Roma – Il respiro profondo e immortale della vera canzone d’autore italiana, quella slegata dalle fredde logiche commerciali e dai ritmi imposti dalle mode passeggere, è tornato a vibrare potentemente nel cuore della Capitale. La 25ª edizione del celebre e attesissimo Premio Fabrizio De André – Parlare Musica si è appena conclusa registrando un trionfo assoluto di pubblico e di emozioni.
Nelle serate di venerdì 18 e sabato 19 settembre, la carovana poetica del Premio è stata eccezionalmente e calorosamente ospitata nella splendida cornice del Parco di Villa Bonelli. Un temporaneo ma felicissimo trasloco, dettato dagli imponenti lavori di riqualificazione in corso nella storica Piazza Fabrizio De André alla Magliana, che ha comunque saputo garantire una fortissima continuità e una vitale vicinanza alla comunità locale. Un bagno di folla entusiasta ha accompagnato e sostenuto le esibizioni dei nuovi, purissimi talenti emergenti, affiancati per l’occasione dalle straordinarie performance di grandissimi nomi della scena culturale, tra cui Mauro Ermanno Giovanardi e il geniale Andrea Rivera, sotto la conduzione impeccabile del critico musicale Paolo Talanca.

I vincitori assoluti: il coraggio di raccontare la realtà e la fragilità

Il cuore pulsante del Premio (patrocinato dalla Fondazione Fabrizio De André ETS, promosso da Roma Capitale e organizzato da iCompany con la direzione artistica di Luisa Melis) è da sempre la valorizzazione della creatività libera. E i vincitori di quest’anno incarnano perfettamente questo spirito ribelle.
Per la sezione Musica, a trionfare è stato il talentuoso Gianaldo Sangalli con il brano “Piove governo ladro”. La motivazione, letta da Talanca, esalta la sua capacità di praticare la pura “gioia musicale con un testo importante, che parla dell’oggi e della realtà”, un brano coraggioso che ci spinge fatalmente “ad abbandonare la nostra pigrizia mentale”.
Nella sezione Poesia ha primeggiato Roberta De Falco con l’opera “Trenta gradi”. Il responsabile della giuria, Vincenzo Costantino Cinaski, ha elogiato un componimento capace di “raccontare una violenza, minima solo in apparenza, senza mai trasformarla in denuncia o retorica”, un’opera potente che usa “la forza della sottrazione” per trasformare un episodio dolorosamente intimo in una gigantesca esperienza emotiva universale.
Infine, per la sezione Pittura, il premio è andato all’artista Roberto Cafarotti con l’evocativa opera “Human Egg”. Un magnifico dipinto a olio su tela che rappresenta “un uovo, simbolo di origine e di vita, un seme primordiale che racchiude l’idea di un inizio assoluto e di una promessa di rinascita”, per usare le parole del curatore Roberto Sironi.

I Premi alla Carriera: la Targa Faber incorona Renato Zero e Paolo Rossi

Il momento di maggiore altissima intensità emotiva delle serate romane si è registrato durante la solenne consegna della Targa Faber, il preziosissimo Premio alla Carriera assegnato ad artisti che hanno saputo incarnare lo spirito libertario del cantautore genovese.
Il primo riconoscimento è andato all’immenso Renato Zero, premiato per “aver dato cittadinanza d’animo agli ultimi, ai fragili e a chi cammina da sempre in direzione ostinata e contraria”. La giuria ha riconosciuto in Zero la stessa lucida e dolorosa capacità di De André di trasformare “la diversità in canto, il margine in poesia e la vulnerabilità in una forza da rivendicare con orgogliosa dignità”.
L’altra Targa Faber è andata al genio teatrale di Paolo Rossi, per la sua impareggiabile capacità di trasformare “la parola in un’arma di resistenza civile”. Da vero corsaro dei palcoscenici italiani, Rossi ha prestato la sua voce agli eretici e agli esclusi, “portando il teatro nei luoghi della vita e la vita sul palco senza mai chiedere il permesso”, agendo sempre con la medesima “grazia anarchica e libertà” che contraddistinguevano Faber.

L’omaggio al Maestro: i riconoscimenti per Setak e la Medit Orchestra

La prestigiosa Targa Quelli che cantano Fabrizio, dedicata alla migliore reinterpretazione e interiorizzazione dell’opera deandreiana, ha visto un pregevole ex aequo. Il cantautore abruzzese Setak è stato premiato per aver compreso la lezione profonda di Creūza de mä, scegliendo di usare il proprio dialetto “non come ritirata, ma come unico modo possibile a salvaguardia della propria autenticità”, trasformandolo in una viscerale lingua dell’anima.
Il medesimo riconoscimento è andato alla magnifica Medit Orchestra, diretta magistralmente dal Maestro Angelo Valori, elogiata pubblicamente per “aver saputo rileggere Faber regalando agli arrangiamenti un respiro contemporaneo e personalissimo”, e per la rara e complessa capacità di “far dialogare tradizione e avanguardia”. La kermesse, presieduta instancabilmente dalla meravigliosa Dori Ghezzi, chiude così i battenti di un’edizione storica (che ha visto valutare oltre mille candidati in gara), ricordandoci che la vera musica italiana ha ancora un disperato bisogno di viaggiare in direzione ostinata e contraria.

Milano – Ci sono laboratori ed esperimenti estetici capaci di scardinare i vecchi e polverosi cliché dei linguaggi espositivi tradizionali, trasformando i palazzi della formazione gastronomica in autentiche officine di pensiero, gallerie d’avanguardia e rifugi di pura spensieratezza colta. L’arte contemporanea, quando sa spogliarsi delle asettiche logiche industriali di plastica e dei filtri digitali degli smartphone, si riscopre la risorsa terapeutica ed etica più potente per unire le persone nel salotto della bellezza, offrendo alle famiglie e alle nuove generazioni un’oasi di benessere collettivo e condivisione reale contro il torpore del presente. Il cibo, la materia organica e la cucina smettono di essere semplici beni di consumo quotidiano per farsi manifesto di identità, memoria e trasformazione biologica. Venerdì 25 settembre 2026, a partire dalle ore 19:00, lo splendido e fiero scenario dei Navigli milanesi terrà a battesimo il debutto ufficiale di “Bake in Black”, l’attesissima e rivoluzionaria mostra personale dell’artista Jelena Milosevic.

La monumentale esposizione, curata con assoluto rigore filologico e saggistico da Flavia Vago, abiterà i locali e i laboratori della celebre Food Genius Academy, situata precisamente in Viale Col di Lana 8. Il vernissage di apertura, programmato in totale trasparenza e ad accesso completamente libero, si svilupperà come una vera e propria maratona multidisciplinare dalle ore 18:00 fino alle 22:00, offrendo ai collezionisti d’arte e ai passeggeri del sogno un’esperienza sensoriale totalizzante e immersiva. Non parliamo di una convenzionale rassegna riempitiva, ma di un’opera di squadra eccezionale prodotta da Desirèe Nardone in stretta e duratura joint venture strategica con la direzione artistica di Beppe Treccia per la Kinetic Vibe Srl, nata per valorizzare il merito dell’artigianato analogico e sintonizzare i flussi della creatività sulle frequenze dell’onestà delle idee, taccuino alla mano.

La metamorfosi del kaolino e il pane bruciato: i segreti della serie Kaolin

L’ordito concettuale di Bake in Black pulsa attorno a una fitta e profonda indagine ingegneristica incentrata sul rapporto ancestrale che lega la materia biologica, l’azione del calore dell’altoforno e il concetto filosofico del nero inteso come sostanza di rigenerazione e non come vuoto sterile. Al centro di questo universo onirico e plastico si erge la serie d’eccellenza intitolata Kaolin (Bake in Black series), un corpus scultoreo composto da sedici elementi ceramici unici. In queste tavole, la Milosevic ha impresso e riprodotto con precisione chirurgica l’impronta millimetrica di forme di pane reale e verace, convertendo un alimento deperibile ed effimero in una traccia archeologica permanente e indissolubile, scacciando le nevrosi del materialismo liquido.

I dati dell’esperimento plastico parlano chiaro e non lasciano spazio a dubbi: l’argilla e la farina collidono felicemente sul cartone e sul leggio dell’arte per dimostrare come il pane possa farsi scudo culturale contro lo spopolamento dell’anima. I Criteri di lavorazione adottati dall’autrice rifiutano le scorciatoie della finzione digitale e celebrano il sudore del gesto manuale. Ogni pezzo, radiografato in totale trasparenza dall’obiettivo fotografico d’autore di Davide Trasmunti, dialoga apertamente con le correnti dell’Arte Concreta e dell’Optical Art degli anni Settanta, dimostrando con i fatti che la cottura del pane e la fusione della ceramica sono riti paralleli di trasformazione Alchemica dell’io, risposte flessibili alla richiesta di sacro delle province metropolitane.

Dal pianoforte della Anselmini al sound design di KISK: la notte della nightlife vintage

A rendere eccezionale, solenne e mozzafiato la notte del verniciato milanese sarà il matrimonio perfetto tra le arti plastiche e i laboratori del sound design contemporaneo, baciato dal comfort funzionale perfetto garantito dallo sponsor tecnico Ginarte. Il salotto acustico della Food Genius Academy si accenderà alle ore 19:00 con l’esecuzione dal vivo di “Dialoghi tra Chiari e Scuri”, un’intensa, intima e sognante composizione per pianoforte solo scritta e interpretata dal talento cristallino di Camilla Arri Anselmini. La partitura in bianco e nero si scioglierà progressivamente nelle sequenze elettroniche e nelle performance d’avanguardia curate da KISK (colonna del collettivo Apparel Music) e da The Father (Alberto Baiocco), capaci di far tremare la platea mescolando l’atmosfera dei club e della *nightlife* vintage ai ritmi obliqui del jazz digitale.

La direzione della scuola comunica che la mostra rimarrà aperta alle visite delle famiglie, delle scolaresche e dei viandanti della cultura dal lunedì al sabato, dalle ore 10:00 alle 17:00, scadenze programmate per assicurare un’accessibilità universale e priva di barriere economiche a tutta la cittadinanza rionale. Per richiedere informazioni dettagliate sulle masterclass applicate o per interfacciarsi con l’ufficio stampa, la segreteria ha attivato la linea diretta e le pubbliche relazioni coordinate da Dario Buzzacchi e da Camilla Gemma al numero di contatto telefonico dedicato 333.3470802. Questo fine settimana spegnete gli smartphone, lasciate a casa il grigiore del materialismo quotidiano e andate in viale Col di Lana: Jelena Milosevic e le sue sculture nere vi aspettano a braccia aperte per ricordarvi che finché l’umanità saprà modellare la terra e impastare il domani, il nostro futuro non avrà mai paura del buio.

Redazione– Ci sono network e alleanze culturali che non nascono semplicemente per amministrare le carriere artistiche o per riempire le caselle dei cartelloni teatrali di plastica, ma che vengono edificati come autentiche officine di pensiero, presìdi di resistenza civile e risorsa terapeutica contro il torpore e le nevrosi della modernità liquida. Lo spettacolo dal vivo, quando sa spogliarsi dei vecchi e polverosi cliché accademici e burocratici, si riscopre l’unico vero specchio trasparente in grado di radiografare le trasformazioni del nostro presente, offrendo alle famiglie e ai giovani passeggeri del sogno un’oasi di spensieratezza colta e una trincea permanente per la tutela del merito e della legalità. Dal 9 all’11 settembre 2026, lo splendido e fiero scenario della Valle d’Aosta si è trasformato nella capitale della prosa indipendente dello Stato: per la prima volta nella sua storia, i laboratori nazionali di Risonanze Network si sono riuniti tra le mura della MAB – Maison des Artistes Bard, nell’ambito del Festival di Fine Estate, per una tre giorni mozzafiato dedicata al welfare culturale e al riscatto civile dell’arte contemporanea.

La monumentale convention, programmata in totale trasparenza e priva di filtri protettivi, ha chiamato a raccolta operatrici, registi, critici e giovani programmatori provenienti da ogni regione della penisola, sintonizzandone i lavori sul massimo livello di onestà intellettuale. Il ruolino di marcia del summit ha affrontato scadenze cruciali per la tenuta del comparto, articolandosi lungo tre direttrici ingegneristiche fondamentali: il sostegno strategico alle nuove generazioni under 35, l’accompagnamento logistico alla produzione e alla circuitazione delle opere prime e la costruzione di nuovi pubblici contro l’isolamento causato dagli schermi digitali e dagli smartphone. Il momento di massimo interesse istituzionale si è consumato durante l’Assemblea Nazionale, che ha decretato un solenne cambio della guardia al vertice: dopo il fecondo mandato di Cesare D’Arco, la presidenza nazionale di Risonanze Network è stata affidata alla fermezza civile di Stefania Tagliaferri, una figura d’eccellenza pronta a traghettare la rete verso programmi pluriennali di sviluppo e coesione sociale.

Il manifesto di Stefania Tagliaferri: «Portiamo lo sguardo under 30 dentro le decisioni»

Il passaggio di consegne al vertice blinda e consolida la missione etica del network: edificare un sistema integrato fondato sulla condivisione delle responsabilità rionali e su un’idea di ricambio generazionale radicale, che non colpisca unicamente l’età anagrafica degli interpreti sul leggio, ma che modifichi millimetricamente le modalità con cui il teatro dello Stato produce, seleziona e dialoga con i cittadini. Il nuovo consiglio direttivo della rete per il prossimo mandato sarà composto da professionisti purissimi del sound design e della progettazione culturale: Sara Carmagnola, Cesare D’Arco, Tiziano Panici, Andrea Santantonio, Alessandro Sesti e Laura Valli, uniti per valorizzare il talento ed evitare il doloroso esodo all’estero delle migliori intelligenze creative della penisola.

«Raccolgo con immenso entusiasmo questo testimone per la presidenza e ringrazio tutti i partner per la fiducia», ha dichiarato con spavaldo orgoglio e calore la neoeletta presidente Stefania Tagliaferri, riaprendo il taccuino programmatico del network a margine del festival. «Risonanze persegue le traiettorie che più mi interessano: i percorsi partecipativi nell’ambito della direzione artistica, l’accesso alla scena delle nuove compagnie e l’apertura ai processi di pubblici under 30. Intendo dare seguito a questa vocazione portando uno sguardo aperto alle istanze politiche e di rappresentazione che arrivano dalle nuove generazioni, conscia del bisogno di cambiamenti tangibili nel contesto teatrale dello Stato, pur valorizzando l’esistenza delle reti. Il valore nel nostro fare sta su più livelli: dai mezzi alle forme, per un’accessibilità universale e priva di barriere economiche».

Il trionfo ex aequo al Premio Cantiere: lo shock politico di Cromo Collettivo e Lenti al Contatto

Le giornate alpine hanno ospitato le attesissime battute finali del Premio Cantiere Risonanze 2026, una trincea produttiva dedicata ad artisti emergenti con opere ancora in fase embrionale di creazione, scortandoli attraverso borse di studio, residenze protette e date stanziali nei rioni. Al termine di sessioni d’ascolto e visione di straordinario rilievo critico, la giuria ha assegnato il Premio Cantiere 2026 ex aequo a due corazzate d’avanguardia che hanno colpito dritto allo stomaco degli operatori. Sul podio è salito il Cromo Collettivo con il devastante progetto IMMANIFESTO, un ordito perfetto di testi e immagini di forte attualità che trasforma le urgenze del presente in materia teatrale intergenerazionale; la compagnia incassa 10 giorni di residenza e 6 repliche nazionali. L’altro trionfo sposa il gruppo Lenti al Contatto con l’opera SIDIS: uno scavo drammaturgico spaventoso, paratattico e intriso di una sofisticata ironia che, partendo dalla biografia del bambino prodigio americano William James Sidis, interroga lo spettatore sui temi caldi della privacy digitale, della sorveglianza degli smartphone e del sacro diritto all’oblio. Per loro sono pronti 30 giorni di residenza e 4 repliche per finanziare i laboratori di ricerca.

La vera e più accattivante svolta democratica del festival è stata presidiata dai giovani passeggeri di NEXT, il gruppo di spettatori attivi under 30 coinvolto nei percorsi di educazione permanente all’immagine e avvicinamento alle professioni dello spettacolo. Chiamati per la prima volta a esprimere un voto ufficiale, i ragazzi hanno assegnato la prestigiosa Menzione NEXT 2026 ad Ana Trif per il suo iper-emotivo e intimo assolo intitolato LINIA MATERNA. La performer, partendo dalla storia della propria famiglia divisa tra la Romania e lo Stato italiano, ricostruisce il proprio albero genealogico per scardinare la tossicità dei nazionalismi e denunciare i limiti legali dello *ius sanguinis* nella concessione della cittadinanza. Uno show magistrale in cui sassi e merletti si fanno corpi e mappe, supportato da 20 giorni di residenza per la creazione. L’intera kermesse, curata da Creature Montane APS in collaborazione con Palinodie, è stata protetta dal Consiglio Regionale della Valle d’Aosta e dalla Fondazione Compagnia di San Paolo, dimostrando con i fatti che finché la giovinezza avrà uno spazio libero per urlare la propria verità, il domani del teatro italiano non avrà mai paura del buio.