Redazione-  Roma, e più in generale l’intero panorama culturale nazionale, si appresta ad accogliere una stagione estiva all’insegna di una forma artistica che rompe le barriere della comunicazione tradizionale. La compagnia Materiaviva, realtà di circo contemporaneo riconosciuta ufficialmente dal Ministero della Cultura, inaugura in questi giorni la tournée del suo spettacolo “Storie di Viaggio”. Non si tratta di una semplice sequenza di performance acrobatiche, ma di un articolato progetto di ricerca che mette al centro la Lingua dei Segni Italiana (LIS), trasformando il palcoscenico in un luogo di reale inclusione e poesia scenica.

La fusione tra corpo, segno e acrobazia

Il cuore pulsante di questo spettacolo risiede nella capacità degli interpreti di far convivere discipline fisiche differenti all’interno di una drammaturgia condivisa. La tecnica circense, che spazia dal contorsionismo all’acrobatica aerea fino al contact juggling, non rimane fine a se stessa. Al contrario, ogni movimento viene pensato per dialogare con la LIS, affidata alla sensibilità dell’interprete Benedetta Paris. Insieme a lei, sul palco, si muovono Roberta Castelluzzo, Fabiana Gargia, Alessandra Lanciotti – che cura anche la regia – e Filippo Porcari.

La scelta di integrare la Lingua dei Segni non è una semplice aggiunta stilistica, ma un atto di coerenza artistica. La compagnia esplora la possibilità che il corpo sia la prima, vera parola, superando le difficoltà di comprensione tipiche dei linguaggi verbali e abbracciando una forma comunicativa dove visibilità e presenza fisica coincidono. Il risultato è un’opera in cui la narrazione si dipana attraverso immagini sospese, trasformando la scena in uno spazio dove il silenzio non è vuoto, ma carico di significato.

Temi sociali e narrazione contemporanea

Sebbene la forma sia quella del circo teatro, le tematiche affrontate da “Storie di Viaggio” affondano le radici nel vissuto sociale odierno. Lo spettacolo si muove con la delicatezza della fiaba contemporanea, ma tocca corde profonde come la solitudine, il senso di spaesamento, il fenomeno complesso della migrazione e la lotta alla violenza sulle donne. La compagnia sceglie di raccontare queste storie non attraverso discorsi diretti, ma tramite una geografia emotiva fatta di metafore visive e momenti onirici.

Il baule, la corda, l’acqua o la luna diventano simboli attorno ai quali ruotano le vite dei personaggi, rappresentando il viaggio come una soglia, un passaggio necessario per la trasformazione individuale. È una ricerca che la compagnia Materiaviva persegue da tempo, intrecciando competenze eterogenee che spaziano dalla danza alla musica, fino al teatro di figura, per dare vita a una scrittura scenica che appare coesa e vibrante. La cura della scena, affidata a Giulia Simonetti, completa questo quadro, offrendo un supporto visivo che valorizza la gestualità dei performer e la fluidità della narrazione.

Un tour che attraversa l’italia

La tournée estiva rappresenta un momento di grande rilevanza per la compagnia, che porta la propria ricerca in contesti festivalieri di rilievo nazionale, pronti ad accogliere un pubblico diversificato. Le date previste coprono diverse aree geografiche, confermando l’impegno di Materiaviva nel promuovere la cultura del circo contemporaneo anche al di fuori dei grandi centri urbani. Il calendario si è aperto il 27 e 28 giugno a Mondovì, in Piemonte, per il Festival Piazza di Circo, seguito il 30 giugno da una tappa torinese nell’ambito della rassegna CIRCOndarIO 26.

Il percorso prosegue verso il centro Italia con l’appuntamento del 2 luglio presso la Cittadella della Musica di Civitavecchia, per poi spostarsi in Abruzzo, a Pineto, il 7 luglio, in occasione del Festival Fiabe al parco. Ogni tappa è pensata come un’occasione per avvicinare nuovi spettatori a un linguaggio che, pur essendo complesso, mantiene una forza comunicativa immediata. La missione di Materiaviva si conferma dunque quella di superare la barriera tra spettatore e performazione, rendendo l’arte un bene accessibile dove la diversità non è un ostacolo, ma una risorsa preziosa per arricchire il tessuto culturale del nostro Paese.

Le realtà che scelgono di ospitare “Storie di Viaggio” non intercettano solo un prodotto artistico di qualità, ma si fanno portatrici di un messaggio di inclusione attraverso le arti performative. In un momento in cui l’attenzione verso l’accessibilità culturale è crescente, la proposta di Materiaviva si distingue per la sua profondità e per l’originalità con cui riesce a coniugare il rigore tecnico del circo con la sensibilità comunicativa della LIS.

Redazione- Imola è il luogo in cui Marina Minardi, autrice e poetessa, ha dato forma definitiva a un progetto narrativo che affonda le radici nella sfera più intima dell’essere umano. Il suo nuovo lavoro, intitolato “Strano è Raccontare di Sé. Poesie per Continuare a Vivere”, edito da Aletti Editore all’interno della prestigiosa collana “I Diamanti della Poesia”, non è soltanto una raccolta di versi, ma un tentativo di ricomporre i frammenti di un’esistenza complessa. L’opera, disponibile anche in formato digitale, rappresenta una sintesi coraggiosa di anni trascorsi tra gioie, dolori, riflessioni sulla solitudine e la necessità, insopprimibile, di tradurre in parole ciò che spesso rimane confinato nel silenzio del cuore.

Un viaggio tra memoria e dolore

Il nucleo centrale della silloge è segnato dal ricordo di Kido Emiliani, figura di riferimento non solo per l’autrice, ma per l’intero panorama artistico locale e nazionale. Emiliani, celebre maestro di ceramica e pittura, viene celebrato attraverso versi che ne cristallizzano l’abilità nel maneggiare colori e forme, trasformandoli in testimonianze di una vita vissuta all’insegna della bellezza. La Minardi, nata a Pieve di Cento nel bolognese, traccia un parallelismo tra la malattia che ha segnato gli ultimi anni del compagno e la sua personale propensione alla scrittura.

La scrittura diventa, in questo contesto, un’indagine quasi tecnica del dolore. Quando la sofferenza minaccia di isolare l’individuo nel proprio “tunnel”, la parola scritta si trasforma in un ponte. L’autrice confessa come, fin dal manifestarsi del declino fisico del marito, sia scaturito in lei l’obbligo morale di testimoniare non solo l’arte di Kido, ma anche la profondità del legame che li univa. Questo processo di rielaborazione del lutto non si limita a fotografare il passato, ma scava nel vissuto, riportando alla luce dettagli che il tempo aveva offuscato, arricchendoli di nuove sfumature emotive. Il ricordo, filtrato attraverso la nostalgia, perde quella caratteristica di banalità quotidiana per elevarsi a forma di amore eterno.

La vita oltre il lutto e le stagioni del tempo

Sebbene gran parte della raccolta sia permeata dalla riflessione sulla perdita, essa non si chiude entro i confini del dolore. L’opera di Marina Minardi si apre, con una cifra stilistica schietta e priva di orpelli retorici, a capitoli nuovi dell’esistenza. La poetessa esplora il ritorno alla luce, la condivisione di nuovi affetti dopo lunghi periodi di isolamento e la scoperta di una resilienza del tutto inaspettata. Come sottolineato da Giuseppe Aletti, editore e formatore, la voce della Minardi si distingue per una linearità che rifiuta gli artifici letterari, preferendo la nudità dell’emozione pura.

L’ambizione dell’autrice non è accademica. Il suo obiettivo primario risiede nella connessione umana. Il libro, che ha trovato spazio di visibilità anche durante le recenti edizioni del Salone Internazionale del Libro di Torino, si rivolge a chiunque cerchi, nelle pagine, non una lezione teorica, ma uno specchio della propria condizione. La vecchiaia, l’insonnia, la solitudine, ma anche lo stupore davanti alla vastità di un cielo stellato, diventano temi universali. La Minardi trasforma la propria esperienza soggettiva in un patrimonio collettivo, invitando il lettore a guardare alle asperità dell’esistenza con una rinnovata capacità di stupore.

Non è raro che le sue parole sorprendano anche chi la conosce da una vita. Questa capacità di rivelare aspetti inediti del proprio io attraverso la poesia ha generato, fin dall’uscita delle prime opere, un riscontro positivo e inatteso da parte dei lettori. La Minardi descrive questo fenomeno con umiltà, riconoscendo come il successo della scrittura risieda, in ultima analisi, nella sua capacità di generare un senso di condivisione profonda.

“Strano è Raccontare di Sé” è un tributo costante alla vita stessa, celebrata con la maiuscola non come concetto astratto, ma come entità sovrana che resiste a ogni evento avverso. Attraverso questa opera, la poetessa non invita solamente ad abitare il presente, ma sprona a innamorarsi nuovamente di quel flusso inarrestabile fatto di incontri, addii e rinascite. Con questa pubblicazione, Marina Minardi si conferma una voce capace di trasformare la propria storia privata in un inno universale alla resilienza dello spirito umano.

Redazione-  La Galleria d’Arte Moderna di via Crispi si prepara a un importante cambio di rotta. A partire dal 24 giugno, il percorso espositivo della mostra “GAM 100. Un secolo di Galleria Comunale 1925-2025” si rinnova profondamente, offrendo ai visitatori l’opportunità di ammirare venticinque nuove opere tra dipinti e sculture. L’esposizione, nata per celebrare il centenario dell’istituzione capitolina, rimarrà aperta al pubblico fino all’11 ottobre 2026, confermandosi uno degli appuntamenti artistici di maggiore rilievo nel panorama museale della capitale.

L’iniziativa nasce dall’esigenza di far riemergere la ricchezza custodita nei depositi del museo, che spesso rimangono occultati al grande pubblico. Attraverso una rotazione sapiente dei lavori esposti, la direzione museale punta a offrire prospettive inedite su una vicenda storica complessa, che intreccia le ambizioni culturali dell’amministrazione comunale con l’evoluzione dei linguaggi artistici italiani tra il diciannovesimo e il ventesimo secolo.

Il legame tra storia e collezionismo pubblico

La mostra, che conta complessivamente oltre centoventi opere, riflette la lungimirante politica di acquisizioni avviata dall’amministrazione romana già alla fine dell’Ottocento. Il progetto curatoriale è affidato a Ilaria Miarelli Mariani e Arianna Angelelli, affiancate da un team di esperti composto da Paola Lagonigro, Ilaria Arcangeli, Antonio Ferrara e Vanda Lisanti. L’intero programma è promosso da Roma Capitale, con il supporto operativo di Zètema Progetto Cultura, a testimonianza di un impegno corale volto a valorizzare il patrimonio artistico civico.

La prima sezione del percorso si concentra sulle origini della collezione, legandola indissolubilmente alla nascita delle avanguardie storiche e al prestigio delle storiche Quadriennali. Tra i nuovi ingressi spiccano opere fondamentali di Giuseppe De Nittis, come il “Paesaggio invernale” del periodo 1867-74, e lavori di Alessandro Pigna e Augusto Bompiani, che testimoniano il gusto pittorico a cavallo tra i due secoli. Particolarmente rilevante è l’aggiunta di pezzi legati alle Biennali romane e alle edizioni della Quadriennale degli anni Trenta, tra cui spicca lo scultoreo “Ragazzo che si tuffa” di Lorenzo Lorenzetti e l’opera “L’angelo rapitore” di Gino Severini, che dialogano ora con le ceramiche di Nandù, creando un confronto dinamico con le correnti del Secondo Futurismo.

Dalla soppressione alla rinascita del museo

Il percorso prosegue analizzando la fase travagliata della soppressione della Galleria nel 1938 e il successivo, faticoso processo che ha condotto alla riapertura presso il Museo di Roma a Palazzo Braschi nel 1963. In questo segmento, il visitatore incontra opere degli anni Trenta che esprimono le tensioni e i cambiamenti sociali del periodo. La “Demolizione di via Giulia” di Mario Mafai rappresenta una testimonianza visiva della trasformazione urbanistica romana, affiancata dai lavori di Umberto Bottazzi e Nino Caffè.

Tra le novità assolute, il museo espone per la prima volta due capolavori finora rimasti lontani dagli occhi del pubblico: il paesaggio “Agitazione” di Onorato Carlandi, datato 1916, e l’encausto “Cantiere con figure” di Maria Immacolata Zaffuto, che arricchiscono il ventaglio di stili presenti in sala. La terza sezione, che copre il periodo dallo sbarco a Palazzo delle Esposizioni fino alla contemporaneità, accoglie testimonianze di variegata matrice stilistica. Dai vedutisti come Pompeo Fabri, esponente di spicco dei “XXV della Campagna Romana”, si passa al linguaggio astratto di Luigi Montanarini e Primo Conti, arrivando fino alla curiosa produzione dei “tavolettisti”, un gruppo di artisti meno noto al grande pubblico ma di grande interesse storico, rappresentato da Maria Cortini Viviani e Arrigo Taggi.

Questo aggiornamento dell’allestimento comporta, come da prassi conservativa, il ritorno nei depositi di alcune opere che hanno caratterizzato la prima fase della mostra, tra cui lavori di Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Manzù ed Emilio Greco. La rotazione consente di mantenere viva l’interazione con la collezione permanente, garantendo che ogni visita alla Galleria d’Arte Moderna possa rivelare dettagli inediti sulla stratificazione culturale della città di Roma, rendendo omaggio a un secolo di storia civica dedicata alla conservazione e alla diffusione dell’arte.