Milano – In una società iperconnessa, nevrotica e bulimica di stimoli visivi e acustici, dove l’individuo è perennemente sollecitato a monitorare notifiche, performare e controllare ossessivamente ogni istante della propria esistenza, compiere un passo indietro può rivelarsi il più radicale dei gesti sovversivi. Da venerdì 23 ottobre 2026 è disponibile in tutte le radio e sulle piattaforme di streaming musicale «Smetti di fare attenzione», il folgorante nuovo singolo dei tuttotace. Il brano, pubblicato da Red&Blue Music Relations e distribuito su scala globale da ADA Music Italy (divisione di Warner Music Group), segna una tappa fondamentale nel percorso di una delle formazioni più originali, colte ed eclettiche della nuova scena indipendente italiana.

Stilisticamente cesellato su un raffinato impianto math-rock, dove tempi dispari, incastri poliritmici e linee melodiche dense si avvolgono a vicenda, il singolo trasforma l’ansia dell’iperstimolazione moderna in una danza liberatoria. La complessità strumentale – lungi dall’essere un mero esercizio virtuosistico – traduce sul piano plastico il disordine interiore che ciascuno di noi sperimenta ogni giorno, introducendo una disciplina sonora rigorosa che paradossalmente serve a liberare la mente dalla prigione del controllo.

La rivoluzione di distogliere lo sguardo: il math-rock contro il caos quotidiano

Al cuore di «Smetti di fare attenzione» pulsa un paradosso fecondo: il vero atto di ribellione contemporaneo consiste nell’imparare a voltarsi dall’altra parte, nel concedersi il lusso di non capire tutto e di accettare con serenità la perdita. Il contrasto lacerante tra l’infinita congerie di sollecitazioni esterne e la fisiologica incapacità umana di governarle si scioglie nel ritornello-mantra che intitola il pezzo, scandito e ripetuto come un monito terapeutico per disinnescare il panico da prestazione.

A spiegare l’importanza fondativa della canzone nell’universo del gruppo sono gli stessi musicisti: «Per un lungo periodo, “Smetti di fare attenzione” è stato il brano deputato ad aprire i nostri concerti. È sempre stato il nostro inno programmatico, la cifra concettuale attraverso cui tentiamo, con uno sforzo titanico, di abitare e decifrare la realtà che ci circonda. C’è una ragione precisa se gli abbiamo sempre assegnato questo ruolo introduttivo: bisogna arrendersi con umiltà al fatto che non tutto può essere tenuto sotto controllo».

«“In fondo resterà per sempre ciò che sfugge dalle mani” – proseguono i tuttotace citando uno dei passaggi chiave del testo –: è una frase quasi ovvia nella sua semplicità, eppure coglie il nodo della questione. Non si può afferrare tutto, non si può trattenere tutto. Esiste una sproporzione incolmabile tra ciò che riusciamo a conservare dentro di noi e l’immensità di cose che non capiamo né possiamo stringere, e che inevitabilmente scivolano via per sempre. E, come conclude il brano con una leggerezza disarmante, “in realtà va bene”».

Dalle lezioni di filosofia al garage: le quattro anime dei tuttotace

La genesi dei tuttotace è una storia accademica e cameratesca al tempo stesso. Il progetto vede la luce nel 2019 dall’incontro tra Massimo Rusi (voce e chitarra) e Riccardo Quell de Riso Paparo (batteria e percussioni), all’epoca compagni di corso e studenti della facoltà di Filosofia. L’innesto successivo del bassista e corista Federico Bentivoglio e del chitarrista e corista Andrea El Khaloufi, conosciuti anch’essi tra i corridoi dell’ateneo, trasforma quella che era una distrazione post-studio in una vera sala prove dedita all’improvvisazione e alla composizione continuativa. Con il passare degli anni e delle jam session, la band matura la consapevolezza di essere divenuta una creatura autonoma, capace di superare la somma delle singole personalità.

Ciò che rende unico l’impasto timbrico dei tuttotace è la convivenza di matrici musicali apparentemente incompatibili. Massimo Rusi suona la chitarra con un piglio rustico e rurale: si è formato sul fingerpicking acustico e sul country alla Bill Monroe, per poi ibridare la sua scrittura con l’emo cantautorale dei Pinegrove, gli incastri armonici dei Genesis e la grande tradizione del cantautorato italiano di Fabrizio De André e Francesco De Gregori. Riccardo Quell de Riso Paparo governa la ritmica con una perizia tecnica e una carica espressiva debitrici di giganti come Carter Beauford e Vinnie Colaiuta, tanto da essersi guadagnato dai fan più calorosi l’appellativo affettuoso di guida perenne del gruppo.

Federico Bentivoglio, ribattezzato «il signore dell’armonia», porta nelle partiture il rigore melodico dei Beatles, le spigolature indie degli Arctic Monkeys e il grunge psichedelico dei Verdena. Infine, Andrea El Khaloufi, dopo aver abbandonato gli studi classici di pianoforte in Conservatorio sedotto dal rock pesante di Metallica e Tool, ha traslato la sua sensibilità chitarristica verso le dilatazioni sognanti dello shoegaze alla Alcest e le maree post-rock dei Mogwai, agendo da fondamentale catalizzatore sintetico capace di contenere le pulsioni della band in una forma canzone compiuta ed emozionante.

La musica come promemoria emotivo: da «Periferie 1» a «un’altra grande città»

Per i tuttotace la canzone è concepita primariamente come un promemoria dell’inconscio: un dispositivo sonoro incaricato di verbalizzare e trattenere ciò che nel trambusto del quotidiano rimane inespresso. Ciascun testo nasce da una sensazione fugace, ma l’arrangiamento ha il compito di trasfigurarla in qualcosa di inedito, evocando risonanze emotive che non potrebbero essere risvegliate se non attraverso l’ascolto di quella precisa sequenza di note. Il quartetto funziona come una sorta di «quinta persona», un’entità collettiva che grida la propria urgenza espressiva senza compromessi modaioli.

Questa visione artistica ha trovato eco anche nella dimensione visiva, grazie a collaborazioni di rilievo nel cinema e nel giornalismo culturale: per i videoclip dei singoli Questo suono e A cena il gruppo ha lavorato con il team del regista Riccardo Baiocco, redattore della prestigiosa rivista Sentieri Selvaggi, mentre per il video di Signori si è affidato all’estetica di Andrea Boccianti. Tasselli che hanno aperto la strada alla pubblicazione, nel settembre 2026, dell’EP «Periferie 1», prima anticipazione ufficiale del monumentale album d’esordio «un’altra grande città», registrato nell’estate 2025 dopo cinque anni ininterrotti di prove e in arrivo nei primi mesi del 2027.

Oltre venti inediti e il sudore dei club: la promessa dei tuttotace

Forte di un repertorio che conta già oltre venti composizioni inedite pronte per essere incise e suonate dal vivo, la band guarda al futuro con l’entusiasmo di chi ha fatto del palcoscenico il proprio habitat naturale. L’obiettivo dichiarato dei tuttotace non è rincorrere l’algoritmo usa-e-getta, ma costruire una comunità di ascoltatori appassionati, desiderosi di farsi travolgere dalla tensione elettrica dei loro concerti e di cantare con trasporto liberatorio brani densi di verità.

Con «Smetti di fare attenzione», i tuttotace firmano un manifesto generazionale autentico, invitando ciascuno di noi ad abbassare le difese, respirare a fondo e riscoprire la bellezza vertiginosa di tutto ciò che sfugge alla nostra presa.

Como – Nel panorama cantautorale contemporaneo, dove le produzioni tendono spesso a rifugiarsi in un intimismo acustico monocorde o nelle scorciatoie sintetiche dell’urban pop, c’è chi sceglie di imbracciare la chitarra elettrica, accendere gli amplificatori a valvole e far ruggire il sassofono come nella gloriosa tradizione rock degli anni Ottanta. Dal 23 ottobre 2026 è disponibile su tutte le piattaforme digitali di streaming musicale e in rotazione radiofonica nazionale «L’infinito è finito», il nuovo trascinante singolo del cantautore comasco Tommaso Imperiali. Il brano, pubblicato dall’etichetta indipendente Altavibe Music e distribuito su scala globale da The Saifam Group, segna un’evoluzione stilistica dirompente a pochi mesi dall’uscita dell’acclamato LP Inni generazionali.

Classe 1999, penna affilata e anima intrisa di sudore da palcoscenico, Imperiali firma una canzone che colpisce allo stomaco per lucidità e compattezza sonora. «L’infinito è finito» non è soltanto un titolo a effetto, ma una diagnosi generazionale spietata sul tramonto delle promesse facili, sull’inconsistenza dei miti rassicuranti e sull’impatto con un futuro precario che sembra aver cancellato ogni orizzonte certo. Eppure, in questo scontro frontale con la realtà, il brano non si arrende mai al nichilismo: al contrario, trasforma la caduta delle certezze in una scarica di adrenalina, in un imperativo categorico a continuare a lottare e a credere in qualcosa di autentico.

Il tramonto delle illusioni e il ruggito del rock: la lezione di Bruce Springsteen

Sul piano prettamente musicale, il brano segna una dichiarata e fiera dichiarazione d’amore per il grande rock americano d’oltreoceano. La chitarra ritmica incalza la sezione ritmica con un groove quadrato e pulsante, mentre i riff graffianti del sassofono irrompono nella melodia evocando all’istante le atmosfere epiche della E Street Band di Bruce Springsteen, il romanticismo urbano di Tom Petty e la spigolosità del miglior Heartland rock. Una miscela sonora che esalta il contrasto poetico del testo, condensato in uno dei passaggi più folgoranti del brano: la lucida consapevolezza che «la storia non si fa con i soli di sax», ammonimento che non smorza la passione ma ne definisce la responsabilità etica.

A spiegare l’urgenza creativa da cui è scaturito il pezzo è lo stesso cantautore comasco: «È il primo passo di una nuova parte del percorso artistico che ho iniziato con l’album Inni generazionali. Da un lato avverto una forte continuità con l’anima delle canzoni del disco, ma dall’altro sento questo singolo come l’innesco di una direzione totalmente nuova: più rock nei suoni, più viscerale negli arrangiamenti e ancora più diretta e incisiva nella scrittura dei testi. Con la band abbiamo già pronti altri brani nati con questa medesima energia e non vedo l’ora di portarli dal vivo e aggiungerli alle prossime scalette dei concerti».

La produzione agli Alari Park Studios e il videoclip ufficiale

La cura maniacale del suono è uno dei punti di forza del progetto. La traccia è stata prodotta dal rinomato produttore Lorenzo Cazzaniga, che ha curato personalmente le registrazioni e il mixaggio presso gli storici Alari Park Studios di Cernusco sul Naviglio, alle porte di Milano. In studio di registrazione ha preso vita una sinergia strumentale ad altissimo voltaggio: il drumming solido e dinamico di Michele Burgo alla batteria si fonde con le timbriche calde delle tastiere di Federico Gemignani e con le sciabolate soliste del sax di Tommaso Roscio, cesellando un impatto sonoro corposo e privo di sbavature.

L’uscita del singolo è accompagnata dal videoclip ufficiale con la regia di Giada Garattoni e l’aiuto regia di Filippo Gerardi. La clip traduce in immagini l’atmosfera elettrica e la chimica fraterna della band: al fianco di Tommaso Imperiali figurano infatti il talentuoso chitarrista Daketo e lo stesso sassofonista Tommaso Roscio, compagni inseparabili e perni della formazione live che da anni incendia i palchi dei club e dei festival di mezza Italia.

Dalla gavetta con i Five Quarters al trionfo al contest «Cover Me»

Nonostante la giovane età, il cammino musicale di Tommaso Imperiali vanta radici solide e una gavetta maturata sul campo. Nel 2015 muove i primi passi da frontman fondando i Five Quarters, gruppo rock-blues che nell’arco di pochi anni si impone come uno dei fenomeni più caldi della provincia di Como, collezionando oltre 150 concerti in tutta la penisola e approdando alle selezioni televisive di X Factor 2019. Nel 2022 Imperiali decide di intraprendere il percorso solista, conquistando immediatamente la finale nazionale di Area Sanremo.

L’anno della prima svolta è il 2023: pubblica l’album autoprodotto Meccanismi di difesa, otto tracce in cui il cantautorato incontra la foga del rock americano, e si aggiudica – in duo con l’inseparabile chitarrista Daketo – il prestigioso concorso nazionale Cover Me, dedicato alle migliori reinterpretazioni filologiche dei capolavori di Bruce Springsteen. Nel gennaio 2025 arriva la firma con l’etichetta indipendente Altavibe, preludio a un biennio di fuoco: oltre 40 esibizioni live tra Lombardia e Nord Italia, sia in dimensione acustica che con la full band al completo, con tappe trionfali come l’apertura al concerto evento di Davide Van De Sfroos al Lake Sound Park di Como, il concerto in Piazza Santissima Annunziata a Firenze, la serata al celebre Teatro Sociale di Como e l’esibizione conclusiva al Milano Film Fest. Nel giugno 2026 corona questa ascesa con l’LP Inni Generazionali, stampato anche in vinile e distribuito da Saifam.

L’anima teatrale: dal Premio Scenario 2025 all’Aiace di Sofocle a Tindari

A testimonianza di una poliedricità fuori dal comune, Tommaso Imperiali affianca alla carriera discografica una prestigiosa attività di compositore e musicista di scena per il teatro contemporaneo. Dal 2023 collabora attivamente con la compagnia teatrale Dimore Creative, partecipando come musicista dal vivo allo spettacolo di teatro civile Ecologia Capitalista (scritto e interpretato da Pietro Cerchiello, con più di 70 repliche acclamate tra l’Italia e la Svizzera). Sempre per le scene firma la regia e le musiche originali di Concerto per uno sconosciuto, pièce trionfatrice del prestigioso Premio Scenario 2025 e in tournée nazionale da inizio 2026.

Nell’estate 2026 la sua ricerca sonora approda al teatro classico: firma le musiche ed è sul palco nell’Aiace di Sofocle prodotto dal Teatro Pubblico Ligure per la regia di Sergio Maifredi, debuttato con straordinario successo nell’antico Teatro Greco di Tindari e destinato ai principali teatri di prosa italiani nella stagione 2027. Un percorso a tutto tondo arricchito dal sodalizio con la realtà bolognese di Officina Roversi, che rende Tommaso Imperiali una delle voci più autorevoli, energiche e complete della nuova scena musicale italiana.

Roma – Quando la musica strumentale riesce a spogliarsi di ogni artificio retorico per trasformarsi in puro diario dell’anima, il tocco di un tasto d’avorio ha la capacità di evocare interi mondi sommersi. Dal 23 ottobre 2026 approda su tutte le piattaforme digitali di streaming musicale e in rotazione radiofonica nazionale «40 LUNE», il nuovo attesissimo singolo del pianista e compositore romano Alessio Pizzotti. Un’opera di profonda rarefazione lirica che si inserisce a pieno titolo nelle correnti più nobili della modern classical contemporanea, dialogando idealmente con le architetture sonore minimaliste di maestri nordeuropei come Ólafur Arnalds, Max Richter e Nils Frahm.

Il fulcro della partitura risiede in una conversazione limpida, trasparente ed essenziale tra il pianoforte acustico e una sezione d’archi dal respiro cinematografico. Il tocco misurato di Pizzotti accarezza la tastiera con un pudore quasi sussurrato, lasciando che ogni nota trovi la propria eco nell’abbraccio caldo delle viole e dei violoncelli. Si genera così un moto ondoso, una narrazione sonora a un tempo fragile e monumentale, capace di catturare l’ascoltatore sin dalla prima battuta e di condurlo in una dimensione meditativa lontana dai clamori sincopati della produzione discografica industriale.

La poetica di «40 Lune»: un bilancio esistenziale tra memoria e rinascita

Dietro il titolo evocativo del brano si cela un traguardo anagrafico e spirituale cruciale: il compimento dei primi quarant’anni di vita dell’artista. La luna, simbolo arcaico per eccellenza del ciclo del tempo, del mutamento perenne e della luce che fende l’oscurità, diventa qui la misura poetica delle stagioni trascorse. Quaranta lune come quaranta passaggi fondamentali, ciascuno contrassegnato da una cicatrice, da un addio, da una scoperta felice, da un incontro illuminante o da una metamorfosi interiore.

È lo stesso compositore a spiegare la genesi emotiva della composizione con parole cariche di sincera autenticità: «40 Lune è un viaggio attraverso i miei quarant’anni di vita, un intreccio inestricabile di emozioni, incontri, luoghi fisici e musica. Ogni singola luna rappresenta un frammento prezioso del mio percorso: un ricordo custodito con cura, una scoperta inaspettata, un cambiamento di prospettiva. In questi quarant’anni ho viaggiato a lungo, incontrato persone straordinarie che hanno segnato la mia traiettoria, vissuto esperienze che mi hanno trasformato fin nel profondo e scritto pagine musicali che, in qualche modo, hanno fatto da custodi a tutto questo».

«Con 40 Lune – prosegue Alessio Pizzotti – ho sentito il bisogno viscerale di fermarmi per un istante, guardarmi alle spalle verso il lungo cammino già percorso e trasfigurare quel bagaglio interiore in note. Non si tratta semplicemente di un brano concepito per celebrare un traguardo anagrafico, ma di un racconto intimo e senza filtri di ciò che sono stato nel passato, di ciò che sono diventato nel presente e, soprattutto, di tutto quello che sento di dover ancora vivere, esplorare e raccontare attraverso la voce del mio strumento».

Dalle aule del Conservatorio all’avventura a New York: una solida forgia accademica

La maturità compositiva che traspare in «40 Lune» è il frutto maturo di una formazione di straordinario rigore. Nato e cresciuto a Roma, Alessio Pizzotti ha intrapreso lo studio dello strumento classico sin dalla prima infanzia, per poi allargare costantemente i propri orizzonti stilistici verso il jazz, la canzone d’autore, le colonne sonore e l’elettronica colta. Il suo brillante percorso universitario lo ha visto conseguire la laurea con il massimo dei voti e la lode sia in Pianoforte Classico che in Piano e Tastiere Pop presso il Conservatorio di Musica di Frosinone, traguardo a cui ha fatto seguito il prestigioso diploma professionale al Saint Louis College of Music di Roma, autentica fucina di talenti musicali europei.

Un momento decisivo per la definitiva apertura del suo linguaggio artistico è stato il prolungato soggiorno negli Stati Uniti, nel cuore pulsante di New York. Nella metropoli d’oltreoceano Pizzotti ha avuto il privilegio di perfezionarsi e frequentare i corsi di autentiche leggende viventi del pianismo mondiale del calibro di Barry Harris e Jon Davis. Il contatto diretto con l’improvvisazione jazzistica newyorkese, con il senso del timing e con la libertà armonica della tradizione afroamericana ha arricchito la sua sensibilità classica, fornendogli quegli strumenti di flessibilità timbrica che oggi rendono la sua scrittura immediatamente riconoscibile.

Tra l’Orchestra RAI e i grandi tour: il debutto all’Auditorium Parco della Musica

Prima di intraprendere con decisione la via della composizione solista, Alessio Pizzotti ha costruito un curriculum professionale di altissimo rango sui palcoscenici televisivi e nei teatri più prestigiosi. Per diversi anni è stato componente stabile dell’Orchestra RAI, prendendo parte alle produzioni televisive di punta della rete ammiraglia. Parallelamente, ha calcato i palchi di tour nazionali e internazionali al fianco di giganti del panorama canoro italiano, tra cui Marco Mengoni, l’indimenticabile voce di Francesco Di Giacomo (storico frontman del Banco del Mutuo Soccorso), Massimo Di Cataldo e la storica formazione etno-folk degli Agricantus.

Questa straordinaria palestra live è confluita nel suo primo lavoro discografico da solista, l’album d’esordio «Dieci Giorni» (2015), concepito proprio tra i grattacieli di Manhattan e presentato al pubblico romano con un memorabile concerto sold out nella prestigiosa cornice dell’Auditorium Parco della Musica di Roma. A questo felice battesimo hanno fatto seguito gli album in studio «In Vita» (2018) e il recente e acclamato «BENINCONIA» (2024), nei quali la purezza del pianoforte gran coda ha iniziato a dialogare con sottili tessiture di sintetizzatori analogici e campionamenti d’ambiente, dando vita a brani molto amati dagli appassionati come Corde tese, Oltre Parigi e Occhi Freddi.

L’indipendenza produttiva e il trionfo dell’emozione pura

In un’epoca in cui la fruizione musicale è spesso dominata da formule algoritmiche preconfezionate e dalla fretta del consumo «mordi e fuggi», la scelta di Alessio Pizzotti di portare avanti un percorso rigorosamente indipendente e autoprodotto assume i contorni di una vera e propria resistenza culturale. Per il musicista capitolino, la composizione non deve rispondere a rigide etichette commerciali o a categorie di genere prestabilite: è uno spazio di totale libertà creativa dove immagini della memoria, luoghi attraversati e scatti dell’anima trovano rifugio e traduzione udibile.

Con «40 Lune», in uscita venerdì 23 ottobre 2026, Alessio Pizzotti regala al pubblico un’opera sincera e disarmante, capace di far vibrare le corde universali dell’ascoltatore. Un brano che non chiede di essere semplicemente ascoltato, ma di essere vissuto come un momento di quiete interiore, una pausa di bellezza necessaria per riconnettersi con la verità delle proprie emozioni.