Roma – Ci sono momenti in cui l’arte si spoglia delle sue vesti più canoniche e protette per scendere in strada, mescolarsi al cemento delle periferie, abitare la terra dei parchi e respirare insieme alle comunità locali, trasformando lo spazio urbano in un immenso e pulsante manifesto di libertà. Dal 10 al 13 settembre 2026, la Capitale torna a essere attraversata dal respiro dirompente del District Dance Festival. La rassegna, curata nei minimi dettagli dalla storica Compagnia Atacama e guidata con passione e lungimiranza dai direttori artistici Patrizia Cavola e Ivan Truol, consolida dal 2022 a oggi una programmazione d’avanguardia dedicata alla danza contemporanea e alle performance site-specific. L’itinerario di quest’anno toccherà luoghi simbolo del Municipio V e non solo, snodandosi tra il Centrale Preneste Teatro, Piazza dei Mirti, il Parco Sangalli e il Teatro Villa Lazzaroni, mettendo in relazione diretta i corpi dei performer con l’identità profonda dei quartieri romani.

Il cartellone di questa edizione edifica una vera e propria geografia artistica nazionale, accogliendo a Roma compagnie consolidate, progetti di ricerca e giovanissimi autori provenienti da Lazio, Lombardia, Toscana, Veneto, Marche, Friuli Venezia Giulia e Puglia. Le coreografie scenderanno sul campo per sviscerare e graffiare i temi caldi della nostra complessa contemporaneità: la solitudine dell’individuo moderno, il confine labile dell’identità di genere, il disperato bisogno di appartenenza, la memoria dei territori e la crisi ecologica e ambientale. La danza si fa così strumento civile, un presidio di prossimità nato per indagare la tensione tra il singolo e la comunità, celebrando la trasformazione dell’ostacolo in una straordinaria opportunità di riscatto umano e sociale.

Dall’iniziazione Zen di Paola Sorressa all’atto d’accusa contro la società della prestazione

La manifestazione prenderà ufficialmente il via giovedì 10 settembre alle ore 21:00 al Centrale Preneste Teatro con due produzioni di immenso spessore filosofico. Aprirà la serata la Mandala Dance Company con “Stone”, una nuova e vibrante produzione firmata dalla coreografa Paola Sorressa. Al centro della scena, sette pietre scandiscono un rito di iniziazione e trasformazione che richiama l’immaginario dei giardini Zen giapponesi; la materia minerale si fa totem e l’ostacolo fisico diventa la sostanza stessa attraverso cui il corpo trova la sua completezza spirituale. A seguire, la Compagnia Atacama porterà sul palco “L’Ultimo Uomo”, uno spettacolo viscerale firmato da Cavola e Truol e ispirato alle tesi del filosofo Byung-Chul Han nel saggio La società della stanchezza. I corpi dei danzatori metteranno a nudo l’alienazione dell’uomo contemporaneo stritolato dall’iperattività, dal multitasking e dall’ottimizzazione esasperata del tempo, forme di autosfruttamento che conducono all’esaurimento emotivo.

Venerdì 11 settembre, a partire dalle ore 17:15, il festival si sposterà in Piazza dei Mirti, abbattendo la quarta parete teatrale per dialogare direttamente con i passanti. La Compagnia Atacama presenterà “Anime”, una coreografia in cui lo spazio pubblico non è un mero sfondo ma un elemento attivo che influenza i movimenti, permettendo alla memoria storica del territorio di entrare nell’opera. Seguirà “PATAPHYSICIEN” della Compagnia Fabula Saltica (regia di Mattia Chiarelli), un’opera visionaria nata all’interno del progetto “Giovani Autori under 25” sostenuto dal Ministero della Cultura e dalla Regione del Veneto. Chiuderà la giornata il Free Wall di HUNT CDC Young Project, con la coreografia di Giosy Sampaolo: un laboratorio dedicato ai talenti under 30 delle Marche in cui il muro diventa una figura ambivalente, barriera da abbattere ma anche scudo protettivo per l’anima fragile.

La lince appenninica di Aurelio Di Virgilio e la riscrittura ecologica di Andersen

Sabato 12 settembre l’Arena verde di Parco Sangalli accentuerà il dialogo tra l’arte e l’ambiente. La Compagnia Arearea presenterà “Dancing FOUR Peace” di Marta Bevilacqua, un intreccio unico tra la fisicità dei danzatori e le poesie immortali di Bachmann, Szymborska, Quasimodo, Ungaretti e Brecht. A seguire, l’esplorazione della bellezza instabile con “Dreaming Box-Solo” di Compagnia Adarte (coreografia di Francesca Lettieri) e l’esplosivo lavoro “L’Altro” di ResExtensa Dance Company (regia di Gianni Wers), una lotta coreografica per il riconoscimento sociale che fonde la danza contemporanea con i ritmi e la grinta della house dance, simboleggiata dalla contesa di un giaccone. Domenica 13 settembre, la mattina al Teatro Villa Lazzaroni (ore 10:00) sarà dedicata alle famiglie e ai bambini con “La Regina senza Nevi” di Valeria Loprieno e Giovanna Rovedo: la celebre fiaba di Andersen viene riscritta alla luce del surriscaldamento globale e della crisi climatica, trasformando la storica antagonista nella custode disperata di un mondo di ghiaccio che sta scomparendo sotto i colpi dello sfruttamento umano.

Il gran finale del festival si consumerà nel pomeriggio di domenica presso l’Ex Bocciodromo di Parco Sangalli. La Compagnia Déjà Donné presenterà “Quasi niente n.1” di Elia Pangaro e Alexander de Vries, un’indagine sul margine minimo di equilibrio che consente a un corpo di non cadere. Subito dopo, la scena sarà catturata dalla performance “LYNX LYNX” della Compagnia Aurelio Di Virgilio – Movimento Danza, una produzione di Pollinaria che indaga la figura della lince appenninica, un animale sospeso tra la documentazione scientifica e il mito collettivo, per riflettere sul senso della scomparsa e della memoria ecologica. Chiuderà trionfalmente la rassegna l’opera “Contrappunti dall’Oceano” di Livia Bartolucci, un’esperienza immersiva totale in cui il pubblico, grazie a una tecnologia audio a 360 gradi, verrà proiettato nella quiete e nell’imprevedibilità dell’oceano, invitando ognuno ad abbandonare le proprie certezze per aprirsi all’ignoto. Il District Dance Festival dimostra che la vicinanza, il rispetto e la solidarietà sono gli unici strumenti capaci di curare le ferite delle nostre città, ricordandoci che ogni corpo in movimento è un inno alla vita che non può essere messo a tacere.

Redazione – Viviamo in un’epoca storica caratterizzata da crolli inaspettati, macerie sociali e profonde incertezze sul futuro. Un’epoca in cui, sempre più spesso, il denaro e le spietate logiche di mercato sembrano aver preso definitivamente il sopravvento sui sentimenti umani. Ma l’arte, per fortuna, possiede ancora il magico potere di indicare una via d’uscita. Da venerdì 28 agosto 2026 entrerà in rotazione radiofonica “Tutto da Zero”, il nuovo ed emozionante singolo scritto e prodotto dall’artista italo-bielorussa Anastasia Anniemore24, interpretato dalla meravigliosa voce di Antonella Bacchini.

Il coraggio di ricominciare: l’anima di “Tutto da zero”

Il brano (estratto dal Volume 2 del colossale progetto discografico “Un bacio di fortuna – 30 brani per 30 voci”) non è una semplice e orecchiabile canzonetta pop, ma un vero e proprio manifesto filosofico, un viaggio introspettivo tra le pieghe dell’esistenza umana. La canzone, cantata con una sincerità vocale a tratti disarmante, accompagna l’ascoltatore a riflettere sulla fragilità del nostro pianeta in profonda trasformazione.
Come suggerisce il testo, le fondamenta della nostra società si stanno inesorabilmente sgretolando. Di fronte a questa apocalisse morale ed ecologica, siamo chiamati a fare una scelta di campo netta: da che parte stare? Il brano è un invito imperativo a fermarsi, a capire chi siamo diventati e ad avere il coraggio di ricominciare, appunto, tutto da zero. Nel suggestivo videoclip del brano (ambientato in un deserto simbolico di rovine), compare a un certo punto un piccolo, miracoloso germoglio verde: è il simbolo della speranza. L’autrice ci suggerisce che per ricostruire il mondo c’è un solo e unico punto di partenza possibile: scrivere su un foglio bianco la parola “amore”.

La voce avvolgente di Antonella Bacchini

Un messaggio di tale e drammatica portata universale non poteva essere affidato a una voce qualunque. Come spiega la stessa Anastasia, per questo brano (arrangiato magistralmente da Fabio Vaccaro di Pocketstudio a Brescia) serviva “maturità vocale e umana”, qualcuno in grado di reggere il peso di un grido d’allarme globale.
La scelta è caduta sulla timbrica rara, piena e avvolgente di Antonella Bacchini. “Antonella è una persona di poche parole, ma quando canta trasmette un’energia che non ti permette di ignorare le parole”, racconta l’autrice. Da donna e madre, la Bacchini ha fatto sua la profonda preoccupazione per il futuro delle nuove generazioni, riversando nel microfono tutta la tensione emotiva necessaria per scuotere le coscienze di chi ascolta.

Il titanico progetto “30 brani per 30 voci”

Il singolo fa parte di un’opera artistica che ha del clamoroso. Anastasia Anniemore24 ha ideato, scritto, musicato e prodotto il progetto “Un bacio di fortuna”: ben 30 brani inediti affidati a 30 interpreti diversi (con la ferrea regola del “1 brano – 1 voce”). Un lavoro titanico, realizzato nell’arco di poco più di un anno, che ha coinvolto cantanti italiani e stranieri. I brani esplorano ogni genere (dal pop classico all’elettronica, dalla club music alle ballate cantautorali), uniti dal filo rosso di una scrittura poetica ed emozionale che vuole restituire centralità alla parola italiana nel panorama pop internazionale (l’intero lavoro è diventato anche un libro omonimo che raccoglie tutte le liriche).

Anastasia: dalla Bielorussia all’Italia in cerca di libertà

Ascoltando “Tutto da zero”, è impossibile non intravedere il profondo legame viscerale con la storia personale dell’autrice. Anastasia Anniemore24 sa benissimo cosa significhi dover ricostruire il proprio destino partendo dal nulla. Nata in Bielorussia, con alle spalle una brillante carriera giornalistica televisiva a Minsk, le drammatiche vicende politiche della sua terra d’origine l’hanno costretta a emigrare.
Giunta in Italia, ha dovuto (letteralmente) ricominciare da zero, affrontando lavori lontani dalla sua vera vocazione prima di poter finalmente riabbracciare il pianoforte e la scrittura. Fortemente innamorata della lingua italiana, oggi Anastasia è un’etichetta indipendente “tutto in uno”: scrive, compone, fa scouting sui social e produce. Il suo grande sogno? Dimostrare al mondo intero che la musica cantata in italiano possiede un’anima e uno spessore in grado di dominare i palcoscenici internazionali. E con brani potenti come “Tutto da zero”, quel sogno è già una splendida realtà in cammino.

Redazione  – Ci sono canzoni capaci di farci ballare in modo sfrenato e, nello stesso esatto istante, di farci scavare nel profondo delle nostre ferite più intime. A partire da venerdì 28 agosto 2026, sarà finalmente disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le principali piattaforme di streaming digitale “I’ll Never Be the Same”, l’attesissimo nuovo singolo del DJ e produttore italiano AKOLA (pubblicato per Red&Blue Music Relations e distribuito da ADA Music Italy).
Il brano si presenta fin dal primissimo ascolto come un travolgente, vertiginoso viaggio musicale sospeso tra l’estrema fragilità umana e il necessario coraggio esistenziale. AKOLA è riuscito nella difficilissima impresa di unire l’energia debordante e adrenalinica delle sonorità EDM (Electronic Dance Music) a un’interpretazione vocale intensissima, dando vita a una profonda riflessione sulla universale paura dell’abbandono.

La paura di perdere chi amiamo su un beat a 127 BPM

Il cuore pulsante di “I’ll Never Be the Same” è un amore vissuto in modo sofferto, segnato dal costante, asfissiante timore di perdere la persona amata da un momento all’altro. Questa complessa dinamica relazionale si trasforma rapidamente in una splendida metafora della vita stessa: l’essere umano è spesso turbato e spaventato proprio dalle cose più belle che riceve dalla sorte in modo inaspettato, perché il naturale istinto del possesso si scontra immediatamente con il terrore della perdita.
Il messaggio finale del brano è però luminoso: è un vero e proprio inno al coraggio emotivo. Nonostante il dolore lacerante che l’attaccamento può teoricamente causare, è sempre meglio vivere pienamente e senza filtri le proprie emozioni, accettando il rischio calcolato di affezionarsi, piuttosto che rinunciare vigliaccamente a ciò che la vita offre per paura di soffrire.
A livello puramente sonoro, la produzione pulsa di un’energia magnetica incalzante a 127 BPM. L’arrangiamento si sviluppa attraverso build-up adrenalinici (le tipiche “salite” della musica dance) ed esplosivi drop liberatori, creando un affascinante e bellissimo contrasto emotivo tra la vulnerabilità struggente del testo e la nuda potenza della cassa dritta.

Le parole dell’artista e il videoclip tropicale

A spiegare la genesi di questa traccia è lo stesso DJ e producer: «Questo singolo rappresenta per me un vero e proprio giro di boa e un manifesto della mia maturità artistica. Il brano si inserisce nel mio progetto musicale attraverso l’evoluzione del sound; se le mie produzioni precedenti hanno tracciato la strada della House/Pop melodica e introspettiva, questo brano segna la transizione verso la House-Pop/EDM di matrice nordeuropea, con una firma vocale centrale che diventa l’elemento trainante».
Ad accompagnare il rilascio del brano c’è un evocativo videoclip ufficiale, magistralmente diretto dal regista Andrea Luca Colaianni (già disponibile su YouTube). Le immagini raccontano una storia dolce e rilassata, ambientata tra mozzafiato paesaggi tropicali, case silenziose e tramonti infuocati sul mare. La protagonista, guidata dal filo invisibile della melodia, esplora spiagge incontaminate e vivaci coworking café alla ricerca di quella magica connessione speciale capace di cambiarle per sempre la vita, in un intreccio perfetto tra la passione per la musica e la ricerca inesausta dell’anima gemella.

Chi è AKOLA: l’evoluzione del sound e il tocco inconfondibile

AKOLA è da tempo una delle figure più interessanti della scena elettronica italiana. La sua lunghissima esperienza nel mondo del clubbing puro affonda le radici nella musica techno e house, ma negli ultimi anni il suo sound (ascoltabile in brani iconici come “Ocean”, “Time” o “Fragment Reality”) si è intelligentemente evoluto verso l’afro-house e la pop house.
Traendo forte ispirazione da maestri dei groove ipnotici come Solomun e Black Coffee, e guardando a pesi massimi internazionali della narrazione elettronica come Disclosure e RÜFÜS DU SOL, AKOLA ha imparato a rendere la musica dance “ascoltabile” e godibile anche fuori dai club. Il suo obiettivo futuro è ambizioso e cristallino: raggiungere una totale “Riconoscibilità Sonora”, un tocco unico che permetta all’ascoltatore di riconoscere immediatamente un suo brano fin dal primo beat, unendo l’innegabile qualità tecnica da discoteca alla profonda struttura emotiva tipica della musica pop d’autore.