Bologna – Ci sono anime irrequiete e meravigliosamente sensibili che nascono con un dono speciale: la capacità innata di vedere ciò che gli occhi delle persone comuni non riescono a scorgere. Sono anime che sentono il bisogno fisico e viscerale di trasformare le proprie emozioni più intime in forme, segni e macchie di colore. Tra queste rarissime e preziose figure spicca senza ombra di dubbio la straordinaria Silla Campanini, un’artista eclettica, totale e profondamente poliedrica che ha dedicato la sua intera esistenza all’Arte Moderna e alla Letteratura. Nata nella ricca e stimolante provincia di Bologna, Silla ha manifestato fin da bambina una fortissima, quasi ancestrale attrazione per la materia nuda, per “la terra” e per la dirompente magia del colore.

Dal percorso educativo all’impegno per la Pace Mondiale

La storia professionale e artistica di Silla Campanini è tutt’altro che lineare o banale. La sua immensa esperienza si è infatti sviluppata, stratificata e arricchita nel tempo attraverso percorsi molto diversi e complementari tra loro: dalle rigorose consulenze tecniche in ambito giudiziario (CTU), fino alla nobile vocazione per l’insegnamento. Nel suo fondamentale ruolo di “educatrice all’immagine”, ha riversato la sua passione vulcanica collaborando attivamente alla realizzazione di innumerevoli e ambiziosi progetti pittorici ed educativi presso prestigiosi istituti sia pubblici che privati.
Ma l’Arte, per Silla, non è mai stata un puro e sterile esercizio estetico, bensì un potentissimo strumento etico, un ponte invisibile capace di unire le genti. Non è un caso che l’artista mantenga fortissimi legami e collaborazioni internazionali, riconoscendo proprio nella pittura e nella creatività un veicolo imprescindibile di Pace e di sacra fratellanza tra i popoli. Una vocazione universale che si è sublimata nella meravigliosa collaborazione con il grande e sensibile poeta palestinese Munir Mezyed (attualmente residente in Romania), con il quale ha coraggiosamente avviato e fondato il grande progetto internazionale denominato “Arte e Poesia”.

L’Astrazione Metafisica: un viaggio nei meandri dell’Inconscio

Ma cosa si prova davvero fermandosi ad ammirare una tela firmata da Silla Campanini? Significa essenzialmente intraprendere un tuffo vertiginoso all’interno di se stessi. Nelle sue particolarissime opere pittoriche, l’autrice propone una cifra stilistica di una forza e di un’originalità dirompenti. Sulla tela, la fantasia sfrenata, l’allegoria, il simbolismo puro e l’astrazione metafisica si intrecciano indissolubilmente, creando una dimensione fluttuante e magicamente sospesa tra il sogno e la realtà cruda.
Il suo è un vero e proprio e particolarissimo viaggio introspettivo, un’esplorazione onirica che si spinge volutamente al di fuori dei freddi concetti di “spazio” e “tempo” reale, andando ostinatamente alla febbrile ricerca dei meandri più reconditi e oscuri delle cosiddette forme-pensiero che si annidano segretamente nell’inconscio collettivo dell’umanità. Da queste pennellate ipnotiche emerge prepotente una dimensione “profondamente umana”, capace di mettere a nudo le debolezze, le paure e le fragilità più nascoste della nostra interiorità.

Il parere della Critica: da Pasolino a Lidia Peritore

Questo particolarissimo linguaggio pittorico ha, ovviamente, stregato ed incantato i più severi critici d’arte. Secondo il noto studioso Alfredo Pasolino, nei quadri della Campanini «si incontrano e si fondono miracolosamente la Realtà e il Simbolo», magicamente trasfigurati attraverso l’uso sapiente della metafora. La sua ricerca artistica si nutre del prezioso nettare della Memoria passata e della «drammatizzazione interiore», prendendo per mano l’osservatore ignaro e conducendolo dolcemente, ma inesorabilmente, verso le stanze più segrete e profonde dell’anima.
Sulla stessa, illuminante lunghezza d’onda si pone l’analisi di Lidia Peritore, che ha voluto giustamente sottolineare la particolare e quasi sovrannaturale forza comunicativa di queste opere. Una forza affidata interamente a un linguaggio “non verbale”, primitivo, silenzioso, ma spaventosamente capace di trasmettere fortissime emozioni o di suscitare suggestioni diametralmente opposte a seconda del vissuto psicologico di chi si ferma ad osservare l’opera. «La sua pittura nasce da un gesto intimo e consapevole: il pennello seleziona instancabilmente tonalità calde e fredde, dando vita ad effetti visivi che possono (e devono) essere interpretati liberamente».

Pieve di Cento, le cariche prestigiose e il Premio alla Carriera

Dagli ormai lontani anni Ottanta fino ad oggi, Silla Campanini ha animato e impreziosito instancabilmente la vita artistica del proprio amato territorio d’origine (in particolar modo a Pieve di Cento), allestendo infinite esposizioni collettive e personali. Ma la sua fama ha valicato e abbattuto prestissimo i confini nazionali. Le sue affascinanti opere sono oggi orgogliosamente custodite in preziosi libri d’arte, autorevoli cataloghi, gallerie d’arte moderna, musei internazionali e lussuose strutture private e pubbliche.
Il suo curriculum istituzionale è a dir poco sbalorditivo: nel 2016 è entrata a far parte degli artisti del Dipartimento di Arte e Cultura dell’Accademia delle Scienze e delle Arti di Belgrado. È stata brillante Vicepresidente della Writers Capital Foundation e membro stabile della Fondazione Internazionale Munir Mezyed. Inoltre, l’illustre Ateneo Internazionale degli Empedoclei (guidato dal prof. Alfonso Mula) le ha conferito il titolo assoluto di Accademico d’Onore e un prestigioso riconoscimento Honoris Causa.
La vera “ciliegina sulla torta” di questo percorso incredibile e luminoso è giunta proprio di recente, nel mese di ottobre 2023, quando la Writers Capital Foundation (presieduta dal professor Preeth Nambier) le ha conferito il meritatissimo Premio alla Carriera. Un riconoscimento sublime e doveroso per una donna straordinaria, capace di prendere in mano un pennello, intingerlo nel colore puro, e trasformarlo magicamente in una chiave universale per aprire la porta dei nostri Sogni e curare l’Animo umano.

Redazione – Ci sono poesie che non si limitano ad essere lette con gli occhi, ma che scendono prepotentemente nel petto, togliendo il fiato e costringendoci a fare i conti con le nostre paure più intime e oscure. L’ultimo e meraviglioso componimento del giovanissimo e talentuoso poeta kosovaro Fejzë Demiri, intitolato magnificamente “Dove la notte non arriva”, appartiene senza alcun dubbio a questa rara e preziosa categoria. Si tratta di un’opera di una potenza esistenziale ed emotiva devastante, un vero e proprio inno laico alla resilienza umana, al coraggio di sopravvivere ai drammi della vita e alla testarda volontà di aggrapparsi a una singola, minuscola stella in un cielo completamente nero. Un messaggio universale che parla al cuore di chiunque abbia attraversato il dolore.

“Dove la notte non arriva” di Fejzë Demiri

Ho attraversato notti che non avevano nome,
con il cuore stretto fra pietra e vento.
Ho imparato che anche il dolore,
quando resta abbastanza a lungo,
può diventare una soglia.

Ci sono giorni che passano senza rumore
e tuttavia incidono la pelle del tempo.
Sotto la cenere degli anni,
qualcosa continua a respirare:
non una promessa,
ma un piccolo fuoco che rifiuta di spegnersi.

Non mi ha salvato l’assenza della tempesta.
Mi ha salvato il gesto più povero e più difficile:
un passo,
poi un altro,
quando ogni strada sembrava chiedermi
di non esistere più.

Ora non domando alla vita
la grazia di essere facile.
Le domando soltanto la verità.

Perché chi ha abitato il buio
non ha bisogno di molte stelle:
ne riconosce una sola,
anche quando trema
all’estremità del cielo.

Il dolore che diventa “Soglia” e la fiamma della Rinascita

L’analisi di quest’opera lascia letteralmente senza parole. Demiri inizia il suo viaggio lirico raccontando di “notti che non avevano nome”, un riferimento straziante a quei periodi della nostra esistenza in cui l’angoscia e la solitudine sono talmente forti da renderci muti. Il cuore del poeta, stretto tra l’immobilità dura della “pietra” e l’inquietudine gelida del “vento”, scopre però una verità filosofica altissima: il dolore prolungato non è solo una condanna, ma può trasformarsi magicamente in una “Soglia”, un passaggio per accedere a un nuovo livello di consapevolezza interiore.
Non è l’assenza di tempeste a salvare l’essere umano, ci ricorda saggiamente Demiri, ma è la straordinaria, titanica forza del “gesto più povero e più difficile: un passo, poi un altro”. Continuare stoicamente a camminare e ad avanzare nel buio, proprio quando la vita stessa sembra “chiederti di non esistere più”, è l’atto di ribellione più grande che un uomo possa compiere. Ed è grazie a questo passo disperato nel vuoto che si giunge a una pace stoica, in cui non si chiede più alla vita di “essere facile”, ma di essere pura, cruda, e semplicemente “Vera”. Chi è sopravvissuto al dolore atroce non cerca illusioni o un cielo pieno di luci finte; si accontenta di riconoscere un’unica e flebile stella tremante all’estremità dell’Universo.

La biografia del talento: chi è Fejzë Demiri

A rendere ancora più impressionante la maturità, la durezza e la profondità assoluta di questi versi, è la giovanissima età del loro autore. Fejzë Demiri è nato il 15 gennaio del 1997 a Stubell, nella municipalità di Gjakove (nello stato del Kosovo, una terra ferita che conosce fin troppo bene il significato della distruzione e della rinascita). Ha brillantemente studiato Psicologia Generale presso il College “FAMA” nella capitale di Pristina, un percorso di studi che si riflette in maniera evidentissima nella sua chirurgica capacità di scandagliare le profondità dell’animo umano.
Nonostante la giovane età, Demiri vanta già una prolifica e straordinaria produzione letteraria che lo sta consacrando nel panorama culturale internazionale. Tra le sue preziose pubblicazioni, ricordiamo: “Dedicating verses I” (Poesia, 2012); “Dedicating verses II” (2014); “In the Sea of Love and Saying” (Pensieri d’autore e saggezza, 2016); “When the soul is thirsty” (Pristina, 2016); “Candles for light” (2017); “Time pain” (2018); “My little one” (2019) e la struggente opera “The Spirit with Dad”, pubblicata a Pristina nel difficile e doloroso 2020. Un autore dal cuore antico, destinato a lasciare un segno indelebile nella Poesia del nostro Secolo.

Redazione  – Settembre è da sempre, nell’immaginario collettivo, il mese dei sospiri amari e della fine delle illusioni. È il mese del traumatico ritorno alla scrivania, del traffico cittadino e della pioggia che lava via l’abbronzatura. Ma esiste un modo completamente diverso, intimo e profondamente magico, di vivere questo inesorabile cambio di stagione? A darci una risposta straordinaria e spiazzante è la talentuosa scrittrice Alice Tonini, che nel suo recentissimo articolo intitolato “Settembre, il culto della mietitura e il ritorno nel buio” (pubblicato sul proprio blog personale), trasforma il rientro post-estivo in un meraviglioso viaggio simbolico verso la nostra preziosa interiorità. Un testo che è, al tempo stesso, una riflessione personale, una commovente dichiarazione poetica e l’anticipazione di un nuovo percorso editoriale.

Oltre la banalità del rientro: la riapertura del “Sottosuolo”

L’articolo si apre con un saluto a dir poco folgorante: “Bentornati nel buio”. Con queste tre semplici ma potentissime parole, Alice Tonini chiarisce immediatamente che il “suo” Settembre non ha nulla a che vedere con la noiosa ripresa del lavoro o della scuola.
La scrittrice ci invita a un ritorno interiore. Il mese di settembre diventa così la fatidica riapertura dei cantieri del Sottosuolo. Nel linguaggio affascinante e visionario dell’autrice, il Sottosuolo non è una tomba, ma la parte più intima, protetta e nascosta della nostra mente: quello spazio sacro in cui vivono le paure, le intuizioni geniali, le “anomalie” psicologiche e le mille sfumature che la vita ordinaria tende quotidianamente a schiacciare o a soffocare.

L’Estate che espone e l’Autunno che protegge

Uno degli elementi più geniali, sovversivi e interessanti del testo è il rovesciamento del significato classico che noi tutti diamo alla luce e al buio. Da sempre, la luce estiva rappresenta il divertimento, la sicurezza e la gioia, mentre l’oscurità autunnale è associata all’ansia e alla fine della festa.
Alice Tonini distrugge radicalmente questa ovvietà. Nel suo particolarissimo immaginario, la luce estiva è violenta e aggressiva, perché ci costringe fisicamente e psicologicamente a “mostraci” continuamente agli altri, disperdendo le nostre vere energie. Il buio dell’autunno, al contrario, ci protegge. Concentra le nostre forze. Ci avvolge come una calda coperta, permettendoci di ascoltare ciò che l’estate aveva coperto con il suo rumore assordante. L’estate espone, settembre custodisce. Un buio fertile e necessario, simile alla terra calda in cui il seme deve per forza nascondersi prima di poter sbocciare e generare nuova vita.

Il fuoco di Vulcano e la sacra Madre del Grano

Per spiegare il suo metodo creativo, l’autrice attinge a piene mani dal mito romano antico e dal folklore contadino. Da una parte cita le Volcanalia (dedicate al dio Vulcano), ricordandoci che le opere più belle non vengono create alla luce del sole, ma forgiate nel fuoco sotterraneo, in quella “fucina interiore” della mente che brucia silenziosamente i dolori e le memorie per farne metallo prezioso.
Dall’altra evoca la tradizione della Madre del Grano: l’antica usanza contadina di custodire l’ultima spiga del raccolto nel buio per proteggerne la forza vitale durante il freddo inverno. È un messaggio terapeutico enorme per la nostra società moderna malata di “esibizionismo social”: non tutto ciò che nasce dentro di noi deve essere immediatamente mostrato o buttato in pasto al giudizio degli altri. La creatività, le nostre idee e le nostre ferite hanno bisogno anche di segretezza per maturare in pace.

Un Manifesto dei Diversi e i nuovi progetti Horror-SciFi

L’articolo si trasforma poi in un vero e proprio e orgoglioso manifesto dell’anomalia. Il Sottosuolo descritto dalla Tonini è abitato dai pensieri divergenti, dalla neurodivergenza e da tutte quelle anime che non riescono (o non vogliono) piegarsi all’ordinata ipocrisia della vita normale di superficie.
Ma il testo è anche una gustosissima anticipazione per tutti i lettori: tra ottobre e novembre, l’autrice spalancherà le porte della sua cattedrale per regalarci due racconti inediti in cui le visioni ancestrali del folklore, la magia oracolare di Delfi, i fantasmi e l’Orrore si fonderanno con tecnologie parassitarie capaci di invadere la mente e il corpo. Un concentrato di Horror e Fantascienza che promette di interrogare ferocemente le inquietudini del nostro presente.

Che cosa abbiamo riportato indietro dall’estate?

La prosa visionaria, oscura ed evocativa di Alice Tonini si chiude con un interrogativo che trafigge il lettore: che cosa abbiamo davvero riportato con noi dall’estate appena trascorsa? Quale parte ferita o gioiosa della nostra identità abbiamo messo a riposare nel buio?
La risposta appartiene a ciascuno di noi. E forse è davvero arrivato il tempo di smetterla di temere e odiare il mese di Settembre. Il buio autunnale non è la fine della festa. È il meraviglioso e silenzioso “Laboratorio” segreto in cui la parte più autentica, inquieta e immortale della nostra anima può finalmente e felicemente tornare a lavorare.