Roma – Esiste una linea sottile e misteriosa che separa il mondo disincantato degli adulti dall’universo magico, crudo e meraviglioso dell’infanzia. Una linea che l’arte, da sempre, tenta di attraversare. È proprio con questo spirito esplorativo che la Capitale si prepara ad accogliere la nona edizione di “Di là dal fiume”, l’attesissimo festival prodotto dall’associazione culturale Teatroinscatola ETS e diretto con maestria da Lorenzo Ciccarelli. Dal 23 agosto al 14 settembre 2026, Roma si trasformerà in un gigantesco palcoscenico diffuso, offrendo al pubblico un cartellone di undici eventi (rigorosamente a ingresso gratuito) che animeranno sei spazi diversi con proiezioni, concerti, installazioni, mostre e visite guidate.

“Di là dal fiume”: un viaggio magico nel segno di Carlo Collodi

Il cuore pulsante di questa edizione è il profondo e indissolubile rapporto tra Arte e Infanzia, un tema scelto non a caso. Il festival, infatti, prende le mosse dalle celebrazioni per il bicentenario della nascita di Carlo Lorenzini (1826-2026), il genio letterario noto in tutto il mondo con lo pseudonimo di Carlo Collodi. Come ricordava saggiamente Giorgio Manganelli: «Chi fa un viaggio rischia di arrivare, è accaduto ad Ulisse, accade anche a Pinocchio. Dopo fatiche e metamorfosi, egli è ammesso alla definitiva iniziazione alla condizione umana». Ed è proprio questa iniziazione, questo passaggio turbolento attraverso l’infanzia, che il festival intende raccontare, coinvolgendo luoghi insoliti della città: dall’ex Mattatoio di Testaccio (CAE) al cinquecentesco Palazzo Rospigliosi di Zagarolo, passando per Tor Bella Monaca e la Riserva Naturale della Marcigliana.

Il cinema dei Maestri: da Truffaut a Chaplin, fino alla magia dello Studio Ghibli

L’apertura della rassegna è affidata alla settima arte, con una sezione cinema di altissimo livello ospitata presso la Città dell’Altra Economia (CAE) a Testaccio. Si parte il 23 agosto con un capolavoro assoluto, “I 400 colpi” di François Truffaut, ritratto struggente delle inquietudini adolescenziali. Il 24 agosto si ride e ci si commuove con “Il monello” di Charlie Chaplin (1921). Le serate del 25 e 26 agosto, in collaborazione con l’Istituto Giapponese di Cultura, offriranno due perle orientali: la commedia “Buon giorno” di Yasujirō Ozu e l’onirico “Il mio vicino Totoro”, capolavoro d’animazione firmato da Hayao Miyazaki e dallo Studio Ghibli. E per i più piccoli, il 26 agosto, andrà in scena un laboratorio artistico interattivo guidato dallo scenografo Roberto Capone per colorare installazioni di animali giganti.

Pinocchio dal muto a Carmelo Bene: l’omaggio teatrale

La figura del burattino di legno più famoso del mondo sarà celebrata in pompa magna il 3 settembre presso lo storico Teatro La Comunità a Trastevere. La serata, intitolata “Pinocchio dal cinema muto a Carmelo Bene”, proporrà la visione del primissimo adattamento cinematografico di Pinocchio (datato 1911, con Ferdinand Guillaume), accompagnata per l’occasione dalla musica dal vivo del compositore Gabriel Maldonado. Seguirà un imperdibile incontro con Luisa Viglietti, storica costumista e collaboratrice del genio teatrale Carmelo Bene, che racconterà i retroscena dello spettacolo “Pinocchio ovvero Lo spettacolo della provvidenza” (1999).

Diritti dell’infanzia e collezionismo d’arte: le voci dei protagonisti

Il festival non è solo spettacolo, ma anche profonda riflessione sociale e civile. L’11 settembre (sempre al CAE), Raffaella Milano, direttrice dei programmi Italia-Europa di Save the Children, presenterà il suo libro dedicato a Eglantyne Jebb, la rivoluzionaria fondatrice dell’organizzazione che stilò la prima Dichiarazione dei diritti del fanciullo. Un incontro impreziosito dalle letture dell’attrice Paola Rinaldi e dalle dirompenti fotografie di Pino Bertelli (“L’infanzia insanguinata”). Nella stessa giornata, lo storico dell’arte Giuseppe Garrera condurrà il pubblico nel labirinto della sua ossessione infantile: una mostra di 180 minuscoli oggetti d’arte e giocattoli firmati da giganti come Andy Warhol, Keith Haring e Bruno Munari.

Luoghi insoliti e memoria storica: l’ex Orfanatrofio e i balocchi

Il programma include anche due imperdibili appuntamenti fuori porta. Il 30 agosto i visitatori potranno perdersi nelle meraviglie del Museo del Giocattolo di Zagarolo, il più grande in Italia, situato nelle sale affrescate di Palazzo Rospigliosi. La chiusura del festival, il 13 settembre, sarà invece un viaggio nella memoria architettonica e cinematografica della Capitale: una visita guidata sulle tracce del suggestivo ex Orfanatrofio della Riserva Naturale della Marcigliana, costruito nel 1933 e reso immortale dal film “I nuovi mostri” (1977).

Un festival, “Di là dal fiume”, fieramente indipendente (zero sovvenzioni pubbliche o private per l’associazione organizzatrice) che promette di restituire a Roma, e ai romani, il diritto sacrosanto di guardare il mondo con gli occhi pieni di stupore di un bambino.

Cultura – In un’epoca storica e sociale come la nostra, in cui troppo spesso il lamento sembra aver sostituito l’azione e in cui la pretesa del “tutto e subito” ha cancellato il sacro valore del sacrificio, ci sono parole che risuonano come un monito. Parole che tagliano l’aria con l’urgenza della verità e che ci costringono a voltarci indietro, a guardare da dove veniamo e, soprattutto, a chiederci di che pasta siamo realmente fatti. È questo l’effetto dirompente che si prova leggendo “Le scarpe rotte”, la splendida e intensa poesia scritta da Menda Vreto. Un componimento che non è solo letteratura, ma un vero e proprio inno universale alla resilienza umana, alla dignità del lavoro e al coraggio di chi ha dovuto strappare il proprio destino con le unghie e con i denti.

L’epopea silenziosa di chi parte senza niente

I versi di Menda Vreto raccontano un’epopea silenziosa e cruda. Raccontano la storia di chi ha varcato una frontiera, reale o metaforica che sia, portando con sé un bagaglio fatto solo di disperazione e speranza, avendo ai piedi, letteralmente o simbolicamente, delle scarpe consunte. La poesia smonta fin dai primi versi la retorica illusoria della “terra promessa”: non ci sono tappeti rossi ad attendere chi fugge o chi cerca un riscatto, non ci sono strade lastricate d’oro né porte spalancate. C’è solo una strada sterrata e difficile, e una sola, imperativa, necessità per sopravvivere: costruire. Costruire con il sudore, con le cadute, con l’umiliazione e con quei sacrifici silenziosi che nessuno vede, ma che lasciano cicatrici indelebili sull’anima.

“Le scarpe rotte” di Menda Vreto: il testo integrale

Siamo partiti con le scarpe rotte.

Ma chi ha mai detto
che per inseguire un sogno
servissero scarpe nuove?

Da dove si parte davvero?
Da una frontiera, da un porto,
o dal momento in cui la vita
diventa troppo stretta
per contenere ciò che desideriamo?

E dove si arriva?
In una terra promessa?
Davanti a porte spalancate,
a strade coperte d’oro?

No.

Non c’erano tappeti rossi.
Non c’erano soldi per terra.
C’era soltanto una strada.

E allora, cosa resta
quando nessuno ti aspetta?

Costruire.

Con le mani.
Con il sudore.
Con le cadute.
Con quei sacrifici che nessuno vede.

Quanti ostacoli può attraversare un uomo
prima di capire quanto è forte?

Quante volte deve cadere
prima di chiamarsi invincibile?

Abbiamo perso persone lungo il cammino.
Abbiamo perso giorni,
sogni, illusioni.

Ma non abbiamo perso il passo.

E forse diventare qualcuno
non significa arrivare più lontano degli altri.

Significa guardarsi indietro
e poter dire:

Non mi è stato regalato niente.
Eppure, eccomi qui.

Le scarpe sono ancora rotte.

Ma quanta strada hanno fatto?

E forse è proprio questa
la nostra vera ricchezza:

non avere avuto una strada facile,
ma aver trovato comunque
il coraggio di percorrerla.

Una fiera rivendicazione di orgoglio e appartenenza

Ciò che colpisce maggiormente nei versi della Vreto non è il dolore, ma il fiero e indomito orgoglio che ne scaturisce. Non c’è vittimismo in questa narrazione poetica, ma una potente e viscerale presa di coscienza. Arrivare a “diventare qualcuno” non è misurato dalla ricchezza accumulata o dal distacco preso dagli altri, ma dalla capacità di potersi guardare indietro, guardare le proprie mani callose e poter dire a voce alta: “Non mi è stato regalato niente”. In queste parole c’è tutta la dignità dell’essere umano.

Le scarpe rimangono rotte, consumate dai sassi della vita, dai fallimenti e dai lutti, ma diventano il trofeo più prezioso da esibire. Perché la vera ricchezza, ci insegna in chiusura Menda Vreto con una lezione di rara potenza, non è mai quella di aver trovato la strada spianata e facile. La vera, unica, inestimabile ricchezza è l’aver trovato dentro di sé, contro ogni pronostico e in mezzo all’indifferenza del mondo, il coraggio disperato e meraviglioso di percorrerla fino in fondo. Un messaggio che ciascuno di noi dovrebbe custodire gelosamente nel cuore.

Dott.ssa KOO MYONG-SOOK
Poetessa, Dottoressa in Filosofia (Università di Bielefeld, Germania), Professoressa invitata all’Università Soka (Giappone), Professoressa visitatrice all’Università Waseda (Giappone). Attualmente è Professoressa emerita presso la Sookmyung Women’s University, Membro del Consiglio del Museo Nazionale della Letteratura della Corea, Direttrice del Centro Culturale di Seocho

Redazione-  La raccolta poetica di Angela Kosta “PERLA D’AMORE”, è rinata in Corea come una vera Perla d’Amore, grazie alla traduzione in coreano del Dott. Kang Byeong-Cheol.Con gioia profonda e sincera, mi congratulo per questo grande traguardo. Grazie alla maestria nella traduzione del Dott. Kang, ho potuto anch’io leggere con facilità le opere della poetessa di fama mondiale Angela Kosta. È evidente che la maggior parte delle poesie di Angela Kosta ha origine nella natura.
Le immagini di boschi, fiumi, brezza e stelle, non rimangono semplici paesaggi, ma si oscillano come simboli esistenziali. La stella, ad esempio, appare come una lampada che illumina la speranza trascendente. Attraverso la natura, la sua poesia esplora la solitudine fondamentale dell’essere umano, così come la solidarietà e le ragioni dell’esistenza.
Le sue opere esprimono anche la vitalità del ciclo della vita, nascita ed estinzione, vita e morte. In particolare, il suo linguaggio è intriso di una voce femminile che trasmette una forza vitale, dolce ma ben salda. Ella canta la volontà struggente di proteggere la vita fino in fondo, pur abbracciando la sofferenza umana. Non si tratta di una femminilità meramente sentimentale, ma di una forza che afferma l’esistenza fino all’estremo.
Infine, la sua poesia va oltre la semplice descrizione sensoriale e accoglie il mistero e la spiritualità, inducendo i lettori a riflettere sul significato fondamentale della vita. Le poesie di Angela Kosta non si fermano a una lirica sensoriale, ma si espandono in una dimensione spirituale. Attraverso la luce delle stelle consolano il dolore umano; nel fluire del fiume rivelano il ciclo della vita; nel respiro del bosco evocano il tempo e la memoria. Per il lettore, le sue opere non costituiscono una semplice “esperienza di lettura”, ma offrono un invito alla contemplazione meditativa. Per questo, la poesia di Kosta spesso risuona come preghiera, inno o meditazione.
Nella poesia “Un pezzo di pane”, ella canta la sopravvivenza e la condivisione. Il pane simboleggia l’unità minima della sopravvivenza e della vita quotidiana. Kosta considera il pane non come un semplice alimento, ma come il minimo indispensabile di amore e speranza, di cui sostiene l’esistenza. Attraverso il significato di “un pezzo di pane”, ella celebra la dignità, la sacralità e la trascendenza della vita rivelata nelle cose più piccole.
Leggendo “La vita”, questa non appare come una linea retta, ma come “flusso” e “ciclo”. La vita scorre come un fiume, incrociando luce e oscurità, speranza e disperazione. Kosta non vede la vita soltanto come sofferenza, ma ne sottolinea i cicli, le lezioni e le rivelazioni.
In “L’apoteosi di Beelzebub”, affronta la critica del desiderio e del male. Alla fine, la sua voce abbraccia la sofferenza e l’amore umano, la critica sociale e la riflessione spirituale, rivelandola come una vera poetessa universale.

“L’uomo si inginocchia davanti all’ombra creata da lui stesso, e invoca il nome di Beelzebub come fosse Dio.”

Con immagini così forti, ella denuncia il culto del potere e la corruzione del desiderio nella società moderna. Ma non si tratta di una semplice satira religiosa: si legge piuttosto come una favola moderna che invita al risveglio spirituale e alla resistenza etica. Il linguaggio di Kosta è conciso, ma ricco di immagini e simboli, di una profondità e ampiezza incalcolabili, pur offrendo sempre al lettore una fresca novità.