuta lo scorso 7 settembre 2025 per volere di Papa Leone XIV) e in occasione del doloroso traguardo dei vent’anni dalla sua prematura scomparsa terrena, la parabola umana e spirituale di Carlo Acutis è finalmente pronta per entrare nelle case e nei cuori di milioni di italiani.
Domenica 27 settembre, la rete ammiraglia Mediaset, Canale 5, trasmetterà in prima assoluta e in prima serata l’attesissimo e commovente film tv intitolato “Il mio nome è Carlo” (l’opera sarà contemporaneamente disponibile anche in streaming sulla piattaforma digitale Mediaset Infinity). Dietro la macchina da presa di questa complessa e delicatissima trasposizione televisiva siede il celebre e apprezzato regista Giacomo Campiotti, chiamato all’arduo e nobile compito di ripercorrere, con tatto e profondo rispetto, la brevissima ma incredibilmente densa vita del ragazzo spirato nel 2006, ad appena quindici anni, e divenuto oggi una figura di culto globale per le nuove generazioni di fedeli.

Da normale adolescente all’altare: il film evento tra infanzia e liceo

Il grande punto di forza di “Il mio nome è Carlo” (la cui sceneggiatura è stata firmata dallo stesso Giacomo Campiotti in stretta collaborazione con l’autore Carlo Mazzotta) è quello di aver rifuggito il classico e asettico approccio documentaristico. Il film, infatti, sceglie coraggiosamente di esplorare e raccontare l’Acutis “persona”, seguendo il protagonista in tre momenti nevralgici e distinti della sua breve esistenza terrena: la spensierata infanzia a sei anni, le prime curiosità spirituali a undici anni e, infine, l’intensissima fase dell’adolescenza, proprio quando Carlo inizia a frequentare il primo, fondamentale anno di liceo a Milano.
La narrazione televisiva parte intelligentemente e volutamente dalla dimensione più comune, quotidiana e normalissima del giovane protagonista. Vengono sviscerate le dinamiche scolastiche, i legami d’amicizia, le naturali tensioni in famiglia e le classiche, dirompenti passioni di un ragazzo dei primi anni Duemila, apparentemente identico a centinaia di migliaia di suoi coetanei. Ma è proprio all’interno di questo rassicurante ritratto borghese che il film innesca la scintilla divina: fin da quando era solo un bambino, infatti, Carlo inizia a sviluppare e a coltivare un rapporto mistico, intimo e particolarmente intenso con la fede cattolica. Una vocazione precoce e insopprimibile, destinata molto presto a diventare il fulcro luminoso e inossidabile dell’intera sua vita.

Il Santo dell’era digitale: l’Eucarestia, l’informatica e gli ultimi

La fiction Mediaset centra perfettamente uno degli snodi cruciali e più affascinanti della biografia di Acutis: il geniale rapporto con la tecnologia. Accanto alla preghiera e all’adorazione eucaristica, esplode nel ragazzo una competenza formidabile e una passione sfrenata per il mondo della programmazione informatica e dei primordi del web.
Carlo, con un intuito profetico, capisce prestissimo le immense potenzialità aggregative offerte dalla nascente rete internet. Rifiuta l’idea di usare il computer esclusivamente come una console per videogiocare o divertirsi in solitudine, e decide di trasformarlo in un moderno e potentissimo pulpito virtuale per comunicare, evangelizzare e condividere col mondo le sue certezze assolute. È proprio questa formidabile intuizione ad avergli garantito, negli anni successivi al trapasso, il popolare appellativo di “Santo dell’era digitale”. Ma l’algoritmo umano di Carlo non si fermava allo schermo di un pc. Il film di Campiotti esplora con estrema commozione le relazioni personali del quindicenne, mettendo in primissimo piano la sua instancabile attenzione, fisica e materiale, verso le persone più fragili della sua città, verso i senzatetto e chiunque rischiasse di rimanere crudelmente ai margini della società milanese dell’epoca.

La tragica diagnosi e i luoghi storici: un cast d’eccezione

La storia ripercorre il rapido precipitarsi degli eventi. Nell’autunno del 2006, l’adolescente viene aggredito improvvisamente da una forma letale e fulminante di leucemia promielocitica acuta, spegnendosi serenamente e in odore di santità il 12 ottobre. “Il mio nome è Carlo”, pur essendo liberamente ispirato a fatti reali, rielabora sapientemente alcuni passaggi logici per evidenti ed emozionanti esigenze narrative, concentrandosi soprattutto sull’intimo percorso di formazione del protagonista.
A donare il volto televisivo al Carlo adolescente ci ha pensato il talentuoso e promettente attore Samuele Carrino (già apprezzato protagonista del toccante film “Il ragazzo dai pantaloni rosa”). Nel ruolo della coraggiosa madre, Antonia Salzano, troviamo l’ottima attrice Lucia Mascino, supportata da un cast di prim’ordine che vanta la presenza di Brayan Palliyagoda, Flavio Parenti, Maurizio Donadoni e Stefano Massari. Infine, la verosimiglianza visiva del progetto è stata garantita dalla scelta sacrosanta delle location storiche e originarie: le macchine da presa si sono mosse esclusivamente tra le caotiche strade di Milano (la città in cui Carlo è nato, cresciuto e ha studiato) e gli scorci mistici di Assisi (il luogo francescano a cui era intimamente e spiritualmente legato, e dove il suo corpo incorrotto riposa oggi, venerato in tutto il globo).

Redazione-  Ci sono artisti che dipingono con il colore, altri che affidano la propria creatività alla materia. Paolo Ranocchia ha scelto una strada ancora più singolare: trasformare il legno in una superficie capace di custodire immagini, volti, paesaggi e dettagli attraverso la forza e la precisione del fuoco.

La sua è un’arte paziente, meticolosa, nella quale il pirografo diventa una sorta di matita incandescente. È attraverso questo strumento che Ranocchia interviene sulle tavole di legno, incidendo e modulando il materiale fino a ottenere risultati che, a prima vista, possono sembrare vere fotografie.

Ma la ricerca artistica di Paolo Ranocchia non si esaurisce nella pirografia. La sua creatività trova espressione anche nella scultura, attraverso la quale l’artista trasforma il legno e altri materiali in forme tridimensionali suggestive, capaci di dialogare con lo spazio e con lo sguardo di chi le osserva.

Se nella pirografia il fuoco traccia, disegna e modella la superficie, nella scultura il gesto artistico entra nella materia, ne segue le forme, ne interpreta le caratteristiche e cerca di condurla verso una nuova identità. È un passaggio dalla bidimensionalità alla tridimensionalità che rivela una particolare versatilità creativa.

Il procedimento richiede sensibilità, controllo e una profonda conoscenza della materia. Ogni variazione della pressione, ogni passaggio del pirografo e ogni differente intensità della bruciatura contribuiscono alla costruzione dell’immagine. Il legno, da semplice supporto, diventa così parte integrante dell’opera e conferisce alle raffigurazioni una dimensione calda, materica e irripetibile.

Osservando i lavori di Paolo Ranocchia si ha la sensazione di trovarsi davanti a un paradosso artistico: il fuoco, elemento tradizionalmente associato alla distruzione, viene utilizzato per creare, definire e conservare. Dove una fiamma potrebbe consumare, la mano dell’artista costruisce. Dove il legno potrebbe essere semplicemente inciso, nasce invece un’immagine.

Nelle sculture, invece, la materia acquista una nuova dimensione. L’opera non si limita più a essere osservata frontalmente, ma chiede di essere esplorata nello spazio. Cambia il punto di vista, cambiano le prospettive e con esse cambia anche la percezione dell’opera.

Il risultato è particolarmente sorprendente nella resa dei dettagli. Attraverso differenti tonalità e profondità della pirografia, Ranocchia riesce a suggerire ombre, contrasti, espressioni e prospettive, restituendo alle tavole una straordinaria capacità narrativa. Non si tratta soltanto di riprodurre un soggetto: il vero valore risiede nella trasformazione di una fotografia o di un’immagine di riferimento in qualcosa di completamente nuovo.

La superficie lignea conserva infatti la propria identità. Le venature, le irregolarità e la struttura naturale del materiale non vengono necessariamente nascoste, ma diventano parte della composizione. Ogni opera porta con sé, dunque, una doppia firma: quella della natura, impressa nel legno, e quella dell’artista, affidata al segno del pirografo.

Nella scultura questo rapporto diventa ancora più profondo. L’artista non si limita a decorare la materia, ma la modifica, la plasma e la accompagna verso una nuova forma, rispettandone al tempo stesso caratteristiche e peculiarità.

Le sculture lignee di Ranocchia possono così diventare creature, figure, forme astratte o rappresentazioni nelle quali il materiale naturale conserva qualcosa della propria origine. Il legno non perde completamente la sua identità: al contrario, continua a parlare attraverso le venature, le superfici e le imperfezioni che rendono ogni pezzo diverso dall’altro.

È proprio questo dialogo tra uomo e materia a rendere interessante la ricerca di Ranocchia. In un’epoca dominata dalle immagini digitali, dalla fotografia istantanea e dalla riproducibilità pressoché infinita, scegliere il legno, il fuoco e la lavorazione manuale significa recuperare un rapporto lento e fisico con l’arte.

Ogni tavola richiede tempo, attenzione e capacità di correggere, modulare, approfondire. Ogni scultura, invece, richiede la capacità di pensare nello spazio, di osservare la materia da più prospettive e di comprendere come un’idea possa trasformarsi in una forma concreta.

Il lavoro dell’artista si colloca così in una dimensione artigianale che non rinuncia, però, a una precisa vocazione artistica. La tecnica diventa lo strumento attraverso il quale esprimere una sensibilità personale, mentre il legno si trasforma in una sorta di tela tridimensionale sulla quale la luce viene evocata attraverso il segno o direttamente trasformata in forma.

Le opere di Paolo Ranocchia raccontano, in definitiva, una concezione dell’arte fondata sulla pazienza e sulla manualità. Sono immagini nate dal fuoco, ma capaci di trasmettere delicatezza; fotografie reinterpretate attraverso una materia viva; sculture che trasformano legno e altri materiali in presenze tridimensionali; lavori nei quali la precisione tecnica incontra l’imprevedibilità naturale della materia.

E forse è proprio qui che risiede il fascino più autentico della sua produzione: nel riuscire a dimostrare che anche uno strumento semplice, nelle mani di chi possiede talento e sensibilità, può diventare il tramite per una forma d’arte sorprendente.

Paolo Ranocchia non si limita a incidere il legno: lo ascolta, ne segue le venature e, attraverso il fuoco, gli restituisce una nuova identità. Allo stesso tempo, quando si dedica alla scultura, entra nella materia per scoprirne possibilità, equilibrio e forma.

Il risultato sono opere che sembrano fotografie, ma che fotografia non sono. Sono immagini scolpite dalla luce del fuoco, custodite dal legno e rese uniche dalla mano dell’artista; e sono sculture nelle quali materiali differenti diventano materia viva di un racconto artistico personale.

PAOLO RANOCCHIA, IL LEGNO COME LINGUAGGIO DELL’ANIMA: INTERVISTA ALL’ARTISTA

Paolo, il legno sembra essere diventato per Lei una vera e propria materia d’ispirazione. Quando è nato questo rapporto così intenso con questo materiale?

Il legno mi ha sempre affascinato perché è una materia viva, capace di raccontare qualcosa ancora prima che l’artista intervenga. Ogni tavola possiede venature, nodi, sfumature e caratteristiche differenti. Quando la osservo, cerco di capire quale possa essere la sua destinazione. A volte è il legno stesso a suggerirmi cosa realizzare.

Il pirografo è uno degli strumenti attraverso cui esprime maggiormente il Suo estro creativo. Cosa significa per Lei lavorare con il fuoco?

Significa trasformare un elemento che normalmente associamo alla distruzione in uno strumento di costruzione artistica. Il pirografo richiede grande attenzione: basta una pressione diversa o un passaggio più lungo per modificare completamente una tonalità. È un lavoro di precisione, ma anche di sensibilità. Con il fuoco cerco di creare sfumature, profondità, ombre e particolari che permettano all’immagine di prendere vita.

Alcune Sue opere pirografiche sembrano vere fotografie. Quanto è complesso ottenere questo effetto?

Molto. La difficoltà sta soprattutto nel rendere attraverso il legno e il pirografo ciò che normalmente viene restituito dalla fotografia attraverso la luce. Io devo ricreare quelle differenze di tono utilizzando soltanto la bruciatura. È necessario procedere lentamente, osservando continuamente il risultato. La fotografia può essere il punto di partenza, ma l’opera finale deve avere una propria identità.

Il Suo percorso artistico non si limita però alla pirografia. Lei realizza anche sculture, lavorando il legno e sperimentando altri materiali. Quanto è importante per Lei poter spaziare tra linguaggi e materie differenti?

È molto importante, perché ogni materiale possiede caratteristiche e possibilità diverse. Il legno mi permette di entrare in contatto con una materia naturale, viva, mentre altri materiali possono offrire possibilità differenti. La scultura mi dà inoltre la possibilità di uscire dalla superficie e confrontarmi con il volume, con lo spazio e con la tridimensionalità. Credo che un artista debba mantenere viva la curiosità e non smettere mai di sperimentare.

Le Sue sculture in legno appaiono particolarmente suggestive. Che cosa significa, per Lei, dare una nuova forma a un pezzo di legno?

Significa cercare di liberare qualcosa che, in qualche modo, è già presente nella materia. Quando guardo un pezzo di legno, non vedo soltanto un materiale da lavorare: provo a immaginare ciò che potrebbe diventare. La scultura nasce proprio da questo incontro tra ciò che immagino e ciò che il legno mi permette di realizzare. È un processo nel quale bisogna saper osservare, ma anche saper ascoltare.

Quanto conta la forma originaria del legno nella realizzazione di una scultura?

Conta moltissimo. La forma naturale può diventare il punto di partenza dell’opera. Una curvatura particolare, una spaccatura, una venatura o un nodo possono suggerire una figura o un movimento. Cerco di non cancellare completamente queste caratteristiche, perché sono parte della storia del legno. Una scultura diventa ancora più interessante quando riesce a conservare qualcosa della sua origine.

Quando inizia una scultura, vede già nella materia l’opera finita oppure la scopre poco alla volta?

A volte ho un’idea precisa, altre volte l’opera si rivela durante la lavorazione. Credo che la parte più affascinante sia proprio questa scoperta progressiva. Man mano che intervengo sulla materia, emergono forme e possibilità che inizialmente non avevo previsto. È quasi un dialogo nel quale io propongo una direzione e il materiale, a sua volta, mi risponde.

Quanto tempo può richiedere la realizzazione di una scultura particolarmente complessa?

Dipende dalle dimensioni, dalla forma e dal livello di dettaglio che voglio raggiungere. Alcune opere possono richiedere molto tempo, perché preferisco procedere senza fretta. La materia non ama essere forzata. Ci sono momenti in cui è necessario fermarsi, osservare il lavoro e poi riprenderlo con uno sguardo nuovo. Anche la pazienza fa parte della tecnica.

C’è un momento della lavorazione nel quale sente che la scultura ha finalmente trovato la propria identità?

Sì, e spesso è un momento difficile da spiegare a parole. È come se, a un certo punto, la materia smettesse di essere semplicemente un pezzo di legno e iniziasse a diventare un’opera. Quando percepisco che la forma comunica qualcosa anche senza bisogno di spiegazioni, capisco che sto arrivando alla conclusione.

La scultura permette di osservare un’opera da molteplici prospettive. Quanto è importante questo aspetto?

È fondamentale. Una scultura non possiede un unico punto di vista. Cambiando posizione cambiano le ombre, le proporzioni e persino il significato che possiamo attribuire alla forma. Mi piace pensare che l’opera inviti chi la osserva a muoversi intorno ad essa, a scoprirla lentamente e a trovare ogni volta un particolare nuovo.

Il legno è un materiale caldo, ma può anche diventare forte, imponente e quasi monumentale. Quale lato della sua personalità cerca maggiormente di esprimere?

Dipende da ciò che voglio raccontare. A volte cerco delicatezza, altre volte forza. Il bello del legno è proprio la sua capacità di accogliere emozioni apparentemente opposte. Può essere morbido nello sguardo e potente nella forma. Può trasmettere fragilità e, allo stesso tempo, resistenza. Sta all’artista cercare l’equilibrio.

Nelle Sue sculture cerca più la perfezione della forma o l’emozione che quella forma riesce a trasmettere?

La perfezione tecnica è importante, ma da sola non basta. Una scultura può essere perfetta e non comunicare nulla. Io preferisco un’opera capace di lasciare una sensazione, di suscitare una domanda, di fermarsi nella memoria di chi la guarda. La tecnica deve essere al servizio dell’emozione.

Quanto è importante accettare anche le imperfezioni del legno?

Molto. Quelle che potremmo definire imperfezioni spesso sono proprio gli elementi che rendono un’opera unica. Un nodo, una crepa o una venatura particolare possono diventare parte fondamentale della composizione. La natura non crea copie perfette e credo che anche l’arte debba conservare questa autenticità.

Quando lavora con altri materiali, cerca di mantenere lo stesso rapporto che ha con il legno?

Sì, anche se ogni materiale richiede un approccio diverso. Cerco di conoscerne le caratteristiche e di capire quali possibilità espressive possa offrirmi. Non voglio semplicemente adattare la stessa tecnica a materiali differenti: preferisco lasciare che sia ogni materia a suggerirmi un linguaggio.

Secondo Lei, una scultura può raccontare una storia senza utilizzare una sola parola?

Assolutamente sì. La materia può parlare attraverso una forma, una posizione, una superficie, una linea. Anche il silenzio può diventare una forma di racconto. Una scultura non deve necessariamente spiegare: può suggerire, evocare, emozionare. E spesso ciò che non viene detto lascia nello spettatore uno spazio ancora più grande per interpretare.

Pirografia e scultura sembrano due linguaggi diversi, ma nella Sua produzione hanno un elemento comune: la manualità. Quanto conta ancora oggi saper lavorare con le proprie mani?

Conta moltissimo. Viviamo in un mondo nel quale gran parte delle immagini viene prodotta o modificata attraverso strumenti digitali. Lavorare manualmente significa invece accettare il tempo necessario alla creazione. Ogni segno rimane legato a un gesto preciso. Questo rende l’opera irripetibile. Per me la manualità non è un limite, ma una grande libertà.

Crede che il materiale abbia una propria memoria?

Sì, penso che ogni materia abbia una memoria. Il legno porta con sé la storia dell’albero da cui proviene, le sue venature, le sue trasformazioni. Anche gli altri materiali possiedono caratteristiche che possono influenzare il risultato finale. L’artista deve imparare ad ascoltare questa memoria e a trasformarla senza cancellarla completamente.

Che cosa vorrebbe che una persona provasse guardando una Sua opera?

Vorrei innanzitutto che si fermasse a guardarla. Oggi siamo abituati a scorrere velocemente le immagini. Un’opera in legno, invece, chiede tempo. Mi piacerebbe che chi la osserva riuscisse a riconoscere i dettagli, le venature, il lavoro del pirografo e, soprattutto, percepisse che dietro quella tavola o quella scultura c’è stato un percorso fatto di pazienza, passione e ricerca.

Se dovesse definire con una sola parola il Suo rapporto con il legno e con la materia, quale sceglierebbe?

“Dialogo”. Perché ogni volta che lavoro il legno non sto semplicemente trasformando una materia. Sto cercando di capire cosa può diventare. E credo che la vera creatività nasca proprio da questo incontro: l’artista mette l’idea, la materia mette la propria storia e il lavoro nasce dall’unione delle due cose.

Nelle opere di Paolo Ranocchia vive il fascino di un’artigianalità autentica, fatta di tempo, pazienza e manualità. Il legno, lavorato con il pirografo o trasformato in scultura, così come gli altri materiali che entrano nella sua ricerca, diventano testimonianza di un sapere che non ha fretta e che trova nella mano dell’artista la sua forma più vera.

Le sue sculture suggeriscono inoltre un rapporto quasi intimo con la materia: il legno non viene semplicemente plasmato, ma ascoltato, interpretato e accompagnato verso una nuova esistenza. Le venature diventano memoria, le forme diventano racconto, le imperfezioni diventano unicità.

Perché in un mondo sempre più digitale e veloce, la bellezza di un’opera artigianale sta proprio nella sua irripetibilità: ogni segno racconta una storia, ogni venatura custodisce un frammento di natura e ogni creazione porta con sé l’impronta unica di chi l’ha realizzata.

Il fuoco disegna, la materia prende forma e l’artista ascolta. È in questo dialogo silenzioso tra mano, materia e creatività che Paolo Ranocchia costruisce il proprio personale linguaggio dell’arte.

Londra – L’amore, si sa, richiede enormi e costanti compromessi quotidiani, infinita pazienza e una capacità quasi sovrumana di scendere a patti con i piccoli o grandi difetti del proprio partner. Ma cosa succede quando il vero, insuperabile, spietato e diabolico ostacolo alla felicità e alla serenità coniugale non ha nulla a che fare con suocere invadenti, incomprensioni finanziarie o banali gelosie, ma possiede quattro zampe, una lunga coda morbida e un paio di occhi glaciali che ti fissano nel buio?
La risposta arriva forte e chiara da un esilarante, disperato e incredibilmente virale sfogo pubblicato sulla stampa britannica, che sta letteralmente facendo impazzire e dividendo a metà il mondo dei social network. La confessione, scritta a cuore aperto da un marito ormai giunto al limite estremo della sopportazione psicologica, è un grido di dolore tanto tragicomico quanto drammaticamente reale: l’uomo dichiara pubblicamente e spudoratamente di amare alla follia la propria meravigliosa consorte, ma di provare un odio profondo, viscerale e incolmabile nei confronti del perfido e manipolatore gatto di famiglia.

La guerra domestica e silenziosa: quando il felino diventa il nemico

Questa assurda, snervante e silenziosa guerra fredda per la conquista del territorio domestico si combatte ogni singolo giorno, lontano da sguardi indiscreti, all’interno delle mura casalinghe. Quella descritta dall’autore non è una semplice e passeggera antipatia tra specie diverse, ma una vera e propria, raffinatissima e spietata ostilità calcolata al millimetro dal felino.
Secondo il drammatico racconto del marito esasperato, la “maledetta bestiaccia” sa esattamente, perfettamente e lucidamente cosa sta facendo. Il gatto ha innescato un’infida, costante e strisciante campagna di sabotaggio psicologico volta a un unico, crudele, machiavellico e definitivo scopo: allontanarlo per sempre dalla moglie, mettendoli l’uno contro l’altra, per ristabilire il proprio dominio assoluto, incontrastato e incondizionato sulle attenzioni e sugli spazi della donna padrona di casa.

Dispetti mirati e sguardi carichi di gelido disprezzo

Il repertorio delle ostilità e dei dispetti tattici messi in campo dal diabolico animale domestico è vastissimo e degno dei migliori e più spietati strateghi militari della storia antica. Il gatto non perde mai, e sottolineiamo mai, una singola occasione per dimostrare tutto il suo incolmabile e fiero disprezzo verso l’intruso umano di sesso maschile.
La lista dei crimini felini denunciati nell’articolo è lunga, dettagliata e raccapricciante: agguati notturni mirati esclusivamente e unicamente alle sue caviglie indifese lungo i bui corridoi, peli lasciati cadere chirurgicamente e deliberatamente solo sul suo lato del divano o sui suoi vestiti appena stirati, e occupazione militare prepotente, abusiva e inamovibile del cuscino del letto esattamente nel momento in cui lui, stremato da una lunga giornata di lavoro, è pronto per coricarsi. A tutto questo si aggiungono quegli sguardi prolungati, gelidi, immobili e carichi di puro odio che il felino gli riserva quando sono finalmente da soli nella stessa stanza.

L’illusione dell’angelo peloso: mogli cieche di fronte alla malvagità

Ma il vero dramma assoluto, il vero irrisolvibile nocciolo della straziante questione coniugale, non risiede tanto nella crudele natura guerrafondaia dell’animale, quanto nell’inspiegabile, ostinata e frustrante cecità della moglie. Nonostante le palesi prove di colpevolezza e le lampanti e continue ostilità feline, la donna continua caparbiamente, dolcemente e ingenuamente a considerare la sua palla di pelo come un innocente, fragile, tenerissimo e incompreso “angioletto perfetto”.
Ogni singolo graffio improvviso, ogni morso immotivato, ogni miagolio teatrale e ogni mobile distrutto viene sistematicamente, puntualmente e amorevolmente scusato o, peggio ancora, ribaltato a sfavore del povero marito, accusato in continuazione di non essere abbastanza comprensivo, di fare movimenti troppo bruschi o di non saper approcciare l’animale con la dovuta delicatezza d’animo. Una situazione paradossale, estenuante e mortificante che sta spingendo l’uomo in questione sull’orlo del baratro nervoso, portandolo a lanciare un disperato e solidale appello pubblico a tutti quegli uomini, sparsi per il mondo, che vivono la sua stessa identica, taciuta e tragica frustrazione all’ombra di un felino dispotico.