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Redazione-  Oderzo, città veneta celebre per le sue stratificazioni storiche che vanno dall’epoca romana fino al fervore culturale contemporaneo, diventa il palcoscenico naturale dell’ultima scommessa artistica di Digaonthemic. Da venerdì 3 luglio 2026, l’artista trevigiano ha ufficialmente lanciato in radio e su tutte le principali piattaforme di streaming digitale il brano intitolato “Cantautorap”. Il pezzo funge da apripista per l’album omonimo, la cui pubblicazione è fissata per il prossimo 10 luglio, segnando un punto di svolta nel percorso di un musicista che ha fatto della libertà espressiva il proprio marchio di fabbrica.

Il superamento degli schemi tra pop e hip hop

Il brano nasce da una riflessione profonda sul bisogno umano e artistico di appartenenza. Digaonthemic analizza nel testo quella fase di transizione in cui un interprete smette di cercare un genere di riferimento per abbracciare la propria identità. Il ritornello, cuore pulsante della composizione, recita: «troppo pop per il rap, troppo hip hop per la trap, troppo rap per il rock, troppo soul per il punk». Queste parole non descrivono una crisi d’identità, ma dichiarano l’indipendenza da ogni categoria precostituita. Il singolo è il risultato di un incontro felice con Mari Sugli Alberi, il trio composto da Matteo Corazza, Giovanni Rigoni e Federico Celia. La collaborazione tra l’artista e la band non si è limitata alla sola esecuzione tecnica, ma si è trasformata in un intreccio di influenze che spaziano dal cantautorato classico alla musica reggae, passando per il rock. Il processo di mix e mastering è stato affidato a Luca Liessi, noto nell’ambiente con lo pseudonimo di James Cella, mentre l’estetica visiva del progetto è stata curata da Jonny Mancin, in arte Jeft.

La cornice veneta nel videoclip ufficiale

Per tradurre in immagini questo concetto di contaminazione, Digaonthemic ha scelto luoghi simbolo della sua quotidianità. Il videoclip di “Cantautorap” trasporta lo spettatore tra le poltrone storiche del Cinema Turroni di Oderzo e i filari geometrici che caratterizzano la campagna veneta circostante, in provincia di Treviso. La narrazione visiva ruota attorno a un incontro tra generazioni apparentemente distanti: i musicisti si esibiscono davanti alla compagnia di danza Ballando sull’Onda, formata da ballerini over settanta.

La regia, curata dallo stesso Digaonthemic – al secolo Andrea Digati – insieme alle riprese di Luca Liessi e Leandro Schizzi, cattura una trasformazione sociale. Ciò che inizia come un’esibizione frontale si scioglie in una partecipazione corale, culminando in una grande tavolata all’aperto tra i vigneti, dove il vino, la cucina locale e la musica diventano collante di relazioni umane. Le inquadrature aeree sottolineano la bellezza del territorio veneto, elevando il senso di libertà che permea l’intero brano. Si tratta di una visione che riflette il percorso dell’artista: una vita dedicata alla musica iniziata già a quindici anni, nutrita da vent’anni di scrittura, ricerca sonora e pubblicazioni che vanno dai tempi dei The Fox fino alla maturità del progetto solista.

Un percorso artistico lontano dalle mode

Digaonthemic non è nuovo a esperimenti di questo tipo. La sua carriera, che vanta la pubblicazione di quattro album con la precedente band e brani solisti come “Darling”, “Rafiki” e “Maracujá”, è sempre stata guidata dalla necessità di non piegarsi alle correnti commerciali. Per chi segue la scena musicale della Marca Trevigiana, il nome di questo artista è sinonimo di una continua evoluzione. Il suo approccio alla scrittura fonde la velocità metrica del rap con la densità emotiva del cantautorato italiano profondo.

Oggi, l’artista si presenta al pubblico con la convinzione che la musica non debba essere un esercizio di stile, ma un racconto coerente di un’esistenza. In un’epoca dominata dagli algoritmi che impongono la categorizzazione dei brani in playlist basate sui generi, “Cantautorap” si pone come un manifesto di resistenza. Non è solo il lancio di un disco, ma una dichiarazione d’intenti che sposta l’asse dell’attenzione dal genere musicale al contenuto, celebrando la contaminazione come l’unica strada percorribile per chi desidera una carriera autentica e duratura nel panorama discografico odierno.

Roma – Il panorama musicale italiano si arricchisce di un capitolo che sa di riscatto e amicizia autentica. La Capitale, con i suoi storici studi di registrazione che hanno visto passare generazioni di artisti tra via del Corso e le zone più periferiche, fa da sfondo ideale al nuovo progetto degli U-Man. A partire da venerdì 3 luglio 2026, sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le principali piattaforme di streaming il brano intitolato “We Were Young”, edito per l’etichetta Red&Blue Music Relations e distribuito da ADA Music Italy. Il pezzo segna una tappa fondamentale per il quintetto, consolidando il loro rientro sulle scene dopo una pausa durata oltre un decennio.

Il significato dietro il nuovo brano

La canzone si configura come una narrazione sincera del passaggio delicato dalla giovinezza all’età adulta. Il brano non si limita a fotografare il tempo che passa, ma scava nel profondo del vissuto personale, analizzando come le ambizioni adolescenziali si trasformino in una stabilità più consapevole. La riflessione tocca corde emotive universali: il peso dei sogni di un tempo che, invecchiando, lasciano spazio agli affetti reali, ai legami consolidati e alla libertà di essere finalmente sé stessi. Il cuore pulsante del testo è racchiuso nel ritornello, il quale descrive la giovinezza non come un momento da rimpiangere, ma come un tempo prezioso da custodire con gratitudine. Gli U-Man scelgono la strada dell’onestà intellettuale, ammettendo che, sebbene le priorità siano mutate radicalmente rispetto ai giorni in cui si riunivano nelle prime sale prove, l’entusiasmo di scrivere musica rimane immutato, anzi, risulta rafforzato dalla maturità acquisita.

Un videoclip tra memoria e presente

Per accompagnare l’uscita del singolo, è stato realizzato un videoclip firmato da Visionary Lab. Le riprese si distinguono per un’estetica ricercata, basata sull’uso del bianco e nero, scelta che conferisce alla narrazione un tono sospeso, quasi onirico. L’ambientazione, volutamente minimalista, funge da palcoscenico per una performance carica di energia, intervallata da sequenze simboliche. In particolar modo, il montaggio alterna il canto della band alla distruzione di oggetti quotidiani che si frantumano. Questa metafora visiva rappresenta la frammentazione delle aspettative giovanili, lasciando intendere che crescere significhi accettare la fine di alcune illusioni per accogliere una nuova prospettiva di vita. Ogni frammento che svanisce nello spazio scenico simboleggia un pezzo del passato che viene lasciato alle spalle, non per dimenticare, ma per permettere una crescita evolutiva necessaria.

La storia di un gruppo ritrovato

La parabola degli U-Man è simile a quella di molti giovani che, partiti dalla provincia italiana, hanno dovuto confrontarsi con le dure leggi del mercato del lavoro e le distanze geografiche. Composta da Jacopo Di Giuseppe alla voce, Luca Fareri alla batteria, Sebastian Marino alle tastiere, Alessandro Borgo Caratti alla chitarra e Fabio Penna al basso, la band nasce quindici anni fa da una profonda amicizia giovanile. Dopo una prima fase promettente, le vite dei cinque componenti si sono diramate, portandoli verso città diverse e carriere distanti dalla musica. Le demo registrate in quegli anni di spensieratezza sono rimaste chiuse in un cassetto fino a circa dodici mesi fa, quando il destino ha riportato il gruppo a riunirsi.

Il ritorno in sala prove, alimentato dalla stessa intesa di un tempo, si è rivelato la scintilla necessaria per riprendere un filo che sembrava interrotto. Oggi gli U-Man non si propongono come semplici nostalgici, ma come professionisti che hanno scelto di rimettersi in gioco con consapevolezza. La loro missione editoriale è chiara: dare voce a brani che sono rimasti sospesi per troppo tempo, coniugando l’energia rock che li ha formati con una visione del mondo più matura. Il loro percorso dimostra come la musica possa fungere da collante sociale, capace di superare i cambiamenti imposti dal tempo e le trasformazioni personali. Con questo nuovo lavoro, prodotto con estrema cura editoriale, la band intende parlare a chiunque abbia vissuto la transizione verso la maturità, celebrando la capacità di sognare ancora, indipendentemente dalle tappe raggiunte.