Redazione-  Quando nel 1951 nasce il Festival di Sanremo, la canzone italiana non ha ancora un’identità autonoma: è proprio la tradizione napoletana a fornire il modello melodico e poetico su cui il Festival costruirà la propria estetica. Un punto spesso dimenticato è che il Casinò di Sanremo ospitò in effetti già prima, nel 1931, una grande manifestazione dedicata alla musica napoletana, il Festival partenopeo di canti, tradizioni e costumi .

 La kermesse, pur non ripetuta, rimase nella memoria cittadina e divenne il modello mentale per chi, dopo la guerra, immaginò un festival musicale stabile. . Questo dato è cruciale: la canzone napoletana, primo repertorio urbano moderno d’Italia, entra così nel DNA del Festival prima ancora che il Festival  stesso esista!

Non è un caso che molti dei primi interpreti sanremesi — da Nilla Pizzi a Claudio Villa — incarnino una vocalità chiaramente debitrice della tradizione partenopea.

 La canzone napoletana struttura il DNA stesso di Sanremo.

Nel processo di formazione della canzone italiana, Napoli svolge un ruolo fondativo: non solo perché la canzone napoletana costituisce il primo repertorio urbano moderno della penisola, ma perché offre all’immaginario nazionale un modello melodico, linguistico e sentimentale che diventerà la matrice della produzione musicale italiana, anche nel mondo.

 L’autore Aniello Califano è dunque uno dei mediatori attraverso cui la tradizione napoletana si apre alla dimensione nazionale: la sua scrittura, più immediata e melodicamente “cantabile”, prefigura quella linea melodica che, attraverso Murolo, Bruni, Ranieri e poi D’Alessio, confluirà nella canzone italiana del secondo Novecento.

La forza della canzone napoletana sta nella sua capacità di rinnovarsi senza perdere la propria identità. Nel corso del Novecento e fino ai giorni nostri, la tradizione partenopea continua a generare nuove forme: la scuola chitarristica di Roberto Murolo, la vocalità drammatica di Sergio Bruni, la modernizzazione blues e jazz di Pino Daniele, la linea melodica pop di Massimo Ranieri e Gigi D’Alessio e la reinvenzione elettronica e urbana di Liberato

Tutte queste traiettorie, pur diversissime, mantengono un legame profondo con la tradizione ottocentesca e con quella generazione d’oro di poeti che ha definito il linguaggio della canzone napoletana.

 In questo orizzonte, la figura di Aniello (Alessandro) Califano si colloca come punto di snodo tra la grande stagione poetica di fine Ottocento e la successiva nazionalizzazione del gusto melodico. Rispetto ai tre grandi autori che hanno definito l’identità della canzone napoletana — Salvatore Di Giacomo, Ferdinando Russo e Libero Bovio —A. Califano ha saputo trasformare, in questo continuum, la tradizione in un linguaggio accessibile, popolare, nazionale, contribuendo a costruire quel ponte che unisce Napoli alla canzone italiana.

Califano è uno dei parolieri più influenti della canzone napoletana classica: autore di alcuni dei testi più celebri della tradizione partenopea, tra cui ’O surdato ’nnammurato (1915), Tiempe belle, presenti nelle raccolte e nei concerti dedicati alla tradizione partenopea e interpretate da generazioni di cantanti napoletani e non solo, rimanendo nel repertorio fino a oggi.

La sua scrittura combina lirismo popolare, attenzione alla vita quotidiana e un forte senso melodico, elementi che diventeranno tratti distintivi della canzone napoletana del Novecento.

 La sua poetica si fonda su una emozione immediata, diretta, capace di parlare a un pubblico vasto senza rinunciare a una forte intensità espressiva e comunicativa che anticipa la futura canzone italiana.

’O surdato ’nnammurato, con la sua apparente semplicità, è un esempio perfetto: una canzone popolare che trascende il locale, capace di diventare simbolo identitario e di attraversare il Novecento fino a oggi, preludendo a quella linea melodica che, attraverso Murolo, Bruni e poi Ranieri, confluirà nella canzone italiana del secondo Novecento. In questo senso, Califano non è soltanto un autore della tradizione napoletana: è uno dei mediatori attraverso cui “Napoli entra nel cuore della canzone italiana”, trasformando un patrimonio locale in un linguaggio nazionale.

La canzone italiana, così come si definisce nel dopoguerra, non nasce dal nulla: eredita a piene mani dalla tradizione napoletana una serie di elementi strutturali e simbolici: la melodia, la forma strofica regolare (strofa–ritornello, modulazioni) e la tematizzazione dell’amore, della nostalgia, del mare e della città.

Un’idea di “italianità musicale” fondata sul Mediterraneo che il Festival di  Sanremo eredita e istituzionalizza.

Non è un caso che molti dei primi interpreti sanremesi provenissero da quella tradizione o ne fossero influenzati.

 La kermesse , in questo senso, non inventa la canzone italiana: la istituzionalizza, la nazionalizza, la televisivizza. E lo fa a partire da un patrimonio che è, in larga parte, napoletano.

Quando nel 1951 nasce il Festival di Sanremo, infatti, la canzone italiana “nazionale”, come già ribadito, non esiste ancora come genere autonomo.

Il Festival dei fiori come dispositivo di nazionalizzazione della canzone italiana

Il Festival di Sanremo nasce nel 1951 in un’Italia che sta ricostruendo la propria identità culturale e simbolica dopo la guerra, e fin dall’inizio si configura come un vero dispositivo di nazionalizzazione della musica leggera. impressa nella memoria cittadina e fornì il modello mentale per la futura manifestazione. Quando in quell’anno la RAI e il Casinò decidono di creare una competizione dedicata alla “canzone italiana”, non fanno altro che istituzionalizzare un patrimonio già riconosciuto come nazionale, trasformando un repertorio locale in un linguaggio condiviso.

L’arrivo della televisione nel 1955 amplifica il processo: il Festival di San Remo diventa un rito collettivo, un luogo in cui la melodia mediterranea, la vocalità lirica e il sentimentalismo ereditati dalla tradizione napoletana vengono diffusi in tutto il Paese, contribuendo a costruire un immaginario musicale unitario in un’Italia ancora profondamente regionale. In questo senso, Sanremo non è semplicemente un festival: è un meccanismo culturale che seleziona, codifica e trasmette un’idea di italianità musicale, trasformando la canzone in un bene nazionale. La sua funzione non è solo estetica, ma politica e simbolica: attraverso la radio prima e la televisione poi, la kermesse crea un repertorio comune, un lessico affettivo condiviso, un pantheon di interpreti e melodie che diventano parte della memoria collettiva. La canzone napoletana, che aveva già elaborato un linguaggio melodico riconoscibile e una poetica dell’emozione immediata, trova così nel Festival il luogo della propria nazionalizzazione definitiva, mentre Sanremo trova in essa la propria matrice estetica. Il risultato è un processo circolare: Napoli fornisce il modello, il Festival di  Sanremo lo diffonde, l’Italia lo riconosce come proprio.

La televisione come vettore di nazionalizzazione del Festival di Sanremo

Il ruolo della televisione nella storia del Festival di Sanremo è così decisivo da poter essere considerato il vero motore della sua trasformazione in un dispositivo di nazionalizzazione della canzone italiana. Se le prime edizioni del Festival (1951–1954) avevano un impatto limitato e si svolgevano nel salone del Casinò, tra tavolini e pubblico distratto, è solo con il 1955 — anno in cui la RAI trasmette per la prima volta la kermesse in diretta televisiva — che Sanremo diventa un fenomeno culturale di massa, capace di raggiungere un pubblico nazionale e di costruire un immaginario condiviso .

La televisione, introdotta in Italia nel gennaio 1954, era allora un medium nuovo, desiderato, quasi magico. Poche famiglie possedevano un apparecchio, ma la visione collettiva nei bar, nei circoli, nei locali pubblici trasformava ogni trasmissione in un rito comunitario. Il Festival di Sanremo, trasmesso in diretta già dal secondo anno di vita della TV, divenne immediatamente uno degli appuntamenti più seguiti: un evento che non solo intratteneva, ma riuniva gli italiani, contribuendo a costruire una cultura nazionale in un Paese ancora segnato da forti differenze regionali.

La televisione amplificò il Festival proprio nel momento in cui l’Italia stava vivendo il miracolo economico, un periodo di modernizzazione accelerata che favorì la diffusione di nuovi consumi culturali e di nuovi modelli di vita. In questo contesto, Sanremo divenne il luogo in cui la musica leggera — fino ad allora diffusa soprattutto attraverso la radio e i circuiti locali — veniva codificata, selezionata e trasmessa come repertorio nazionale.

La televisione non si limitò a mostrare le canzoni: costruì un’estetica, un linguaggio, una ritualità. Le inquadrature, i costumi, la scenografia, la presenza del presentatore, la gestualità dei cantanti: tutto contribuiva a creare un immaginario riconoscibile e ripetibile. La canzone italiana, attraverso Sanremo, divenne un prodotto visivo oltre che sonoro, e la sua diffusione televisiva ne garantì la circolazione capillare. Brani come Grazie dei fiori o Nel blu dipinto di blu non furono solo successi musicali: furono eventi televisivi, momenti di identificazione collettiva che entrarono nella memoria nazionale.

La televisione, inoltre, rese possibile un processo di standardizzazione del gusto: ciò che veniva premiato a Sanremo diventava automaticamente “italiano”, mentre ciò che restava fuori tendeva a essere percepito come periferico o minoritario. In questo senso, il Festival agì come un filtro culturale: selezionava, legittimava e diffondeva un modello melodico che, pur trasformandosi nel tempo, rimase sempre riconoscibile. La tradizione napoletana — già radicata nel DNA del Festival grazie alla kermesse del 1931‑32 — trovò così nella televisione il mezzo per diventare definitivamente nazionale.

In sintesi, la televisione non fu un semplice canale di trasmissione: fu il dispositivo che trasformò Sanremo in un rito nazionale, capace di unificare il Paese attraverso la musica. Senza la televisione, Sanremo sarebbe rimasto un festival locale; con la televisione, divenne il luogo in cui l’Italia imparò a riconoscersi nella propria canzone.

Il Festival, nato per rilanciare il turismo e creare un repertorio nazionale, compie un’operazione culturale precisa: trasforma un modello locale (napoletano) in un modello nazionale, lo “normalizza” attraverso l’orchestrazione RAI , lo rende televisivo e popolare.

Negli anni ’50, quando la televisione entra nelle case (dal 1955)   Sanremo diventa il luogo in cui la canzone napoletana si mescola con:

– swing e jazz americano

– chanson francese

– primi influssi rock

– musica orchestrale da varietà

Il risultato è la “canzone italiana moderna”, che conserva però un nucleo melodico chiaramente mediterraneo.

Gli ultimi cantanti vincitori della rassegna sanremese hanno proposto canzoni facilmente riconducibili alle tematiche e sonorità melodiche napoletane: la  recente canzone vincitrice neomelodica  Per sempre Sì ,presentata dall’artista Sal da Vinci, è un esempio eclatante di come il gusto musicale nazionale sia stato negli anni fortemente influenzato dalla tradizione melodica imperante nella più seguita ed amata  kermesse canora italiana!

Per cui vale ancora più che mai  lo slogan

PERCHE’ SANREMO È SEMPRE SANREMO!

Storie Vere – Viviamo in un’epoca in cui la parola “resilienza” viene spesso abusata, svuotata del suo significato più profondo e utilizzata come un banale slogan motivazionale. Ma ci sono vite, storie scritte con le lacrime e con il sudore, che ci ricordano cosa significhi davvero resistere alle tempeste dell’esistenza. Quella di Menda Vreto non è una semplice testimonianza biografica: è un inno viscerale e potentissimo alla forza inesauribile delle donne, all’amore materno che non conosce ostacoli e alla dignità di chi sceglie di non arrendersi mai, nemmeno quando il destino sembra accanirsi con la massima ferocia.

L’arrivo in un Paese sconosciuto e l’ombra devastante della malattia

La storia di Menda inizia come quella di tante donne immigrate: l’arrivo in Italia in giovanissima età, un Paese nuovo da decifrare, una lingua da imparare e, soprattutto, due bambine piccole da crescere e proteggere. Lasciarsi alle spalle le proprie radici, una vita conosciuta e rassicurante, per lanciarsi verso un futuro incerto è già di per sé una prova di coraggio titanica. Ma la vita, purtroppo, aveva in serbo per la sua famiglia sfide ben più crudeli.

Il marito di Menda viene colpito da una gravissima malattia allo stomaco, un calvario clinico che lo costringe a subire ben tre interventi chirurgici. E come se non bastasse, anche la stessa Menda finisce sotto i ferri per due operazioni alla tiroide. In pochissimo tempo, quella che doveva essere una serena famiglia in cerca di fortuna si ritrova travolta: due genitori malati, due figlie piccole da mantenere, le bollette che si accumulano, i risparmi che svaniscono e il conto in banca che si prosciuga. Sono i giorni più bui, quelli in cui la disperazione bussa forte alla porta e in cui, per riuscire a mettere qualcosa in tavola, diventa indispensabile bussare con umiltà alle porte della Caritas.

Il pasto della disperazione e l’innocenza protetta a tutti i costi

C’è un ricordo, nella mente di questa donna straordinaria, che fa stringere il cuore e che fotografa meglio di mille trattati sociologici cosa significhi la povertà assoluta. Menda lo chiama, con un sorriso amaro, “il ricordo della pasta con le farfalle”. Quando metteva la pentola sul fuoco, l’acqua non bolliva per cuocere il formato di pasta che tutti conosciamo, ma perché nel pacco c’erano letteralmente le farfalline, gli insetti del cibo avariato, eppure non c’era nient’altro da mangiare per sfamare la famiglia.

Eppure, in quel mare di privazioni, Menda aveva un solo, incrollabile obiettivo: proteggere le sue figlie dalla brutalità della sofferenza. «Cercavo di non far vedere il dolore alle mie figlie», racconta. «Le mandavo in camera a giocare, perché non volevo che portassero sulle loro piccole spalle il peso insostenibile dei problemi degli adulti. Volevo che, almeno per qualche ora, potessero sentirsi semplicemente bambine». Un atto di amore purissimo, un tentativo disperato di preservare un briciolo di innocenza infantile in una casa assediata dalle preoccupazioni.

Il sacrificio supremo: la separazione per salvare la casa all’asta

Ma l’amore, a volte, richiede strappi dolorosissimi. Con il marito invalido, le figlie da sfamare e l’incubo imminente di perdere la propria casa, finita all’asta per i debiti, Menda si trova davanti a un bivio drammatico. Deve fare la scelta più lacerante per una madre: separarsi fisicamente dalle sue figlie. Mette in un cassetto la sua laurea in agronomia, chiude i suoi sogni personali in una valigia e parte per Milano, accettando di lavorare come badante per assistere la madre di un primario dell’ospedale Niguarda.

Saranno sei lunghissimi, interminabili anni di lontananza. «È stato uno dei sacrifici più grandi della mia vita, un dolore che ancora oggi faccio fatica a raccontare. Ricordo i momenti in cui potevo vedere le mie bambine soltanto attraverso un vetro». In quel momento, il lavoro non era più una questione di realizzazione personale, ma di pura, ferrea sopravvivenza. Menda ha svolto i lavori più umili, quelli che molti rifiutano, senza provare mai un grammo di vergogna. Perché in ogni pavimento lavato, in ogni notte passata ad assistere un anziano, c’era la dignità della sua famiglia e la salvezza della sua casa.

Crescere troppo in fretta: il coraggio di due piccole donne

Mentre la madre combatteva a Milano, a casa le due bambine, di appena 10 e 8 anni, si trovavano costrette a crescere a una velocità innaturale. Hanno dovuto accudire il padre malato, imparare a cucinare, assumersi responsabilità giganti. Eppure, non solo hanno resistito, ma si sono distinte. Fortissime a scuola, trovavano addirittura il tempo per aiutare due bambine italiane a fare i compiti.

Il ricordo che più tormenta Menda è quello delle corsie d’ospedale, quando le sue figlie, guardando i medici negli occhi, chiedevano con il terrore nella voce: «Dottore, mio padre guarirà? Non morirà, vero?». Erano bambine che avevano conosciuto l’assenza e la paura della morte troppo presto. Eppure, proprio in quel dolore condiviso, la famiglia ha trovato la colla per non disgregarsi.

La rinascita: lauree, dignità e il vero significato della forza femminile

Oggi, la tempesta è finalmente alle spalle. Le lacrime hanno lasciato il posto a un orgoglio immenso, dirompente. Quelle due bambine impaurite sono diventate donne forti, laureate, specializzate, padrone del proprio destino. Menda è riuscita nella sua titanica impresa: ha salvato la casa, ha curato il marito, ha fatto studiare le figlie. Resta, nel cuore della madre, il rimpianto per non aver potuto regalare loro un’infanzia spensierata e leggera.

Ma la lezione che ci consegna Menda Vreto è universale e preziosa: «Ho imparato che la forza di una donna non significa non avere mai paura, non piangere o non sentirsi stanca. La vera forza è andare avanti anche quando si è terrorizzati. È rialzarsi quando non ci sono più energie, è fare sacrifici mantenendo intatta la propria dignità, mettendo da parte se stesse per proteggere chi amiamo».

La sua non è solo una storia di dolore, ma un inno alla speranza. Ci insegna che non si può cambiare il passato, ma si può trasformare la sofferenza in un’opportunità di rinascita inarrestabile. Ed è questa, in fondo, l’unica e meravigliosa verità: la vera forza delle donne sta nella sovrumana capacità di amare e di ricominciare. Anche quando il mondo intero ti dice che è impossibile.

Redazione-  Luan Rama è un diplomatico, scrittore e ricercatore albanese di Tirana che vive e lavora a Parigi, Francia. È autore di molti libri dedicati ai legami tra la cultura francese e quella albanese. In qualità di ex ambasciatore dell’Albania in Francia (1991-92) e dell’UNESCO (1997-2001), ha lavorato soprattutto per proteggere e sviluppare i valori europei del suo paese.
Luan Rama appartiene alla categoria degli scrittori albanesi tradotti, ovvero gli scrittori di origine albanese i cui libri sono stati tradotti in italiano. È un diplomatico, scrittore e ricercatore albanese di Tirana che vive e lavora a Parigi, Francia. É autore di molti libri dedicati ai legami tra la cultura francese e quella albanese. In qualità di ex Ambasciatore dell’Albania in Francia (1991-1992) e dell’UNESCO (1997-2001). Ha lavorato soprattutto per proteggere e sviluppare i valori europei del suo paese.

Tramite i versi della poesia: “TU SEMPRE MI PERDONAVI”, il noto autore albanese Luan Rama, evoca l’intenso ritratto gigante della madre, il continuo amore incondizionato verso il figlio, in un ciclo che sembra senza fine, pur se segnata dalla sofferenza e dalla consapevolezza della solitudine.

La poesia si sviluppa in un flusso di coscienza che segue un ritmo lento e meditativo, come un racconto che in solitudine, attraversa i ricordi tra le mura oscillanti. La ripetizione di alcuni versi, come “Tu sempre mi perdoni” crea quasi una sorta di mantra, che sottolinea il tema centrale della perdono materno. I versi sono liberi e, il linguaggio è ricco di figure metaforiche, talvolta surreali, che dipingono un paesaggio emotivo, ricco di amore e l’insolubile legame materno.

Le allegorie, come “la luna che percorre il suo lungo cammino” o “il mare che aspetta che il sole si spenga in esso”, emergono l’interminabile viaggio della vita e del tormento. Nella figura della madre al centro del poesia, Rama dipinge perfettamente tutto il mondo emotivo e fisico, la lunga attesa accompagnata dal “fumo del tabacco” la solitudine e i suoi sogni, strettamente legati alla sua condizione di madre.

Il tema centrale del poema è il perdono incondizionato che una madre offre al proprio figlio. “Tu sempre mi perdoni” non è solo un semplice sentimento d’affetto, ma è anche un’idea che trascende il semplice perdono: è una forma di amore che non chiede nulla in cambio e che persiste nonostante tutto. La madre perdona senza riserve, senza mai giudicare il figlio, anche quando lui, allontanandosi, non mantiene le promesse, dimentica o fa scelte che la lasciano in attesa. L’amore di una madre è tale che perdura attraverso i limiti del tempo e dello spazio.

In molti passaggi, l’autore Rama, (seppur in forma narrativa), descrive i ricordi della madre in un ritorno a momenti e sentimenti legati alla sua stessa infanzia, alla sua crescita nonché alla vita della madre che ondeggia nel tempo. “Il sorriso nel sonno” della madre, e la finalità, l’evidenza della capacità che una madre riserba sempre, quella di perdonare in qualsiasi circostanza suo figlio. Ciò, è quel patto perenne che mantiene viva eternamente la connessione madre – figlio, sin dai primi istanti del concepimento, pur nei momenti in cui, il richiamo della vita, lo separa da lui. In questa poesia, c’è un’importante riflessione sul tempo che scorre velocemente, sui ricordi che diventano sempre più sfocati sui miraggi delle mura ma che restano comunque vividi.

Sulla morte della madre, purché in modo sottile, l’autore trasmette tanta sofferenza, un po’ “arrabbiato” anche, “non sei più la mia mirabile”, grido silenzioso della separazione, consapevole della mancanza d’ora in poi di quei momenti sacri, unici, irripetibili tra madre – figlio.

Al di là di tutto, nulla svanisce e questo, Rame lo presenta nella “luna”, il “mare”, la “brina”, i “papaveri”, i quali ci trasmettono la ciclicità di un amore che rinasce continuamente.

Il figlio è l’altra figura centrale della narrazione: lui è il “fiume” che scorre via, è il “mare” che aspetta il sole, è la “luce” che illumina il sorriso della madre persino nel sonno e nei sogni. Non chiedendo mai nulla in cambio, questo amore è il “mare” che “abbraccia i confini del mondo”, senza fini e confini.

In questa meravigliosa poesia, l’autore riesce a rendere universale ed unico, l’amore puro, non solo della madre, ma anche del figlio adulto verso di essa, che, purché con il rimorso di aver potuto mantenere le promesse ed evitarle tanta solitudine e preoccupazioni, rimane comunque “piccolo – innocente” tra i suoi seni, ancora con il latte bianco materno sulle labbra.

TU SEMPRE MI PERDONAVI

Tu sempre mi aspettavi, madre mia,

udivi le lancette in tarda ora,

sentivi il vento, la pioggia e i miei passi,

canticchiando vecchie canzoni

e guardavi la luna che andava verso l’interminabile attesa

la mezzanotte che giungeva e ti chiudeva le palpebre con una mano sacra.

Tu sonnecchiavi, chi sa in che sogno,

sorridevi nel sonno, come una bambina,

colmi di miraggi e facce paterni erano le tue mura.

Il giorno dopo, ti dicevo che sarei venuto prima,

e di nuovo con i miei cavalli partivo,

perdendomi nelle locande lontane,

sulle strade della boema,

nei giardini d’amore e implorazioni,

e tu aspettavi…

aspettavi tra il fumo del tabacco,

che la solitudine ti faceva dimenticare.

Quanto ti pesavano le nebbie del tempo,

“Mio figlio è come il fiume,” dicevi tu,

“I fiumi vanno e non sanno tornare,

mio figlio è come il mare che aspetta che il sole si spenga in esso,

è il vento che vorrebbe abbracciare i confini del mondo…”

E la brina calava,

e tu andavi

attraverso la brina alla mia ricerca,

camminando su piazze e vie sconosciute.

Avevi paura della lunga notte,

dall’oscurità dove si spegnevano le stelle dell’universo,

poi giocavi e ridevi con la mia infanzia,

con il pargolo concepito dall’amore e dal sangue,

ma il giorno dopo tu di nuovo mi perdonavi,

mi baciavi sul collo finché potevo respirare,

mi annusavi e la felicità abbracciavi,

e io giocavo con te,

pettinavo i tuoi capelli grigi che come argento luccicavano,

ti rendevo bella, amore dolente,

mio padre non c’era più,

prendevo le tue dita, baciandole

e tu ridevi, ridevi.

“Tuo padre non li ha mai baciato così”, dicevi,

e il tuo cuore si apriva,

il sangue come nei giorni della gioventù ti scorreva,

un mare dentro di te si apriva,

le ferite sul tuo seno baciavo,

un infinito campo di papaveri,

ma presto io di nuovo me ne andavo,

di nuovo miraggi nelle tue mura

oscillanti nel fumo del tabacco,

neomamma nei giorni di gennaio ti vedevi,

mentre ti affrettavi a festeggiare la mia nascita,

e nella notte fonda, mi perdonavi ancora,

fino a quando la luna calò e il mondo crollò,

mentre nei tuoi occhi si perdeva.

Ora, tu non sei più la mia mirabile,

ora tutti i salmi del mondo li canto per te,

per il grande desiderio che le ossa mi arde,

per il latte bianco che ancora sulle labbra ho.

Da: Angela Kosta Direttore Esecutivo delle Riviste: MIRIADE, NUANCES ON THE PANORAMIC CANVAS, BRIDGES OF LITERATURE, giornalista, poetessa, saggista, editore, critica letteraria, redattrice,