Milano – Ci sono laboratori ed esperimenti estetici capaci di scardinare i vecchi e polverosi cliché dei linguaggi espositivi tradizionali, trasformando i palazzi della formazione gastronomica in autentiche officine di pensiero, gallerie d’avanguardia e rifugi di pura spensieratezza colta. L’arte contemporanea, quando sa spogliarsi delle asettiche logiche industriali di plastica e dei filtri digitali degli smartphone, si riscopre la risorsa terapeutica ed etica più potente per unire le persone nel salotto della bellezza, offrendo alle famiglie e alle nuove generazioni un’oasi di benessere collettivo e condivisione reale contro il torpore del presente. Il cibo, la materia organica e la cucina smettono di essere semplici beni di consumo quotidiano per farsi manifesto di identità, memoria e trasformazione biologica. Venerdì 25 settembre 2026, a partire dalle ore 19:00, lo splendido e fiero scenario dei Navigli milanesi terrà a battesimo il debutto ufficiale di “Bake in Black”, l’attesissima e rivoluzionaria mostra personale dell’artista Jelena Milosevic.

La monumentale esposizione, curata con assoluto rigore filologico e saggistico da Flavia Vago, abiterà i locali e i laboratori della celebre Food Genius Academy, situata precisamente in Viale Col di Lana 8. Il vernissage di apertura, programmato in totale trasparenza e ad accesso completamente libero, si svilupperà come una vera e propria maratona multidisciplinare dalle ore 18:00 fino alle 22:00, offrendo ai collezionisti d’arte e ai passeggeri del sogno un’esperienza sensoriale totalizzante e immersiva. Non parliamo di una convenzionale rassegna riempitiva, ma di un’opera di squadra eccezionale prodotta da Desirèe Nardone in stretta e duratura joint venture strategica con la direzione artistica di Beppe Treccia per la Kinetic Vibe Srl, nata per valorizzare il merito dell’artigianato analogico e sintonizzare i flussi della creatività sulle frequenze dell’onestà delle idee, taccuino alla mano.

La metamorfosi del kaolino e il pane bruciato: i segreti della serie Kaolin

L’ordito concettuale di Bake in Black pulsa attorno a una fitta e profonda indagine ingegneristica incentrata sul rapporto ancestrale che lega la materia biologica, l’azione del calore dell’altoforno e il concetto filosofico del nero inteso come sostanza di rigenerazione e non come vuoto sterile. Al centro di questo universo onirico e plastico si erge la serie d’eccellenza intitolata Kaolin (Bake in Black series), un corpus scultoreo composto da sedici elementi ceramici unici. In queste tavole, la Milosevic ha impresso e riprodotto con precisione chirurgica l’impronta millimetrica di forme di pane reale e verace, convertendo un alimento deperibile ed effimero in una traccia archeologica permanente e indissolubile, scacciando le nevrosi del materialismo liquido.

I dati dell’esperimento plastico parlano chiaro e non lasciano spazio a dubbi: l’argilla e la farina collidono felicemente sul cartone e sul leggio dell’arte per dimostrare come il pane possa farsi scudo culturale contro lo spopolamento dell’anima. I Criteri di lavorazione adottati dall’autrice rifiutano le scorciatoie della finzione digitale e celebrano il sudore del gesto manuale. Ogni pezzo, radiografato in totale trasparenza dall’obiettivo fotografico d’autore di Davide Trasmunti, dialoga apertamente con le correnti dell’Arte Concreta e dell’Optical Art degli anni Settanta, dimostrando con i fatti che la cottura del pane e la fusione della ceramica sono riti paralleli di trasformazione Alchemica dell’io, risposte flessibili alla richiesta di sacro delle province metropolitane.

Dal pianoforte della Anselmini al sound design di KISK: la notte della nightlife vintage

A rendere eccezionale, solenne e mozzafiato la notte del verniciato milanese sarà il matrimonio perfetto tra le arti plastiche e i laboratori del sound design contemporaneo, baciato dal comfort funzionale perfetto garantito dallo sponsor tecnico Ginarte. Il salotto acustico della Food Genius Academy si accenderà alle ore 19:00 con l’esecuzione dal vivo di “Dialoghi tra Chiari e Scuri”, un’intensa, intima e sognante composizione per pianoforte solo scritta e interpretata dal talento cristallino di Camilla Arri Anselmini. La partitura in bianco e nero si scioglierà progressivamente nelle sequenze elettroniche e nelle performance d’avanguardia curate da KISK (colonna del collettivo Apparel Music) e da The Father (Alberto Baiocco), capaci di far tremare la platea mescolando l’atmosfera dei club e della *nightlife* vintage ai ritmi obliqui del jazz digitale.

La direzione della scuola comunica che la mostra rimarrà aperta alle visite delle famiglie, delle scolaresche e dei viandanti della cultura dal lunedì al sabato, dalle ore 10:00 alle 17:00, scadenze programmate per assicurare un’accessibilità universale e priva di barriere economiche a tutta la cittadinanza rionale. Per richiedere informazioni dettagliate sulle masterclass applicate o per interfacciarsi con l’ufficio stampa, la segreteria ha attivato la linea diretta e le pubbliche relazioni coordinate da Dario Buzzacchi e da Camilla Gemma al numero di contatto telefonico dedicato 333.3470802. Questo fine settimana spegnete gli smartphone, lasciate a casa il grigiore del materialismo quotidiano e andate in viale Col di Lana: Jelena Milosevic e le sue sculture nere vi aspettano a braccia aperte per ricordarvi che finché l’umanità saprà modellare la terra e impastare il domani, il nostro futuro non avrà mai paura del buio.

Roma – Ci sono stanze, all’interno dei rioni storici della Capitale, nate per trasformarsi in autentiche officine di pensiero, presìdi di resistenza civile e risorsa terapeutica contro il torpore e le nevrosi della modernità liquida. Il corpo umano e il movimento espressivo, quando si spogliano dei vecchi e polverosi cliché dell’intrattenimento commerciale di plastica, si riscoprono i veicoli più trasparenti e viscerali per dare voce alle vulnerabilità dell’io, offrendo alle famiglie e alle nuove generazioni un’oasi di spensieratezza colta e una connessione profonda con la propria dimensione interiore. Quando la solitudine urbana e il peso degli stereotipi sociali rischiano di schiacciare i progetti di vita del singolo, la danza contemporanea sale in trincea per farsi scudo e dovere civile. Sabato 26 settembre 2026, alle ore 21:00 in punto, lo storico e monumentale palcoscenico dello Spazio Rossellini – ATCL di Roma, situato in via della Vasca Navale 58, ospiterà un attesissimo e mozzafiato dittico coreutico della pluriennale e acclamata compagnia abruzzese Gruppo e-Motion.

La serata d’eccellenza, strutturata come un viaggio specchio denso di emozioni e onestà intellettuale, vedrà andare in scena due straordinari, intensi e speculari assoli nati per radiografare la condizione umana da prospettive differenti: “Tapirulan”, interpretato dalla straordinaria maturità espressiva di Francesca La Cava su coreografia di Sara Lourenço, e “Just a Solo – solo un assolo di un uomo solo”, ideato e vissuto sul legno dal talento di Antonio Taurino. Non parliamo di mero spettacolo passivo, ma di un programma d’avanguardia a ingresso controllato (con biglietti a partire da 12 euro ridotto al botteghino per under 18 e over 65, fino a 14,50 euro intero online e 15 euro in cassa) programmato per sconfiggere l’isolamento dei nostri giorni e l’asfissia dei filtri digitali, invitando i viandanti della cultura a farsi parte attiva del racconto, taccuino alla mano e passioni calde.

Il tapis roulant come metafora di Borges: la lotta della donna contro il sessismo

Il ruolino di marcia della kermesse si accenderà con le sequenze di Tapirulan, un’opera di squadra eccezionale guidata dalle parole immortali del poeta Jorge Luis Borges: «Il tempo è un fiume che mi trascina, ma sono io quel fiume». Sulla scena vuota, un vero e proprio tapis roulant meccanico continua a scorrere inesorabilmente e una figura femminile cerca con spavaldo orgoglio di abitarne e contrastarne il movimento perpetuo. La protagonista attraversa fisicamente tutte le stagioni dell’esistenza — dall’infanzia sognante fino alla maturità consapevole —, entrando in una fitta e trasparente collisione drammaturgica con le aspettative sociali, il peso dei ruoli familiari, il sessismo sistemico e la tossicità degli stereotipi di genere, dimostrando come la carne sia un vero e proprio archivio vivente che conserva traumi consci e inconsci.

La drammaturgia del movimento, curata chirurgicamente da Anouscka Brodacz, si avvale di un sound design d’ambiente perfetto, in cui la musica live electronics di Globster e i tagli geometrici del Light Designer Stefano Pirandello edificano un’atmosfera itinerante in continuo mutamento. I costumi d’autore, estratti dall’archivio storico del Gruppo e-motion e realizzati da Stefania Dessi in asse con Elisabetta Falqui, vestono la performer Francesca La Cava mentre resiste e si adatta alla macchina. Il tapis roulant cessa di essere un mero attrezzo ginnico per farsi specchio del tempo dello Stato sociale, scortando il pubblico verso una profonda riflessione sul dovere civile di tutelare la propria salute psicofisica contro le nevrosi e l’asfissia del materialismo quotidiano, senza filtri o ipocrisie interpretative.

Il rituale della goccia cadente: l’urlo intimo e ipnotico di Antonio Taurino

Il secondo round della notte romana vedrà il ribaltamento radicale della prospettiva di genere con il debutto di Just a Solo – solo un assolo di un uomo solo, una pièce intima, sognante e spietata scritta, diretta e interpretata da Antonio Taurino. La scena si svuota completamente da ogni orpello tecnologico o geometrico, popolata unicamente dal corpo nudo del danzatore che dà vita a un vero e proprio rituale ancestrale di purificazione interiore. I gesti sono reiterati, ossessivi e scanditi dal ritmo ipnotico e millimetrico di una sola, unica goccia d’acqua che cade dall’alto, frammentando lo spazio in un tempo senza tempo estraneo alle sintonizzazioni artificiali e alla fretta delle metropoli.

La solitudine si fa così risorsa terapeutica, uno spazio di sottrazione e ascolto pulito in cui il performer si spoglia delle maschere sociali per confrontarsi in totale trasparenza con le proprie fragilità biologiche e con i rimorsi del passato, lasciando fluttuare sul pubblico una domanda spaventosa e carica di significato antropologico: «Dove sono finiti tutti gli altri?». Un grido liberatorio, elargito alla platea per ripudiare l’intolleranza dell’indifferenza e riabilitare i soft skill dell’empatia umana, un invito aperto ai giovani a spegnere per una sera gli smartphone per riscoprire il valore civile della condivisione reale e della socializzazione rionale, limitando al massimo l’esodo della coscienza verso i canali digitali della finzione commerciale.

Il welfare della danza abruzzese: la corazzata di Francesca La Cava protetta dal MIC

Fondata e diretta con fiera determinazione fin dal 2004 da Francesca La Cava, la scuderia del Gruppo e-Motion rappresenta un’eccellenza monumentale dello Stato, essendo l’unica realtà di produzione della danza contemporanea in Abruzzo a essere stabilmente riconosciuta e finanziata dal 2008 dal **MIC – Ministero della Cultura** all’interno del Fondo Nazionale per lo Spettacolo dal Vivo. Forte del costante supporto della Regione Abruzzo e del Comune dell’Aquila, la compagnia ha strutturato negli anni una programmazione strategica e pluriennale volta a favorire l’inserimento lavorativo dei giovani talenti under 35 e la coesione sociale delle comunità interne, firmando festival e joint venture transnazionali del calibro di Human Dance, I Cantieri dell’Immaginario e l’acclamato Festival Visioni.

La direzione dello Spazio Rossellini comunica che i controlli logistici sulle sale e sui canali di prenotazione telefonica (attivi al contatto dedicato 345.2978091 o tramite la mail istituzionale) sono ultimati per assicurare un comfort volumetrico perfetto. Questo sabato sera lasciate a casa il grigiore del materialismo quotidiano e andate a via della Vasca Navale: Francesca La Cava e Antonio Taurino vi aspettano a braccia aperte per dimostrarvi che finché ci sarà un corpo capace di danzare la propria verità sul palco, il domani della nostra terra sarà per sempre un posto libero, protetto e profondamente umano. I motori elettronici di Globster sono accesi, i biglietti disponibili sul circuito ufficiale e il sipario pronto ad aprirsi: il viaggio nella memoria è cominciato, ed è un’esperienza meravigliosa che aspetta solo di essere vissuta.

Ortona (CH) – Ci sono spazi all’interno dei nostri presìdi culturali e dei teatri storici di provincia che non nascono semplicemente per fare da anticamera o da zona di transito tra la strada e le poltrone della platea, ma che vengono concepiti come autentiche officine di pensiero, gallerie d’avanguardia e rifugi di pura spensieratezza colta. L’arte visiva, quando si spoglia delle asettiche logiche dei mercati accademici e dei filtri digitali degli smartphone, si riscopre la risorsa terapeutica ed etica più potente per unire le generazioni nel salotto della bellezza, offrendo alle famiglie e ai giovani viandanti una fitta e trasparente immersione nell’onestà dei sentimenti. In concomitanza millimetrica con il solenne e travolgente fischio d’inizio della nuova stagione teatrale 2026/2027, lo storico foyer del Cinema Auditorium Zambra di Ortona si trasforma nel cuore pulsante di una spettacolare ed eccezionale personale di pittura, interamente dedicata alla rivelazione del Realismo Figurativo moderno: la giovanissima e talentuosa artista ortonese Alice Di Deo.

La mostra, inserita organicamente all’interno della fitta programmazione multidisciplinare programmata e curata con rigore filologico dalla direzione artistica di Unaltroteatro — nelle figure dei fondatori stanziali Lorenza Sorino e Arturo Scognamiglio —, rimarrà aperta e accessibile al pubblico, in totale trasparenza e in forma completamente gratuita, tutti i giorni dalle ore 18:30 alle 20:00 fino alla scadenza naturale di sabato 17 ottobre 2026. Non parliamo di un’esposizione scolastica, ma di una rassegna d’alto profilo culturale che offre ai passeggeri del sogno e ai collezionisti d’arte l’opportunità unica di addentrarsi nei laboratori cromatici e nel personalissimo universo visivo di una pittrice under 18 dal talento cristallino, capace di sintonizzare il merito del gesto analogico sulle frequenze dello stupore più puro, taccuino alla mano e passioni calde.

Dall’illustrazione dantesca per Giorgio Grasso al trionfo al John Fante Festival

Il profilo biografico di Alice Di Deo svela una parabola formativa straordinaria, in cui la dedizione precoce si fonde a una rara sensibilità espressiva che rifiuta i cliché commerciali delle produzioni di plastica. Attualmente frequentante con profitto il secondo anno presso i laboratori del prestigioso Liceo Artistico “Misticoni” di Pescara, all’interno dell’indirizzo specialistico di arti figurative, la giovane studentessa coltiva una passione viscerale per il disegno e la stesura acustica del colore fin dall’età prescolare. Sviluppando un cammino prevalentemente autodidatta che stupisce i critici dello Stato per maturità ingegneristica e padronanza della tela, Alice ha saputo bruciare le tappe, limitando al massimo il torpore delle distrazioni digitali della sua generazione per tracciare un ruolino di marcia solido e duraturo.

I dati d’altronde parlano chiaro e non lasciano spazio a dubbi: nel 2020, all’età di soli dieci anni, la pittrice ortonese ha partecipato come un’autentica rivelazione alla 2° Biennale Internazionale di Pescara. È in quella solenne cornice che il suo talento pulito è stato notato dal celebre critico d’arte Giorgio Gregorio Grasso, il quale ha deciso di inserire e pubblicare una delle sue tavole all’interno del monumentale volume saggistico “Divina Commedia illustrata da artisti contemporanei”, elargito alle stampe dall’Istituto Nazionale di Cultura in occasione delle celebrazioni dello Stato per i 700 anni dalla morte di Dante Alighieri. Nel corso del recente 2025, Alice ha blindato il proprio posizionamento d’eccellenza aggiudicandosi il primo premio assoluto nell’estemporanea di pittura della rinomata kermesse letteraria transnazionale “John Fante Festival” a Torricella Peligna, collezionando parallelamente menzioni speciali e podi nei laboratori d’arte di Pineto, Orsogna e Giuliano Teatino.

Il sound design del pennello: la notte del Jazz e della Pop Art nello spazio Unaltroteatro

La cifra stilistica che caratterizza le opere esposte nel foyer dello Zambra si è consolidata negli ultimi tre anni di accesa e prolifica ricerca pittorica, collocandosi felicemente nei corridoi del Realismo Figurativo moderno con potenti e graffianti contaminazioni di matrice Espressionista, contaminate a loro volta da telai visivi tipici della Pop Art e della Urban Art metropolitana. L’ispirazione fondamentale delle tele affonda le proprie radici storiche nelle passioni più calde dell’autrice: la grande musica del Novecento — andata rubata nelle melodie immortali del Jazz d’avanguardia, del Blues viscerale e del Rock Classico d’oltreoceano —, l’atmosfera fumosa e accogliente dei club d’epoca, la “nightlife” vintage, le fotografie storiche in bianco e nero e le copertine degli album in vinile che hanno fatto la storia della discografia mondiale.

Il ritratto e la figura umana cessano così di essere asettici elementi decorativi e si trasformano in risposte flessibili alle domande dell’io, in cui il colore acrilico vibra sul cartone e sulla tela con la stessa forza di un assolo di sassofono o di una nota di contrabbasso, offrendo un comfort visivo perfetto per contrastare l’isolamento e l’intolleranza della società dei consumi. I quadri di Alice Di Deo dialogano in totale trasparenza con il claim della stagione teatrale dello Zambra, firmato da Sorino e Scognamiglio: «Se non lo vedi non ci credi», un invito esplicito a superare i filtri artificiali della rete per fare un’esperienza fisica dal vivo all’interno del polo culturale di via Don Giovanni Bosco.

La campagna abbonamenti dello Zambra: info e contatti utili della segreteria

La direzione logistica del teatro ricorda che, in parallelo con la visita alla mostra di Alice Di Deo, i locali del Cinema Auditorium sono aperti a ciclo continuo per accogliere i passeggeri del teatro e consentire la sottoscrizione dei nuovi e convenienti abbonamenti a prezzi ridotti per i prossimi, attesissimi spettacoli del cartellone 2026/2027, il cui imminente fischio d’inizio sul palco è programmato per il prossimo 21 ottobre. Una programmazione strategica e pluriennale nata per tutelare la tenuta sociale dei rioni cittadini e favorire l’aggregazione pulita tra le mura della struttura, supportata anche dai laboratori giovanili della scuderia UT Factory.

Per richiedere dettagli precisi sui costi delle tessere, prenotare le poltrone o interfacciarsi con il personale cortese ed d’élite, la segreteria ha messo a disposizione della cittadinanza la linea telefonica fissa 085.8135184, il canale WhatsApp aziendale al numero 375.5678433 e l’indirizzo di posta elettronica istituzionale info@unaltroteatro.com, mentre il palinsesto completo è consultabile sul portale web www.cinemauditoriumzambra.com. Questo fine settimana spegnete gli smartphone, lasciate a casa il grigiore del materialismo quotidiano e scendete in strada a Ortona: i quadri di Alice e le luci dello Zambra vi aspettano a braccia aperte per ricordarvi che finché la giovinezza saprà dipingere la musica e la libertà, il nostro domani non avrà mai paura del buio.