Sulmona – Una serata magica all’insegna della grande musica d’autore, della letteratura contemporanea e dell’impegno civile consacra nuovamente il talento abruzzese ai vertici della cultura europea. Nel prestigioso scenario del Teatro Malatesta di Montefiore Conca, suggestivo borgo medievale della provincia di Rimini, si è svolta con straordinaria partecipazione la cerimonia conclusiva della sedicesima edizione del Premio Letterario Internazionale Montefiore. La manifestazione, promossa e organizzata con impeccabile rigore dall’Associazione Culturale Pegasus di Cattolica con il patrocinio dell’amministrazione comunale guidata dal sindaco Filippo Sica, ha visto tra i suoi massimi protagonisti il compositore peligno Paolo Cavallone, insignito dell’illustre Premio alla Carriera per la Musica.

L’edizione 2026 della kermesse romagnola ha confermato il proprio rango tra le più selettive e partecipate rassegne letterarie del panorama italiano, registrando la partecipazione di oltre 1.700 autori provenienti da ogni angolo del globo e pubblicati dai maggiori marchi dell’editoria nazionale e internazionale. In questo contesto di altissimo profilo, la figura del Maestro Cavallone ha giganteggiato, raccogliendo il plauso unanime delle giurie e del pubblico presente in platea, a testimonianza di un percorso creativo che continua a dare lustro alla città di Sulmona e all’intero patrimonio artistico dell’Abruzzo.

Il Premio alla Carriera a Paolo Cavallone: il trionfo della musica d’autore da Sulmona a Venezia

Nato a Sulmona e affermatosi come compositore di fama mondiale, il Maestro Paolo Cavallone è attualmente docente titolare della cattedra di Composizione presso lo storico Conservatorio “Benedetto Marcello” di Venezia. Il suo percorso intellettuale si caratterizza per una costante e feconda osmosi tra il rigore della partitura musicale e la vertigine della parola poetica, testimoniata dal successo critico del volume «Suoni ulteriori» (pubblicato da Santelli Editore), nel quale indaga i territori di confine tra suono, silenzio e logos.

Di straordinaria rilevanza è stata inoltre l’accoglienza tributata alla sua opera teatrale in versi «Il D’Annunzio Segreto»: una raffinata partitura interdisciplinare che fonde recitazione poetica, musica cameristica e danza, restituendo un ritratto profondamente lirico, intimo e universale del Vate pescarese, svincolandolo con coraggio filologico dalle incrostazioni ideologiche che ne avevano compromesso la recezione critica. La motivazione ufficiale del Premio alla Carriera ha voluto celebrare proprio questo «mirabile connubio tra musica e poesia che caratterizza l’intera produzione del maestro abruzzese, capace di trasformare il suono in parola e la parola in esperienza musicale, in una sintesi artistica di rara intensità». A coronamento dell’omaggio, il Maestro si è accomodato al pianoforte del Teatro Malatesta eseguendo dal vivo una magistrale interpretazione del suo celebre brano «Il Tango di Gabriel», strappando lunghi e commossi applausi a scena aperta.

Da Antonello Breggia a Jacqueline Monica Magi: tutti i protagonisti dell’edizione 2026

Accanto all’omaggio tributato al compositore abruzzese, il palcoscenico di Montefiore Conca ha incoronato i vertici della narrativa italiana ed estera. Il trionfatore assoluto dell’edizione 2026 è lo scrittore Antonello Breggia, che si è aggiudicato il primo premio assoluto con il fortunato romanzo «L’effimera gloria di un numero uno», edito dalla prestigiosa casa editrice Baldini & Castoldi, acclamato dai giurati come una delle opere più solide, avvincenti e stilisticamente mature della stagione letteraria.

Di straordinario rilievo civile e culturale è stato inoltre il conferimento del Premio Speciale “Arti Letterarie” a Jacqueline Monica Magi, illustre magistrata e autorevole componente della giuria dei letterati del celebre Premio Campiello. Il riconoscimento premia la sua instancabile dedizione nella promozione della cultura come strumento imprescindibile di legalità, giustizia ed elevazione sociale, ponendo la lettura al centro della maturazione democratica del Paese.

La vocazione cosmopolita della rassegna ha trovato perfetta espressione nell’assegnazione del Premio della Critica alla scrittrice australiana Maxine Layton, giunta appositamente dalla remota cittadina di Esperance per ritirare il trofeo assegnato alla sua acclamata opera «Sholly Knot», edita da Eurobook e già insignita di ampi consensi sul mercato editoriale internazionale.

Il successo dell’Associazione Pegasus: oltre 1.700 autori al Teatro Malatesta

Il trionfo della sedicesima edizione suggella l’enorme lavoro di promozione e valorizzazione culturale svolto dall’Associazione Culturale Pegasus di Cattolica, guidata con visione e passione dal patron Roberto Sarra. Sotto la sua direzione, il sodalizio continua a rappresentare un ponte privilegiato capace di far dialogare le grandi firme consacrate della letteratura con le voci più promettenti del panorama emergente, catalizzando l’attenzione delle maggiori case editrici (da Baldini & Castoldi a Sperling & Kupfer, da Feltrinelli a Erickson).

Per la comunità di Sulmona e per la cultura abruzzese, l’alloro tributato al Maestro Paolo Cavallone rappresenta un momento di grande orgoglio, riaffermando come l’autentica profondità dell’arte – capace di sposare il rigore accademico di Venezia con l’anima fiera della terra peligna – sappia imporsi come modello universale di bellezza e bellezza senza tempo.

Roma – L’arte autentica non aggiunge semplicemente immagini al mondo: ne svela la vertiginosa profondità, restituendo visibilità e dignità a ciò che la percezione quotidiana, assuefatta all’ansia della velocità e alla sovrabbondanza degli stimoli digitali, non riesce più a scorgere. In una civiltà che produce rappresentazioni visive senza sosta e tende a consumarle voracemente prima ancora di averle comprese, la grande pittura conserva il potere rivoluzionario di ristabilire un contatto intimo e veritiero con la realtà, restituendo valore al silenzio, alla durata temporale e alla contemplazione. Non si tratta di opporre una sterile nostalgia accademica all’accelerazione della modernità, ma di riconoscere l’esistenza di varchi conoscitivi il cui senso si manifesta unicamente attraverso l’attenzione paziente e la disponibilità a lasciarsi trasformare.

È all’interno di questo orizzonte denso di interrogativi ontologici che si colloca la rigorosa indagine estetica di Mario Vespasiani, maestro contemporaneo che ha fatto della relazione dialettica tra conoscenza sensibile e dimensione interiore il fulcro della propria poetica. La sua pittura invita a concepire l’opera non come un manufatto decorativo o un raffinato esercizio geometrico, bensì come una presenza viva, capace di mettere in risonanza il dato fenomenico con i territori più inesplorati dell’esperienza umana, trasformando la tela in una soglia di rivelazione spirituale e filosofica.

Dall’accumulo all’attenzione: la pittura come soglia conoscitiva e ontologica

Nella visione di Vespasiani, il dipinto non si esaurisce affatto nella circoscritta identificazione del soggetto raffigurato, così come il suo significato profondo non coincide con una spiegazione didascalica archiviabile razionalmente. Tra la superficie cromatica visibile e ciò che essa lascia intuire pulsa uno spazio liminare fecondo, nel quale la memoria storica, la percezione retinica, l’immaginazione poetica e il rigore speculativo cooperano alla genesi del senso. È precisamente tale eccedenza dell’immagine rispetto alla sua mera descrizione linguistica a conferire alla pittura la facoltà di farsi esperienza conoscitiva primaria.

Vedere, in questa prospettiva di riscatto percettivo, cessa di essere un meccanico atto di ricognizione formale per trasformarsi in una risonanza vibrante con l’opera. Lo spettatore è chiamato ad avvertire la pulsazione della materia e a consentire che essa modifichi, anche impercettibilmente, le coordinate interiori con cui decodifica l’esistenza. Il senso non risiede in una verità precostituita e pietrificata sulla tela, pronta per essere estratta passivamente, ma è un evento che prende corpo nell’incontro vivo tra l’immagine e la coscienza di chi vi sosta dinanzi.

«L’arte autentica diventa il luogo di una conoscenza che rifiuta di separare l’intelletto dalla sensibilità, dimostrando che proprio attraverso la densità fisica della materia pittorica è possibile avvicinare ciò che sfugge a ogni definizione immediata».

Il confronto con Mark Rothko: colore, spiritualità autentica e materia viva

In questo scenario teorico, la fondamentale lezione di Mark Rothko costituisce un termine di paragone imprescindibile per comprendere la capacità del linguaggio pittorico di oltrepassare la mera funzione figurativa senza tradire la natura intrinseca del mezzo. Nel maestro dell’espressionismo astratto, il colore non è mai stato un attributo accessorio applicato a una superficie, ma una sostanza vibrante che plasma un campo emotivo assoluto, trascinando chi osserva in un’esperienza oscillante tra vulnerabilità e intensità, presenza corporea e dissolvenza mistica.

L’analogia con l’opera di Vespasiani dischiude una consonanza profonda: l’attitudine dell’opera di generare un evento spirituale che oltrepassi la comprensione logico-razionale. Sulle tele dell’artista marchigiano, l’intreccio armonico tra colore puro, figura archetipica e simbolo costruisce un campo magnetico in cui la riconoscibilità formale non cancella la possibilità di significati ulteriori. Il visibile non viene sacrificato sull’altare di un astratto invisibile, ma diviene il tramite carnale attraverso cui l’invisibile può essere intuitivamente sfiorato.

È questo il discrimine essenziale per affrontare il concetto di spiritualità nell’arte contemporanea, troppo spesso degradato a formula retorica e modaiola. La spiritualità autentica non si fonda sull’accumulo manieristico di simboli esoterici o sull’enigmaticità arbitraria del soggetto; essa risplende quando la materia pittorica coinvolge l’intera sfera esperienziale dello spettatore. La pasta del colore, l’irruzione della luce e il rigore delle forme si tramutano così negli elementi attraverso cui il pensiero si fa carne sensibile: la materia non si oppone allo spirito, ma ne diviene il tempio manifestativo.

La luce adriatica e il Piceno: paesaggio, etica ecologica e contemplazione attiva

Un pilastro cardinale della poetica di Vespasiani coincide con il legame viscerale con la terra d’origine. Il suo spazio vitale non è un mero aneddoto biografico o un campionario pittoresco da copiare sulla tela, ma rappresenta una vera matrice dello sguardo: una memoria ancestrale in cui si sono sedimentate la trasparenza cristallina della luce adriatica, l’ondulazione delle colline e i crinali silenti delle montagne picene. Un patrimonio percettivo che, sublimato dall’atto pittorico, si eleva a valore archetipico universale.

In un’epoca che riduce il paesaggio a sfondo fotografico da social e la natura a risorsa da sfruttare, l’indagine di Vespasiani assume una potente caratura etica ed ecologica. La contemplazione artistica si converte nel primo gesto di una rinnovata responsabilità: sostare davanti alla tela significa riconoscere che il mondo ci precede, ci accoglie e proseguirà oltre la nostra caducità. Il dialogo costante dell’artista con la filosofia, la mistica, la poesia e la scienza abbatte gli steccati disciplinari, restituendo alla pittura il primato di una conoscenza olistica che non separa la mente dal cuore.

Sostare dinanzi alle opere di Mario Vespasiani diventa così un autentico atto di libertà interiore. Rinunciando alla pretesa di possedere e catalogare istantaneamente il dipinto, l’osservatore riscopre il valore dell’ascolto e della complessità. La pittura non impone verità dogmatiche, ma educa lo sguardo a contemplare le contraddizioni del presente con rinnovata lucidità. L’esperienza artistica non si arresta davanti al quadro, ma feconda la vita quotidiana, riconsegnandoci alla realtà più consapevoli della sua intrinseca fragilità e della sua inesauribile bellezza.

Frascineto (Cosenza) – Custode silenziosa di oltre cinque secoli di storia, ponte vivente tra le due sponde dell’Adriatico e monumento immateriale di straordinaria ricchezza etnica: la lingua arbëreshë rappresenta una delle gemme più preziose e originali del mosaico culturale italiano. Eppure, nonostante la secolare resilienza che ha consentito a decine di comunità del Mezzogiorno di preservare le proprie radici dopo l’epopea di Giorgio Castriota Scanderbeg nel XV secolo, questo patrimonio linguistico si trova oggi ad affrontare la sfida più ardua della sua esistenza: quella della sopravvivenza nell’era digitale e della trasmissione alle nuove generazioni.

A lanciare un accorato e documentato grido d’allarme è stata la dottoressa Caterina Adduci, studiosa della cultura italo-albanese e delegata alle politiche culturali, alle minoranze linguistiche e al patrimonio museale del Comune di Frascineto, incantevole borgo calabrese ai piedi del Pollino. Intervenuta ai microfoni della storica rubrica «Albania italianofona» di Radio Radicale, la studiosa ha tracciato un quadro lucido e senza sconti sulle criticità attuali, indicando le direttrici operative irrinunciabili per scongiurare l’estinzione di un idioma che definisce l’anima di intere comunità.

Il valore storico di Frascineto e la ferita della trasmissione familiare

Frascineto costituisce da sempre uno dei cuori pulsanti dell’Arberia: una comunità dove la lingua della tradizione si intreccia a una secolare spiritualità bizantina di rito greco, a costumi tradizionali intessuti d’oro e a una raffinata produzione letteraria che nei secoli ha formato docenti universitari, poeti e ricercatori. Tuttavia, come ha spiegato Caterina Adduci — cresciuta parlando arbëreshë in famiglia prima di laurearsi in albanese all’Università della Calabria —, il meccanismo naturale di passaggio generazionale ha subito un brusco rallentamento anche nelle roccaforti storiche.

Nel corso del secondo Novecento, complici i modelli omologanti della televisione di massa e un diffuso quanto errato pregiudizio pedagogico, molte famiglie hanno progressivamente smesso di parlare la lingua natia ai propri figli. Si temeva falsamente che il bilinguismo precoce potesse compromettere la padronanza della lingua italiana e penalizzare il percorso scolastico dei ragazzi. Il risultato di questa scelta è stato drammatico: una frattura comunicativa che oggi porta molti adolescenti a percepire l’arbëreshë quasi come una lingua straniera, privandosi di un capitale cognitivo ed identitario inestimabile.

Scuola e legge 482/1999: il bisogno di docenti qualificati e continuità

Se la prima linea di difesa resta il focolare domestico — dove genitori e nonni hanno il dovere morale di continuare a parlare l’arbëreshë con orgoglio —, l’istituzione scolastica è il perno su cui deve fondarsi la rinascita dell’idioma. La studiosa ha richiamato l’importanza della Legge quadro n. 482 del 1999 sulle minoranze linguistiche storiche, evidenziando tuttavia i limiti con cui è stata spesso recepita sul territorio.

Adduci ha ricordato l’esperienza virtuosa dei primi anni Duemila con il progetto interregionale «Le quattro stelle del carro minore», che vide Frascineto lavorare a stretto contatto con altre storiche minoranze italiane quali i friulani, i griki del Salento e i walser della Valle d’Aosta. Quell’iniziativa pionieristica dimostrò la forza del dialogo interculturale, ma venne bruscamente interrotta con l’avvicendamento delle dirigenze scolastiche, evidenziando il tallone d’Achille della frammentazione progettuale.

Un nodo centrale riguarda l’assenza di una specifica classe di concorso e di un profilo professionale dedicato all’insegnamento dell’arbëreshë. «Conoscere la lingua materna non significa automaticamente saperla insegnare», ha ribadito la studiosa, sollecitando percorsi di formazione didattica universitaria specialistica, libri di testo moderni e risorse economiche stabili per garantire corsi continuativi fin dalla scuola dell’infanzia.

La sfida della standardizzazione e il divario con l’albanese di Tirana

Un capitolo di straordinario interesse scientifico affrontato nell’intervista riguarda la dialettologia interna dell’Arberia e il rapporto con l’albanese standard. L’arbëreshë è frammentato in decine di varianti locali distribuite tra Calabria, Sicilia, Basilicata, Puglia, Molise e Campania. Questa polifonia è una ricchezza antropologica, ma complica la redazione di manuali scolastici uniformi e la comunicazione nei media.

La proposta di Caterina Adduci è l’istituzione di una commissione autorevole di linguisti incaricata di definire una koinè condivisa per i testi didattici e per le trasmissioni radiotelevisive (come quelle curate dalla sede regionale di Rai Calabria), salvaguardando al contempo le sfumature vernacolari dei singoli paesi.

Altrettanto netta è la distinzione tracciata rispetto all’albanese standard dei Balcani. Sebbene condividano il medesimo ceppo tosco arcaico, le due lingue hanno imboccato binari evolutivi profondamente diversi: mentre l’albanese contemporaneo ha subito le stratificazioni dell’occupazione ottomana e le riforme dell’Accademia delle Scienze di Tirana del 1972, l’arbëreshë ha conservato arcaismi fonetici unici, innestando su di essi prestiti dai dialetti romanzi e dall’italiano. Insegnare la lingua standard d’Oltreoceano non equivale quindi a tramandare l’arbëreshë, la cui unicità risiede precisamente in questa contaminazione secolare.

La responsabilità condivisa tra Italia e Albania per il futuro

In chiusura dell’intervista, Caterina Adduci ha rivolto un appello corale alle istituzioni repubblicane, al Ministero dell’Istruzione e della Cultura e alla diplomazia albanese per coordinare una strategia di cooperazione accademica e finanziaria permanente. La tutela delle minoranze linguistiche non può ridursi a mere celebrazioni folkloristiche o sagre di paese una volta all’anno, ma deve tradursi in politiche pubbliche coraggiose.

Salvare l’arbëreshë significa scongiurare la perdita irrimediabile di un patrimonio che appartiene a tutti gli italiani, testimonianza vivente di un’accoglienza che nel Rinascimento seppe trasformare l’esilio in una splendida e feconda civiltà dell’incontro.

Intervista di Artur Nura