Como – Nel panorama cantautorale contemporaneo, dove le produzioni tendono spesso a rifugiarsi in un intimismo acustico monocorde o nelle scorciatoie sintetiche dell’urban pop, c’è chi sceglie di imbracciare la chitarra elettrica, accendere gli amplificatori a valvole e far ruggire il sassofono come nella gloriosa tradizione rock degli anni Ottanta. Dal 23 ottobre 2026 è disponibile su tutte le piattaforme digitali di streaming musicale e in rotazione radiofonica nazionale «L’infinito è finito», il nuovo trascinante singolo del cantautore comasco Tommaso Imperiali. Il brano, pubblicato dall’etichetta indipendente Altavibe Music e distribuito su scala globale da The Saifam Group, segna un’evoluzione stilistica dirompente a pochi mesi dall’uscita dell’acclamato LP Inni generazionali.

Classe 1999, penna affilata e anima intrisa di sudore da palcoscenico, Imperiali firma una canzone che colpisce allo stomaco per lucidità e compattezza sonora. «L’infinito è finito» non è soltanto un titolo a effetto, ma una diagnosi generazionale spietata sul tramonto delle promesse facili, sull’inconsistenza dei miti rassicuranti e sull’impatto con un futuro precario che sembra aver cancellato ogni orizzonte certo. Eppure, in questo scontro frontale con la realtà, il brano non si arrende mai al nichilismo: al contrario, trasforma la caduta delle certezze in una scarica di adrenalina, in un imperativo categorico a continuare a lottare e a credere in qualcosa di autentico.

Il tramonto delle illusioni e il ruggito del rock: la lezione di Bruce Springsteen

Sul piano prettamente musicale, il brano segna una dichiarata e fiera dichiarazione d’amore per il grande rock americano d’oltreoceano. La chitarra ritmica incalza la sezione ritmica con un groove quadrato e pulsante, mentre i riff graffianti del sassofono irrompono nella melodia evocando all’istante le atmosfere epiche della E Street Band di Bruce Springsteen, il romanticismo urbano di Tom Petty e la spigolosità del miglior Heartland rock. Una miscela sonora che esalta il contrasto poetico del testo, condensato in uno dei passaggi più folgoranti del brano: la lucida consapevolezza che «la storia non si fa con i soli di sax», ammonimento che non smorza la passione ma ne definisce la responsabilità etica.

A spiegare l’urgenza creativa da cui è scaturito il pezzo è lo stesso cantautore comasco: «È il primo passo di una nuova parte del percorso artistico che ho iniziato con l’album Inni generazionali. Da un lato avverto una forte continuità con l’anima delle canzoni del disco, ma dall’altro sento questo singolo come l’innesco di una direzione totalmente nuova: più rock nei suoni, più viscerale negli arrangiamenti e ancora più diretta e incisiva nella scrittura dei testi. Con la band abbiamo già pronti altri brani nati con questa medesima energia e non vedo l’ora di portarli dal vivo e aggiungerli alle prossime scalette dei concerti».

La produzione agli Alari Park Studios e il videoclip ufficiale

La cura maniacale del suono è uno dei punti di forza del progetto. La traccia è stata prodotta dal rinomato produttore Lorenzo Cazzaniga, che ha curato personalmente le registrazioni e il mixaggio presso gli storici Alari Park Studios di Cernusco sul Naviglio, alle porte di Milano. In studio di registrazione ha preso vita una sinergia strumentale ad altissimo voltaggio: il drumming solido e dinamico di Michele Burgo alla batteria si fonde con le timbriche calde delle tastiere di Federico Gemignani e con le sciabolate soliste del sax di Tommaso Roscio, cesellando un impatto sonoro corposo e privo di sbavature.

L’uscita del singolo è accompagnata dal videoclip ufficiale con la regia di Giada Garattoni e l’aiuto regia di Filippo Gerardi. La clip traduce in immagini l’atmosfera elettrica e la chimica fraterna della band: al fianco di Tommaso Imperiali figurano infatti il talentuoso chitarrista Daketo e lo stesso sassofonista Tommaso Roscio, compagni inseparabili e perni della formazione live che da anni incendia i palchi dei club e dei festival di mezza Italia.

Dalla gavetta con i Five Quarters al trionfo al contest «Cover Me»

Nonostante la giovane età, il cammino musicale di Tommaso Imperiali vanta radici solide e una gavetta maturata sul campo. Nel 2015 muove i primi passi da frontman fondando i Five Quarters, gruppo rock-blues che nell’arco di pochi anni si impone come uno dei fenomeni più caldi della provincia di Como, collezionando oltre 150 concerti in tutta la penisola e approdando alle selezioni televisive di X Factor 2019. Nel 2022 Imperiali decide di intraprendere il percorso solista, conquistando immediatamente la finale nazionale di Area Sanremo.

L’anno della prima svolta è il 2023: pubblica l’album autoprodotto Meccanismi di difesa, otto tracce in cui il cantautorato incontra la foga del rock americano, e si aggiudica – in duo con l’inseparabile chitarrista Daketo – il prestigioso concorso nazionale Cover Me, dedicato alle migliori reinterpretazioni filologiche dei capolavori di Bruce Springsteen. Nel gennaio 2025 arriva la firma con l’etichetta indipendente Altavibe, preludio a un biennio di fuoco: oltre 40 esibizioni live tra Lombardia e Nord Italia, sia in dimensione acustica che con la full band al completo, con tappe trionfali come l’apertura al concerto evento di Davide Van De Sfroos al Lake Sound Park di Como, il concerto in Piazza Santissima Annunziata a Firenze, la serata al celebre Teatro Sociale di Como e l’esibizione conclusiva al Milano Film Fest. Nel giugno 2026 corona questa ascesa con l’LP Inni Generazionali, stampato anche in vinile e distribuito da Saifam.

L’anima teatrale: dal Premio Scenario 2025 all’Aiace di Sofocle a Tindari

A testimonianza di una poliedricità fuori dal comune, Tommaso Imperiali affianca alla carriera discografica una prestigiosa attività di compositore e musicista di scena per il teatro contemporaneo. Dal 2023 collabora attivamente con la compagnia teatrale Dimore Creative, partecipando come musicista dal vivo allo spettacolo di teatro civile Ecologia Capitalista (scritto e interpretato da Pietro Cerchiello, con più di 70 repliche acclamate tra l’Italia e la Svizzera). Sempre per le scene firma la regia e le musiche originali di Concerto per uno sconosciuto, pièce trionfatrice del prestigioso Premio Scenario 2025 e in tournée nazionale da inizio 2026.

Nell’estate 2026 la sua ricerca sonora approda al teatro classico: firma le musiche ed è sul palco nell’Aiace di Sofocle prodotto dal Teatro Pubblico Ligure per la regia di Sergio Maifredi, debuttato con straordinario successo nell’antico Teatro Greco di Tindari e destinato ai principali teatri di prosa italiani nella stagione 2027. Un percorso a tutto tondo arricchito dal sodalizio con la realtà bolognese di Officina Roversi, che rende Tommaso Imperiali una delle voci più autorevoli, energiche e complete della nuova scena musicale italiana.

Orsogna – Come si può raggiungere l’anima di un essere umano quando il mondo circostante sembra aver sbarrato ogni porta d’accesso ai suoni, alle immagini e alle parole? Come si insegna a una bambina a scoprire la bellezza della realtà quando l’oscurità e il silenzio più totale rischiano di trasformare l’affetto familiare in una gabbia di impotente rassegnazione? E soprattutto: come si può amare davvero senza rinunciare a chiedere all’altro di crescere, di lottare e di conquistare la propria libertà? Da questi universali interrogativi prende vita la nuova stagione di prosa del Teatro Comunale “Camillo De Nardis” di Orsogna, in provincia di Chieti, curata con passione dall’organismo I Guardiani dell’Oca sotto la prestigiosa direzione artistica di Zenone Benedetto.

Ad alzare il sipario nella serata di venerdì 23 ottobre 2026 alle ore 21.00 sarà “Anna dei Miracoli”, spettacolo di travolgente intensità emotiva prodotto da Teatro e Società per la Fondazione Lega del Filo d’Oro. La pièce, tratta dalla celeberrima opera drammaturgica di William Gibson – resa immortale sul grande schermo dal capolavoro cinematografico The Miracle Worker diretto da Arthur Penn nel 1962 –, si avvale dell’adattamento magistrale e della regia raffinata di Emanuela Giordano. Assoluta protagonista sul palcoscenico è la straordinaria attrice Mascia Musy, affiancata da un cast di eccezionale sensibilità composto da Anna Mallamaci, Elisa Lucarelli e Tommaso Bernabeo.

Helen Keller e Anne Sullivan: una battaglia quotidiana di ostinazione, fermezza e riscatto

Al centro della narrazione vi è la vicenda reale di Helen Keller, divenuta sordocieca all’età di soli diciannove mesi a causa di una meningite. Privata improvvisamente della vista e dell’udito, prigioniera di un corpo che non comprende l’ambiente circostante, la piccola esplode in comportamenti rabbiosi e incontrollabili che gettano la famiglia nello sconforto. I genitori la amano disperatamente ma non possiedono gli strumenti per comunicare con lei: l’iperprotettività finisce per assecondare ogni capriccio, trasformando l’affetto in una condanna alla dipendenza perpetua.

In questa casa oppressa dal dolore fa il suo ingresso Anne Sullivan, una giovane educatrice segnata a sua volta da un’infanzia durissima, trascorsa in un orfanotrofio e minata dalla parziale perdita della vista. Anne non promette miracoli istantanei né facili scorciatoie: porta con sé la determinazione incrollabile di chi rifiuta di considerare una persona “irraggiungibile” solo perché nessuno ha ancora trovato la chiave per intenderla. Tra l’insegnante e l’allieva si innesca un corpo a corpo serrato, fatto di scontri fisici, resistenze psicologiche e prove estenuanti. Anne comprende che per salvare Helen occorre esigere da lei disciplina e apprendimento, rifiutando ogni logica pietistica.

Il contatto tattile e la nascita della parola: quando il miracolo è la conoscenza

Attraverso il senso del tatto, la ripetizione instancabile dei gesti e la sillabazione delle lettere impresse sul palmo della mano, Anne insegna a Helen che ogni elemento della realtà possiede un nome, e che quel nome è la chiave per dischiudere il mondo. Il celebre momento in cui l’acqua sgorga dalla pompa e la bambina connette il flusso freddo sulla pelle con la parola “w-a-t-e-r” segna una metamorfosi radiosa: non la scomparsa miracolosa della disabilità, ma la sublime conquista dell’autonomia, del pensiero astratto e della dignità personale.

Questa vicenda epica dialoga in modo profondo e viscerale con la storia d’Abruzzo. È proprio in terra abruzzese – a San Benedetto dei Marsi – che nacque nel 1917 Sabina Santilli, divenuta sordocieca all’età di sette anni. Con la medesima ostinazione di Helen, Sabina apprese il Braille e il sistema Malossi, laureandosi al coraggio e fondando nel 1964 la Lega del Filo d’Oro, che da oltre sessant’anni rappresenta un faro insostituibile di assistenza e speranza per migliaia di persone con pluridisabilità psicosensoriali e per le loro famiglie.

L’impegno della Lega del Filo d’Oro e la testimonianza di Mascia Musy

Come ha rimarcato il Presidente della Fondazione Lega del Filo d’Oro, Rossano Bartoli: «La parabola di Helen Keller e Anne Sullivan ci ricorda quotidianamente quanto sia doveroso credere nelle capacità inespresse di ogni individuo, senza mai arrendersi dinanzi all’apparente insormontabilità della disabilità». Un concetto rilanciato dall’attrice Mascia Musy, anima e promotrice di questo allestimento: «Questo spettacolo racconta l’amore di chi sceglie di prendersi cura di chi è considerato più fragile non per pietismo compassionevole, ma perché ne riconosce la sacralità e l’immenso valore umano».

Milano – C’è una linea d’ombra magnetica e feconda in cui le luci al neon della metropoli di Tokyo di fine millennio si specchiano nelle pulsazioni ritmiche del pop occidentale d’avanguardia. È lungo questa rotta sonora transcontinentale che si colloca “溜め息” (Tameiki), l’attesissimo nuovo singolo firmato dal polistrumentista e produttore indipendente Tony Fortunato in collaborazione con la raffinata cantante giapponese Moonlight – 月と涙 -. Il brano sarà disponibile a partire da venerdì 23 ottobre 2026 in rotazione radiofonica nazionale e su tutte le piattaforme di streaming musicale digitale, pubblicato per l’etichetta Red&Blue Music Relations e distribuito capillarmente da ADA Music Italy (divisione di Warner Music Group).

Riavvolgendo idealmente il nastro della memoria sonora fino alla cosiddetta epoca d’oro del J-Pop e del J-Rock a cavallo tra la fine degli anni ’90 e i primissimi anni 2000, “Tameiki” – termine giapponese che si traduce letteralmente con “sospiro” – trasfigura la malinconia metropolitana in un travolgente slancio vitale. Il pezzo esplora ed evolve il concetto nipponico di shissoukan (疾走感): quella sensazione vertiginosa di corsa a perdifiato, di velocità cinetica e di assoluta libertà emotiva che travolge l’ascoltatore a ogni progressione armonica, restituendola tuttavia in una dimensione intima, notturna e riflessiva.

Il concetto di «shissoukan» e l’architettura sonora: dal groove funky al sospiro melodico

Dal punto di vista della produzione, “Tameiki” si distingue per una costruzione acustica millimetrica ed estremamente stratificata. La spina dorsale della composizione poggia su un basso elettrico muscolare e serrato, sul quale si innestano architetture di sintetizzatori analogici e digitali dal sapore siderale e futuristico. Su questa trama ritmica fluida si inseriscono improvvise incursioni chitarristiche dal sapore funky e ricercate trame in palm muting, che preparano il terreno per l’ingresso soffuso della voce di Moonlight – 月と涙 -.

Il canto in lingua originale della vocalist giapponese si libra con un’eleganza ieratica, creando un contrasto affascinante con la densità percussiva del brano. Il finale della traccia sfocia in un crescendo orchestrato con rara sapienza, dove armonie vocali calde e contrappunti di chitarra trasformano il respiro malinconico del ritornello in un groove irresistibile, dimostrando come le barriere linguistiche svaniscano quando la ricerca musicale punta all’universalità dell’emozione.

Le parole dell’artista: «Un ponte emotivo tra Tokyo e l’Occidente che supera ogni confine»

A spiegare il motore emotivo e intellettuale che ha dato forma al progetto è lo stesso Tony Fortunato, che descrive la genesi del pezzo come un autentico atto d’amore verso l’estetica del Sol Levante:

«Con “Tameiki” ho voluto rievocare quell’energia nostalgica, elettrica e luminosa tipica della cultura musicale giapponese a cavallo tra fine anni Novanta e primi Duemila, un immaginario che mi affascina profondamente da sempre – racconta il produttore –. Ho esplorato il lato più intimo, notturno e introspettivo di quelle sonorità unendolo alle mie radici e influenze occidentali, cercando di dare forma a una sintesi autentica tra due mondi solo in apparenza distanti. La collaborazione con Moonlight – 月と涙 – è stata fondamentale: la sua voce e la sua straordinaria sensibilità hanno donato alle parole giapponesi una grazia rara, creando il contrappunto perfetto con la spinta ritmica del basso e il respiro siderale dei synth. È un brano nato per scavalcare i confini di genere e di geografia, convertendo la malinconia in pura energia vitale.»

Dalla chitarra al Web3 e a Hollywood: il profilo internazionale di Tony Fortunato

La pubblicazione di “Tameiki” rappresenta una nuova vetta nel percorso artistico di Tony Fortunato, polistrumentista e producer autodidatta contraddistinto da una visione spiccatamente internazionale. Dopo aver maturato una solida preparazione chitarristica attraverso masterclass con maestri della sei corde come Giorgio Secco e Luca Colombo, Fortunato ha impresso una svolta radicale alla propria carriera a partire dal 2020, dedicandosi allo studio intensivo della produzione in studio, del basso, delle tastiere, delle percussioni e delle più avanzate tecniche di mixing e sound design.

Una versatilità che lo ha portato rapidamente a collaborare con l’industria audiovisiva statunitense: nel 2024 ha curato la produzione sonora per l’attrice e performer hollywoodiana Katie Chonacas (già celebre protagonista del videoclip cult “Who Knew” della popstar P!nk e interprete in note serie TV e pellicole internazionali), firmando il singolo poetico “Last Train to Paris” e la suite multimediale “Reflections of an Actor”. Un’esperienza che ha consacrato Fortunato tra i pochissimi produttori italiani con un portfolio accreditato nella sonorizzazione di opere d’arte digitali NFT nell’ecosistema Web3.

Dall’EP “Blueprint” ai maestri del mix: una contaminazione stilistica a 360 gradi

Dopo aver tessuto collaborazioni internazionali nell’album “Leave the World Behind” – con interpreti come Jaidy Zavala, Abigail Bignell, l’artista colombiana Angarita e Vimoksha (Emina Bajtarević, Golden Buzzer a Croatia’s Got Talent 2023) –, il 2026 ha visto l’uscita del suo acclamato EP “Blueprint”: sei tracce sospese tra raffinatezze Urban-Pop e riscritture cross-culturali. Per elevare la resa timbrica ai massimi standard globali, l’artista ha affidato il missaggio e il mastering a sound engineer di caratura planetaria, tra cui Mariano Beyoglonian (vincitore di due Latin Grammy Awards), Romuald Klemm (attivo per Warner e Universal Music), Jimmy Cucchiara e Fabio Maiorano.

Il bagaglio di riferimenti di Fortunato spazia con naturalezza dal rock monumentale di Dire Straits, Led Zeppelin, Fleetwood Mac e Avenged Sevenfold fino al funk chirurgico di Nile Rodgers, passando per le contaminazioni gipsy-flamenco di Armik, l’eleganza pop di ABBA, Steely Dan, Supertramp e Daft Punk, il jazz immortale di Chet Baker e Miles Davis, fino ai fenomeni moderni del J-Pop contemporaneo come Yoasobi e Zutomayo. Con all’attivo singoli applauditi come “Desde cero” (semifinalista all’International Songwriting Competition), “En su lugar”, “She”, “No pasó nada” e “Sweet”, l’artista si candida a punto di riferimento della scena cosmopolita.

Il lancio di “溜め息” (Tameiki) dal 23 ottobre 2026 sarà accompagnato dall’uscita del suggestivo lyric video ufficiale su YouTube. Un tassello fondamentale che consolida il percorso di un musicista capace di guardare oltre l’orizzonte, fondendo l’anima di Tokyo con la modernità europea.